Die Gläserne Kette

Concurso para Estudiantes de Arquitectura PMKTL

2011-10-03T14:39:00.000-07:00

Hace un par de días se abrió un concurso dirigido a todos los estudiantes de arquitectura mundialmente, con el objetivo de motivarlos y enriquecer su experiencia estudiantil. Este blog fue contactado personalmente y a continuación se presenta la invitación al evento. A continuación encontrarán la información necesaria (en inglés), así como los links al evento, nombre del contacto y el correo.

Esperando su atención:

To the responsible of Die Gläserne Kette,

My name is Guillermo Carone and I’m writing as the co-founder of the site www.archmedium.com. From ArchMedium we organize International Architecture Competitions for Students that we believe help them get motivated and enriches their learning experience.

We believe this event can be of great interest for the readers of your site, and because of that we would like to ask for your collaboration in the task of promoting the new contest we’ve just launched under the name of “Paris Market Lab”.

A post about it will be great, or any link back to our page, mention in newsletters, etc. whatever you feel more comfortable with if you decide to help us will be welcomed.
At the end of this email you can find some links to the graphic material of this contest as well as the complete rules, but if you need anything else don’t hesitate to ask for it and we will do our best to provide it to you.

Here is a brief description of the competition theme and project:

Proposal

Gastronomy is without a doubt one of the largest economic activities in the world. With the appearance of new restaurants like the Bulli by Ferran Adria among others, a new concept of cooking has been born, where investigation and research have become key to understand the present and future of gastronomy.

From ArchMedium we will like to propose the creation of a new restaurant concept that we have called “Maket Lab”. The Paris Maket Lab is a complex where kitchen is taken to a new level; not only in the way that dishes are prepared but also in the way the clients interact with it. The Market Lab acts as restaurant and cooking school at once, and it wants to be nothing less than one of the best in the world in both categories.

The chosen site is strategically located a few steps away from the Sain-Germain market at the heart of Paris, forcing the new design to integrate and dialogue with all the history and the urban planning that surrounds it.

Jury:

The Jury will be formed by:

President of the jury: Gustavo Gili
Urban Planning: Estaninslau Roca
Architect: Josep Bohigas
Specialist (Cooker): Gontzal Bilbao
Invited Architect from Paris: Alejandro Lapunzina

Prizes:

4000 Euros in Chash
Publication of the project in the TC Cuadernos magazine, Future Arquitecturas, SUMMA+ and WA+wettbewerbeaktuell.
1 year subscription to the ON Diseño magazine.
Exhibition at the Architecture University of Barcelona (ETSAB) and Buenos Aires (UBA)

Calendar:

September 15th 2011	Registration period begins
January 31st 2012	Submision deadline

You will be able to find more information including the complete rules of the contest, pictures of the site, etc. by following the link below:
http://www.archmedium.com/mediakit/Concursos/PMKTL_Pre.php

Thank you in advance for your time and please don’t hesitate in answering to this e-mail if you have any comment, doubt or feedback.

Sincerely,
Guillermo Carone.
concursos@archmedium.com

Una denuncia hacia el deber y/o derecho de la arquitectura sostenible

2011-07-18T15:18:00.000-07:00

Por:Juan Carlos Montalván
Ensayo Primer Periodo 2011

Hoy en día la arquitectura sustentable se está convirtiendo en una necesidad impulsada no únicamente por un mercado de oferta y demanda sino también por una respuesta moral de parte de los diseñadores ante la problemática ambiental a la que se enfrenta el planeta y de la cual el negocio de la arquitectura es en gran parte responsable.

Pensar en una arquitectura ecológica, es pensar el edificio como un organismo vivo interactuando en un determinado ecosistema. Es un modo de concebir el diseño arquitectónico buscando aprovechar los recursos minimizando el impacto ambiental de las construcciones sobre el ambiente natural y sobre los habitantes para lograr un equilibrio entre las demandas de la sociedad, el medio ambiente y la economía y en última instancia, la restauración de daños ya causados. Todo mediante una propuesta apoyada en las herramientas pasivas y activas.

Generalmente se interpreta erróneamente el significado de la Arquitectura Sostenible. En cada etapa del proceso de diseño aparecen una serie de falacias de lo que percibimos como arquitectura sostenible. Por ejemplo en la crítica que nos presenta Martín Lejarraga con el título “Lo sostenible es una coartada para seguir haciendo lo mismo” nos dice:

“Expresando el riesgo de actuar sabiendo que tus acciones están siempre siendo auditadas y chequeadas y puestas en cuestión. La energía que eso supone, la adrenalina que tienes que generar continuamente para poder estar atento. En la arquitectura hay una parte intelectual y otra que es el negocio, que no me atrevo ni a calificar porque no participo mucho en ese mundo. Pero lo que no es negocio es la guerra, y una guerra cada día más complicada y más difícil porque el ámbito del negocio va ocupando la actividad social y por tanto de la actividad arquitectónica. Las dificultades de sacar adelante cualquier obra son cada vez mayores.” 1

Maqueta Lejarraga

Es en este caso la arquitectura se ve posesionada por la parte económica, la cual no pretende un interés en un aspecto que no sea de aumento de la ganancia ni en aportar una pequeña colaboración para el desarrollo del medio ambiente; dificultando la labor del arquitecto se ve obligado a balancear entre sostenibilidad y negocio .En el siguiente párrafo de el autor Martin Lejarraga continua:

“La mayoría de las veces que se habla de estos términos son palabras huecas que intentan dar un barniz a cualquier tipo de intervención aunque luego no tengan nada de sostenibles. Se usa con facilidad e impunidad porque muchas veces se trata de engañar a los demás. La arquitectura de verdad, la arquitectura a secas, ha sido siempre sostenible. Lo demás, lo que entendemos por negocio, nunca ha tenido que ver con eso y ahora tampoco por mucho que le pongan algo más de aislamiento y placas solares. El concepto de sostenibilidad no pasa por ahí pasa por un planteamiento previo mucho más importante que se resume en la frase de Bartebly “preferiría no hacerlo”. Lo primero que hay que plantearse es si la intervención es realmente necesaria y en qué términos. Hemos convertido lo sostenible en una coartada para seguir haciendo lo mismo, para seguir construyendo miles de viviendas innecesarias en lugares donde no se debería construir”. 2

El autor presenta una denuncia sobre la concepción errónea de arquitectura sostenible de hoy en día. En esta época la palabra sostenibilidad es un termino muy popular el cual solo se pronuncia una y otra vez pero no lo aplicamos en arquitectura ya que se habla de muchos elementos que contribuyen a lo sostenible y los cuales adornan las propuestas de diseño pero no se responde a las demandas de la sociedad en cuanto a sostenibilidad, contexto y aspiraciones.

“A lo largo de los años, el arquitecto ha ido perdiendo el prestigio de un técnico competente y preocupado por su trabajo. Y ese caudal de profesionales preocupados ha ido desdoblándose en dos ramas: la rama a la que le da todo igual, que van a ser una pieza más del engranaje constructivo y del mercado y otros arquitectos que quieren marcar la diferencia. La sociedad, que es inteligente, rechaza a unos y a otros. A los primeros porque la falta de compromiso la ven en sus viviendas. Y la otra rama, mucho menos numerosa, en su afán, a veces perverso, por hacer las cosas distintas, se queda en todo lo contrario, en tratar de imponer una serie de actuaciones que la sociedad no necesita o no entiende o le resultan caros e inabordables. Y se preguntan ¿no hay una forma de abordar las cosas de forma proporcional, honesta, tranquila, adecuada?” 3

Terraza en el Bosque

En la página web de Red Verde Ciudadana en su editorial “Hacia una Arquitectura Ecológica” el arquitecto Horst Schmitges invita a reflexionar sobre la arquitectura como si se tratase de un ser animado: “Pensar en una arquitectura profundamente ecológica, es pensar el edificio como un organismo vivo interactuando en un determinado ecosistema. Por ejemplo: una persona ingiere alimentos y elimina sus desechos, inhala oxigeno y exhala anhídrido carbónico. Si entendemos a la arquitectura como un organismo vivo, vemos que: necesita materiales para su construcción que generan un impacto ambiental; consume agua y elimina aguas grises y negras; toma aire exterior y despide aire viciado; necesita energía: eléctrica, gas, carbón, leña y petróleo, y elimina calor, radiación electromagnética, ruido y contaminación. Estos son los componentes del ciclo energético de una casa. Evaluar el impacto de cada uno de ellos y diseñarla de tal modo que los ciclos se auto regulen en armonía con los ciclos de la naturaleza, es nuestro desafío.”

¿Qué es entonces una arquitectura ecológica?

Es aquella que establece una interrelación armoniosa con la Naturaleza y con el Hombre. - Integrándose al ecosistema local: haciendo uso de los materiales y evaluar su impacto al entorno y armonizándolo logrando un conjunto que emule a los organismos vivos en cuanto a eficiencia y adaptabilidad, una relación entre el contexto y la obra arquitectónica que presenta soluciones al daño ocasionado a los ecosistemas tomando en cuenta las necesidades físicas, económicas y espirituales que siempre se han expresado en la arquitectura.

Para abordad una solución ala discrepancia que nos ocupa, el libro hacia una arquitectura sostenible nos plantea: “Para crear una arquitectura que se integre en los ciclos vitales de la Naturaleza, lo primero que debe hacerse es analizarla e intentar entenderla al máximo. Hay que evitar caer en el error de intentar emular simplemente la forma o la estructura de ciertos organismos naturales, y tampoco sirve de ayuda intentar usar la Naturaleza como fuente de inspiración. El modo de hacer las cosas del hombre, con ayuda de la tecnología que ha creado, es totalmente diferente al modo de hacer las cosas de la Naturaleza, y sus mecanismos naturales.”4

Podemos mencionar muchos principios de la arquitectura sostenible pero siempre diremos “ese principio lo cumplimos”, se puede ejemplificar con algunos principios esenciales y por los cuales debemos regir la arquitectura sostenible; tal es el caso de valorar: valorar las necesidades no solo cubrir las necesidades del cliente sino la del entorno del mismo modo, el sector de la construcción es el responsable de aproximadamente el 50% del vertido de residuos y emisiones en todo el mundo. Gestionar ecológicamente los desechos la modulación de suelos, paneles de tabiquería, paneles de fachadas produce inevitablemente una enorme cantidad de residuos. Utilizar materiales reciclables la “planta libre” y el concepto de desligar la estructura portante de los cerramientos y distribuciones del edificio, lo único que crea es un disminución de inercia térmica, y por tanto, la imposibilidad de un ahorro sustancial del consumo energético.

“En ningún caso el hombre ha pretendido realizar una actividad constructiva que estuviera integrada, en mayor o menor medida, en los ciclos naturales de la naturaleza.”5 Intentando maquillar la arquitectura racionalista usual con elementos sostenibles, lo único que va a conseguir es un encarecimiento de los edificios, pero no va a hacer nada por el medio ambiente.

“No pretendamos tapar el sol con un dedo”

La arquitectura sostenible es algo que debe nacer desde el momento en que el arquitecto se sienta a conceptualizar el diseño no debe ser producto de una imposición o necesidad de adaptarse a la última tendencia “verde” sino que debe ser producto de un conjunto de valores que reflejen cierta actitud o verdadero compromiso por el medio ambiente. Solo un arquitecto verdaderamente consciente de esto es capaz de comprender los mecanismos de la naturaleza, y traducirlos en una propuesta apoyada en conocimiento para lograr un equilibrio entre el hombre y su entorno.

“Una cosa es concebir y otra es producir”

Aprovechemos al máximo los recursos, maximicemos la utilidad del edificio y disminuyamos su impacto ambiental para que nuestras propuestas no sean solo mascaras de sostenibilidad donde el solo poner un panel solar o una losa ajardinada nos haga creer que estamos haciendo arquitectura sostenible. Tenemos que ver más allá de lo evidente, de lo simple para ofrecer un producto bien fundamentado que realmente merezca llamarse arquitectura sostenible.

1 Martín Lejarraga, “Lo sostenible es una coartada para seguir haciendo lo mismo”, párrafo titulado “Dices que la arquitectura es como ir a la guerra todos los días, vaya riesgo, ¿no?.
2 Martín Lejarraga, “Lo sostenible es una coartada para seguir haciendo lo mismo”, párrafo titulado “Es que quizás en estos momentos “sostenibilidad” sea la palabra de moda en el Mundo.”
3 Martín Lejarraga, “Lo sostenible es una coartada para seguir haciendo lo mismo”, párrafo titulado Esto, igual que lo que cuentas de las maquetas, provoca un alejamiento entre arquitecto y usuario.
4 Libro hacia una arquitectura sostenible Titulo: “La creación de Naturalezas Artificiales” pagina 9-10
5 Libro hacia una arquitectura sostenible pagina 12

Web grafía

http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_sustentable
http://www.redarquitectura.cl/2009/09/02/martin-lejarraga-lo-sostenible-es-una-coartada-para-seguir-haciendo-lo-mismo/
http://www.barcelonaenergia.cat/document/actualitat/hacia_una_arquitectura_ecologica.pdf

Concurso para estudiantes: “Rethinking Mallorca’s seafront”

2011-05-18T03:17:00.001-07:00

ArchMedium es un proyecto dedicado a la organización de concursos para estudiantes (con la colaboración de la Universidad Politécnica de Catalunya y la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona y la asociación de Universidades de Arquitectura IFOU) con el objetivo de formar a los futuros arquitectos de cara a este tipo de eventos y generar a su vez un entorno internacional y multicultural donde se encuentran propuestas arquitectónicas provenientes de todas partes del mundo, enriqueciendo así el proceso de aprendizaje.

Recientemente hemos abierto el periodo de inscripción para un nuevo concurso titulado “Rethinking Mallorca’s Seafront“. A continuación os paso algunos datos de interés sobre el concurso y os invito desde ya a visitar nuestra web www.archmedium.com para acceder a toda la información (bases completas, imágenes, planos, etc.

Propuesta:

El turismo es sin duda una de las actividades económicas más grandes del mundo.
Son muchas las costas que han sido indiscriminadamente castigadas por la especulación inmobiliaria hasta puntos casi irreparables. Existen innumerables ejemplos de ciudades creadas alrededor de la actividad turística; como Benidorm en la costa Española, Playa del Carmen en México, Cartagena en Colombia, etc. Irónicamente muchos de estos lugares paradisiacos pierden su encanto al ser masificados incluso para los propios turistas que lo potenciaron.
La arquitectura carga con parte de culpa en todo este proceso, pero también tiene la oportunidad de recuperar y corregir sus errores. Está en manos de la arquitectura hacer del desarrollo de esta actividad económica un medio sostenible que permita conciliar los intereses de todas las partes.
Es por eso que proponemos para este concurso repensar el frente marítimo de Cala Millor aprovechando la eliminación del tráfico rodado y potenciando el paisaje.
El ámbito de estudio está enmarcado entre uno de los proyectos piloto que se está impulsando desde el Consell Insular de Mallorca en el marco del Convenio Europeo del Paisaje.

La convocatoria es pública, internacional, y está abierta a todos los estudiantes de grado, que puedan acreditar mediante algún documento oficial (matricula, carnet de estudiante, etc.) su condición de estudiante en el momento en que se abre el periodo de inscripción.
También pueden participar aquellos estudiantes de postgrado cuyo título de grado no tenga más de 3 años de antigüedad (de ese modo se considera una formación continuada).
La participación puede ser individual o en grupo, siendo seis el máximo número de integrantes por equipo permitido.

Jurado:

El jurado contará con la presencia de los siguientes miembros:

Presidente del jurado Carlos Ferrater
Arquitecto y Urbanista: Biel Horrach
Arquitecta y Paisajista: Maria Goula
Arquitecto y Urbanista: Ricard Pie
Geógrafo y Doctor en Ciencias de la Tierra: Luís Gómez
Representante de la asociación Hotelera de Cala Milor: José Marcial

Premios:

4000 Euros en Efectivo
Publicación en las revistas: Future Arquitecturas, TC Cuadernos y WA
1 año de subscripción a la revsita ON Diseño
Exposición en UPC /ETSAB (Facultad de arquitectura de Barcelona) en el marco del congreso bianual organizado por el IFOU y en la FADU (Facultad de Arquitectura de Buenos Aires).

Calendario:

15 Mayo 2011

Inicia el periodo de inscripción

4 Noviembre 2011

Fecha límite de entrega de propuestas

Las bases completas las podrás encontrar en este link:
http://es.archmedium.com/Concursos/RMS/Descargas/ES_Bases_RMS.pdf

Daniel Libeskind, 17 palabras de inspiración arquitectónica

2011-05-17T09:15:00.000-07:00

Daniel Libeskind, 17 palabras de inspiración arquitectónica

optimista v/s pesimista

expresiva v/s neutral

radical v/s conservador

emocional v/s fría

inexplicable v/s entendida

mano v/s computador

compleja v/s simple

política v/s evasiva

real v/s simulada

inesperada v/s habitual

sin procesar v/s refinada

acentuada v/s inexpresiva

memorable v/s olvidable

comunicativa v/s callada

arriesgada v/s segura

espacio v/s moda

democrática v/s autoritaria

Con estas 17 palabras Daniel Libeskind define su visión de la arquitectura en esta breve pero intensa charla en TED Talks. El video a continuación.

La arquitectura modular

2011-01-30T10:09:00.001-08:00

La Comunidad Urbana de Bordeaux es una aglomeración de 26 comunas, que tiene como oficina pública de vivienda una institución llamada Aquitanis. Hace poco se lanzó un concurso para realizar viviendas modulares en la comuna de Floirac y las propuestas de cuatro agencias de arquitectura, con especial en la ganadora, fueron expuestas en el centro Arc en rêve. El proyecto se llama Rosa Parks y el concepto de modulación aplicado fue bautizado como Sylvania.La exposición se mostró en dos salas y por medio de fotos, planos, videos, una maqueta de un corte por fachada, folletos, pequeñas maquetas y hasta cubitos se trató de explicar, de forma muy accesible, el tema de proponer casas en serie desde un nuevo punto de vista. “La economía del proyecto

No tratar la economía del proyecto como una limitación que impide la expresión arquitectural, pero como un parámetro del proyecto al mismo nivel que los otros: el sitio, el paisaje o el programa. La economía puede orientar la reflexión y el esfuerzo en puntos que alimentan el proyecto de una manera a veces inesperada.

La economía no es forzosamente sinónimo de “menos” en cada parte del proyecto.

Es una elección de la repartición de las limitantes y de jerarquía resultando en el equilibrio específico del proyecto.”La primera sala exponía las propuestas y el resultado final, a cargo de la agencia TETRARC architectes. Se explica el método constructivo, de módulos con estructura de madera, que pudieran encajarse como un rompecabezas. Existen diferentes módulos según las funciones: los elementales que consisten en un módulo sanitario, uno de cocina, uno de habitación, uno de sala de estar, además de los adicionales como acceso, módulos de gradas, circulaciones, armarios, áticos, sótanos. Combinando los módulos elementales y los adicionales se obtienen diversos tipos de casas que van desde el T1, estudio de una sola pieza, hasta el T5, de 5 piezas, pudiendo armarse en diversas volumetrías, cuadrado, rectángulo, en L, en T, en S, etc, permitiendo así crear elementos estándares pero formas múltiples, adaptadas según el cliente y sus necesidades. “Alojamientos que atraviesan

La vista es primordial porque conecta el alojamiento al contexto.

Ella asegura la calidad de la unión entre adentro y afuera.

Los espacios que atraviesan permiten la circulación de la vista y del aire.

Dirigir la mirada de una parte a la otra para ampliar el espacio del alojamiento y enriquecerlo.”“Superficies corregidas

Transformar la percepción de las superficies estandarizadas de los programas ampliando los espacios con prolongaciones exteriores apropiadas, piezas sin calefacción, terrazas. En el interior, reducir lo más que se pueda, incluso suprimiendo cuando sea posible, las circulaciones, los pasillos, las desarticulaciones en beneficio de los espacios para vivir.” “Ninguna jerarquía entre las piezas

No pensar que ciertos espacios están sometidos a otros pero decirse que la calidad de una cocina o de una sala de baño vale tanto como la de un cuarto o una sala de estar. No suponer usos atribuidos a las piezas, pero dejarlos a la libre interpretación de los habitantes. Hacer que cada pieza del alojamiento disponga de una buena superficie y de una posibilidad de abertura al exterior.” La segunda pieza se concentró en explicar la vivienda modular a través de la historia y sobre el concepto del proyecto, tanto en su aspecto de variabilidad como la filosofía. Se trata de hacer casas de bajo costo pero también funcionales y que ofrezcan una buena calidad de vida, hasta del punto de vista psicológico. “Una pieza exterior por alojamiento

La pieza exterior es para el alojamiento un lujo necesario. Prolonga naturalmente los usos contenidos en el alojamiento.

Debe poder albergar actividades como comer, jugar, leer, dormir, la jardinería, la reparación.

Cuando sea posible, entrar en el alojamiento por la pieza exterior, como se entra en una casa pasando por el jardín.” La exposición es muy interactiva en el sentido que se pueden jugar con las maquetas, los bloques, se pueden leer todos los textos explicativos del proyecto y se pueden ver en tarjetas cada uno de los módulos, en isométrico y planta. Es una excelente manera de educar al público en cuanto a conceptos arquitectónicos pero también en promover un proyecto de una entidad gubernamental. “El espacio de más

La pieza suplementaria, la pieza de más, es un elemento indispensable al buen funcionamiento del alojamiento. Puede tomar la forma de un sótano, un ático, una bodega o un gran armario. Permite desarticular las otras piezas, ordenar, almacenar con el fin de dejar un espacio más fluido a los usos cotidianos.

Dar un “más” al alojamiento es ofrecerle una posibilidad de otros usos aparte que los funcionales y los programados como comer, dormir, bañarse… Fabricar “esquinas”, pequeños espacios adicionales donde pueden ponerse en marcha funciones que superan aquellas designadas por el programa: un pequeño estudio, un rincón para la televisión, un espacio para el sofá-cama.”

Los inicios de la conservación de monumentos en Francia

2011-01-08T16:11:00.001-08:00

La institucionalización de la conservación del patrimonio en Francia comenzó a finales del siglo XVIII, con los episodios ya relatados que desembocaron en la inauguración en 1795 del primer museo dedicado a los monumentos franceses, por Auguste Lenoir. Sin embargo esos esfuerzos por la protección de obras contrastaban con la venta de bienes nacionales en 1792, donde el Estado francés puso al alcance de manos privadas, que no excluían especuladores, muchas de las obras confiscadas con el fin de mejorar las finanzas gubernamentales. También hubo mucha destrucción de numerosos monumentos ligada a la expansión de las ciudades o a la instalación de las vías férreas.

Los cambios en el paisaje que se producían por la desaparición de esos monumentos, el traumatismo resultante pero también la nostalgia por la Francia del ayer fue lo que inspiró a Isidore Taylor, Charles Nodier y a Alphonse de Cailleux a publicar los “Viajes pintorescos y románticos por la antigua Francia”, una publicación ilustrada cuya primera edición de 1820 se dedicó a la Haute Normandie. Su propósito era valorizar los monumentos del país, consagrando cada volumen a una región específica.

Es importante mencionar el rol decisivo en la protección de monumentos que jugaron las sociedades científicas formadas por eruditos locales. En 1824, Arcisse de Caumont, asociado con Charles de Gerville, crea la Sociedad de Anticuarios de Normandía –que funciona todavía de nuestros días- con el objetivo de “buscar antigüedades y hacer estudios relativos a la historia nacional y a la conservación de monumentos”. (Gerville es el creador del concepto de “arte románico” que designaría, en términos sencillos, obras arquitectónicas que contienen arcos de medio punto y bóvedas de cañón corrido construidas entre los siglos V y XII. Crea un catálogo que clasifica formas artísticas de acuerdo a su cronología, sentando así las bases de la Historia del arte. Pero su noción de historia es una de progreso, de ciclos históricos, esa que considera que todo arte comienza con formas arcaicas, evoluciona hasta su cúspide clásica para luego entrar en una fase degenerativa.)

Diez años después Caumont crea la Sociedad francesa de arqueología, que igualmente se dedica al estudio y conservación pero no a la restauración de monumentos. Esta organización es la responsable de la publicación del “Boletín monumental” y del “Congreso arqueológico de Francia”, que cada año se centra en el estudio de una región. El impacto de esta sociedad fue enorme, generando organizaciones similares en todas partes del país que estudiarían y protegerían monumentos, llegando a veces hasta comprarlos. Por ejemplo en Gironde, la Sociedad Arqueológica de Bordeaux participó en la protección de los castillos de Blanquefort y Roquetaillade, este último restaurado por Viollet-le-Duc.

Desde 1819 el Ministerio del interior destina una parte de su presupuesto a los Monumentos históricos, pero es hasta 1830 que el ministro del Interior, François Guizot, crea el rol de Inspector de monumentos históricos cuyas funciones eran de armonizar los esfuerzos de protección del patrimonio entre los diferentes actores y crear un inventario de los monumentos a ser protegidos. Guizot se interesa en crear este inventario porque los monumentos permiten comprender la sociedad que las creó. Designa a Ludovic Vitet como primer inspector, seguido por Prosper Mérimée quien mantuvo ese puesto desde 1834 hasta 1860.

En 1835 Guizot crea el Comité de artes y monumentos, quien hace estudios e inventarios de los monumentos franceses y cuenta con grandes personalidades, entre ellas obviamente Vitet, Mérimée, Taylor, pero también se extiende a escritores como Victor Hugo, pintores, arquitectos y arquéologos.

Es hasta 1837 que se crea la Comisión de monumentos históricos, bajo la dirección del Consejo de edificios civiles que se encarga de controlar los trabajos que se realizan sobre estos designados monumentos. En 1840 aparece la primera lista de 1034 edificios que son clasificados bajo esta categoría, donde tienen un puesto importante los edificios de la Edad Media. El Comité de artes y monumentos era responsable de la publicación del “Boletín arqueológico”, que no tenía tapujos en juzgar e incluso condenar las intervenciones de la Comisión que muchas veces se encontraba en el lado opuesto de un mismo dilema de restauración. Esto es una particularidad del sistema francés de conservación donde se diferencian las tareas de inventario de aquellas de protección.

Sin embargo el personaje más emblemático de la restauración de monumentos en Francia es Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc (1814-1879), quien tiene el mérito de haber sido el fundador de una escuela de restauración y de un estilo: el neo-gótico. Viollet-le-Duc es uno de esos arquitectos rebeldes del siglo XIX quien se rehúsa a entrar a la Escuela de Bellas artes porque se oponía a su sistema rígido. Su formación consiste en la experiencia que adquirió en los talleres de Jean-Jacques Huvé y Achille Leclère, pero son sus viajes por toda Francia e Italia que causan un gran impacto en él.

Le-Duc era un firme defensor de la Edad Media y del estilo Gótico, argumentando que es antes que todo un sistema de construcción y proporción (y no uno de decoración como se creía en la época). Creía que es un arte nacional, racional y laico. Nacional porque el Gótico se origina en Francia y en ese sentido es más lógico exaltarlo que el arte de la Antigüedad que es una exportación griega y romana. Es racional porque la ojiva, símbolo por excelencia del estilo, responde a la voluntad de hacer más altas las iglesias por motivos religiosos, pero también por razones de salubridad: para aumentar el volumen de aire en los edificios. Y es laico porque ve en la ojiva el símbolo de los combates de la Razón contra la Autoridad, de la burguesía contra el feudalismo y después de todo, los arquitectos del siglo XIII eran todos laicos.

Contra el sistema educativo de su época que imponía cánones de una Roma idealizada, Le-Duc pensaba que la forma de construir en Italia y en Grecia no era importable en Francia por razones como el clima o los materiales y consideraba que “la imitación irracional de formas extranjeras destruye la identidad nacional”.

Es el autor de numerosas obras, entre ellas los 10 tomos del “Diccionario razonado de la arquitectura francesa del siglo XI al XVI”, donde en la entrada “Restauración” enuncia: “Restaurar, la palabra y la cuestión son modernas. Restaurar un edificio no es mantenerlo, repararlo o rehacerlo. Es restablecerlo a un estado completo que pudo nunca antes haber existido en un momento dado”. Este acercamiento de llevar un edificio a un estado ideal condiciona la restauración de monumentos durante el siglo XIX, pero ya no es aplicable en nuestra época cuando se restaura únicamente si se tiene suficiente información sobre la obra en cuestión, limitándose a proteger y a cristalizar en caso contrario.

Viollet-le-Duc aprendería gran parte de su oficio siendo asistente de Jean-Baptiste Lassus en la restauración de la Santa Capilla, trabajo encomendado al arquitecto Félix Duban. Desde estos trabajos ya se empieza a ver que las restauraciones se acompañan de investigaciones previas. Con 26 años se le confía la basílica de Sainte-Marie-Madeleine de Vézelay, pero también sobresalen sus intervenciones en la basílica de Saint-Denis, el castillo de Pierrefonds, la ciudadela de Carcassonne y por supuesto, la catedral de Notre Dame de Paris, en la que trabajó de nuevo con Lassus.

Pero hablar de Notre Dame obliga a explicar la influencia transcendental de Victor Hugo, no sólo en la valorización de esta obra pero del arte medieval en general. Hugo (1802-1805) fue desde siempre un verdadero defensor del patrimonio, publicando en 1825 un panfleto contra los destructores de edificios de la Edad Media llamado “Guerra a los demoledores”. “Nuestra Señora de París”, publicado en 1831 (reeditado con ilustraciones en 1836) tiene como personaje principal la catedral; describe la ciudad en 1482, y hace un llamado a la protección del arte medieval que es escuchado por las élites de la época debido al éxito rotundo del libro. Dos años después esboza el proyecto de rendir homenaje a los castillos medievales así como hizo con las iglesias en una novela que se hubiera llamado “Quinquengrogne”, nombre de una de las torres de cañón del castillo de Bourbon-L’Archambault, pero el proyecto no se realizó. En 1834 publicó “Literatura y filosofía mezcladas”, denunciando también destrucciones de edificios. Documenta sus viajes con textos y croquis, como por ejemplo los publicados en “El Rhin, cartas a un amigo”, “Viaje a los Pirineos”. En “Quatrevingt-treize”, publicado en 1873 retoma las intenciones de “Quinquengrogne” describiendo “La Tourgue”, inspirado en el castillo de Fougères. Así que la catedral era un proyecto determinante para Le-Duc y Lassus debido a su notoriedad. Ganan el concurso para su restauración gracias al informe que presentan al Ministerio de Cultos y de la Justicia, el estudio previo que comenzaron 3 años antes de iniciar los trabajos que sentaría las bases de lo que se consideraría una buena restauración: aquella que incluyera una observación exhaustiva de la arquitectura del edificio pero también una documentación adecuada, investigaciones históricas y arqueológicas. Los arquitectos se niegan a utilizar materiales o técnicas contemporáneas en aras del respeto a los métodos medievales y a causa de la calidad dudosa de los materiales de su época. Sin embargo, a pesar de las investigaciones siempre se dieron interpretaciones, sobre todo en la decoración. Argumentando que la estructura era lo más importante Le-Duc se dio permiso de transformar la galería de los reyes de Judea en galería de los reyes de Francia. En las esculturas de las portadas aparecen incluso dos representaciones del arquitecto mismo; se le agregaron quimeras al edificio.Le-Duc sigue siendo una figura central en la cronología de la conservación, pero también es controversial justamente por todas esas licencias que se daba en las restauraciones que llevó a cabo. Es cierto que ya se tenía en marcha todo un sistema de valorización de edificios medievales, pero su personalidad, sus publicaciones y sus influencias, en arquitectos posteriores como Boeswillwald, o Anatole de Baudot que tendría a su cargo la primera escuela de arquitectura-restauración, la Escuela de Chaillot, además la exportación de sus teorías a otros países, serían claves para la forma en que se estudiaría un proyecto y se realizaría su restauración, a partir de entonces y todavía en nuestra época.

Bibliografía:

Christian Gensbeitel, Seminario “Restaurar el monumento medieval”.

Philippe Durand, Seminario “Arqueología general e inventario general”.

Marc Saboya, Seminario “Identidades nacionales en la arquitectura del siglo XIX: el caso de Francia entre 1820 y 1900”

Jean-Michel LENIAUD, Viollet-le-Duc ou les délires du système, ediciones Mengés, Paris, 1994

Todos los caminos llevan a Garnier

2011-01-06T13:37:00.001-08:00

Actualmente en la Escuela de Bellas Artes en París se están llevando a cabo dos exposiciones sobre el arquitecto Charles Garnier. La primera titulada “El ojo y la pluma: caricaturas de Charles Garnier” y la segunda “Charles Garnier: un arquitecto para un imperio”, esta última sobre su vida, obra y en particular su edificio más importante: la Ópera de París. Esto representa una excelente oportunidad para hablar un poco sobre la formación que recibían los arquitectos en la época de Garnier, el edificio de la Escuela y su rol durante la Revolución francesa, así como la construcción de su Palacio de los Estudios por el arquitecto Félix Duban, todo para contextualizar y ver desde una perspectiva más amplia la exposición de Garnier. De particular interés es el tema de la educación de los arquitectos ya que hasta ahora nunca me había percatado de lo fundamental y lo condicionante que es la forma en que se imparte la enseñanza de la arquitectura y cómo eso influye en los resultados finales.

La formación de los arquitectos en Francia durante el siglo XIX

Durante el siglo XIX en Francia la única institución certificada para formar arquitectos y lanzar concursos que juzguen de sus capacidades es la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. A pesar de que existían escuelas regionales estas no tenían autorización de crear sus propios concursos. Para esa época no existe en ningún lado un diploma de “arquitecto” y en realidad entrar a la Escuela es algo optativo ya que la verdadera forma de aprender el oficio era entrar como aprendiz al taller de un arquitecto experimentado, quien en realidad sólo llegaba de vez en cuando a revisar el trabajo de sus empleados. El diploma emitido por el gobierno (DPG) fue creado hasta el final del siglo XIX.

En la Escuela se recibían cuatro cursos teóricos; se organizaban concursos mensuales para pasar al siguiente año de formación y el objetivo primordial era poder optar al concurso para el Gran Premio de Roma que se originó en 1720. El Gran premio era una beca que se otorgaba de forma anual a un arquitecto, un pintor, un escultor y a un músico, que permitía la estadía por cinco años a la Villa Médicis y para ganarlo se trabajaba por varios meses en proyectos irrealizables, con programas que difícilmente se podrían aplicar en la realidad, del tipo “Palacio de Justicia y Prisión”. Estos proyectos son también de una simetría perfecta, tanto en el diseño del edificio como de las propuestas urbanísticas. Hay una abundancia de columnas, un desarrollo de espacios idénticos y una multiplicación jerarquizada de salones… con columnas.

Durante su estadía en la Villa los pensionarios hacían trabajos llamados “envíos” que eran entregados a la Academia de Bellas Artes quien juzgaba de su calidad. Estos envíos consistían en dibujos de ruinas antiguas, sus levantamientos y restituciones, es decir, un dibujo de la forma en que el edificio debió haber existido en su estado original. Cabe mencionar que este tipo de formación es la misma que recibían los arqueólogos, ya que las restituciones de edificios eran muy precisas. Al final de los cinco años los arquitectos ganadores del Premio regresaban a Francia donde eran los encargados de los grandes proyectos del Estado.

La principal característica de la educación de este período en Francia es que era muy estricta, rígida y completamente cerrada a las ruinas antiguas, específicamente a las romanas. No había apertura ni siquiera hacia Grecia, mucho menos hacia el Medio Oriente o a las culturas africanas. Esto difería de la formación en Inglaterra, Alemania y otros países europeos, que no tenían restricciones de ninguna academia, no poseían ninguna institución que regulara el gusto, u otorgara premios similares al de Roma. Los arquitectos que ya poseían su propio taller poseían un estilo definido que sus aprendices adquieren con el tiempo. Estos estilos eran reconocidos por el jurado del Premio de Roma que favorecían a los antiguos alumnos de la Escuela de Bellas Artes o a alumnos de sus ex alumnos.

La Academia de Bellas Artes estaba dirigida por la imponente figura de su director, Antoine Quatremère de Quincy (1755-1849), un antiguo escultor convertido en filósofo de la estética y fiel seguidor de las teorías de Johan Winckelmann, que expuso que el arte tiene por objeto la representación de la belleza, no basándose en la realidad pero de manera ideal. Quatremère de Quincy era un apasionado por el arte antiguo que idealizaba al punto de no ser capaz de verlo como realmente era y prohibiendo a los alumnos de la Escuela que viajaran a Grecia u a otros países a hacer excavaciones o bosquejos que pudieran contradecir su forma de pensar. Esta rigidez de la academia se expresaba hasta en pequeños detalles como la policromía en arquitectura que era vista como un signo de decadencia en el arte. A pesar de que muchos monumentos en Grecia tenían rastros de haber tenido color, la academia miraba con muy malos ojos cualquier añadidura de pintura a los edificios y sancionaban a los arquitectos que transgredían ese principio. Se permitió la apertura hacia Grecia hasta en 1845 cuando se remplazó a Quatremère de Quincy y cuando se creó la Escuela Francesa de Atenas. Es allí que los alumnos descubrieron una arquitectura que no correspondía a la visión de su antiguo director ni de Winckelmann: edificios con colores, creados en base a principios racionalistas, que son utilitarios y no puramente decorativos, hechos para recibir personas. Esto puede sonar evidente de nuestros días pero hay que recordar que el siglo XIX el estilo reinante es el Neo-Clasicismo. Este estilo es un símbolo de la misión universalista que se atribuía Francia en esta época, país que se estima el heredero de la Antigüedad y que pretende propagar la Razón que defendió con su Revolución a través esta arquitectura “del gigantismo, de la artificialidad y de la indiferencia del contexto”.

Esta formación de los arquitectos contrastaba notablemente con la de los ingenieros que sí tenían una educación más formal que les otorga un diploma al final de la misma. Los ingenieros reciben muchas clases técnicas, son capaces de construir y no se pierden en divagaciones o en programas irrealistas.

Todo este sistema perdura hasta en 1968, cuando se separó definitivamente la enseñanza de la arquitectura de la Escuela de Bellas artes ya que se empezó a exigir para los arquitectos más clases de sociología y urbanismo, entre otras. En este año se eliminó también el Premio de Roma, aunque todavía existe la Villa Médicis.

El Museo de los monumentos franceses

El edificio de la Escuela de Bellas artes, era el antiguo convento de los Pequeños Augustinos, construcción que nos obliga a hablar un poco sobre la conservación de obras artísticas luego de la Revolución Francesa. Luego de la Revolución se crea la “Comisión de artes y monumentos” que tenía como objetivo conservar objetos del pasado que hayan sido testigos de la historia de Francia y que deben ser puestos a disposición de la nación con una función pedagógica; nótese que es por esta razón más que por algún interés o valor artístico que se conservaron las obras. Es en esta época que aparece el concepto de “monumento” (utilizado por primera vez por Aubin-Louis Millin en 1790 en una asamblea constituyente) y se comienza a emplear el concepto de Patrimonio nacional desde 1791. En estos años se llevaron varias obras de las provincias a París, práctica criticada por algunos que consideraban que una obra de arte sólo tiene interés en el lugar donde fue concebida, que sólo puede ser comprendida en el contexto al cual pertenece.

Se confía en 1791 al señor Alexandre Lenoir (1761- 1839) la tarea de salvar de la destrucción de sus colegas revolucionarios todas las obras artísticas que pueda y se le adjudica el Convento de los Pequeños Augustinos, en París, para conservarlas. Lenoir, que afortunadamente tenía una formación artística y una sensibilidad para la Edad Media -aunque no necesariamente una educación al respecto-, conservó de todo tipo de estatuas, cuadros, pedazos de castillos y hasta algunas de las tumbas de los reyes que se encontraban en la Basílica de Saint-Denis. En el año de 1795 crea en el Convento lo que se llamaría el “Museo de los monumentos franceses”, considerado el primer museo de historia en el país y crea una puesta en escena de los objetos en orden cronológico, organizando las salas por siglos y poniendo los objetos según la época que representan, más que por su fecha de realización. Este museo fue muy importante por dos razones: primero, ponía en el mismo nivel el arte de la Edad Media (que para la época no era estudiado con seriedad, ni mucho menos comprendido y por algunos ni siquiera respetado) y porque permitió a toda una generación de artistas y escritores apreciar esas obras. Sin embargo a partir de la Restauración en 1816 el museo cerró y se devolvieron las obras a sus propietarios. Pero este proyecto influyó en la creación del Museo de Cluny en 1844, actual Museo de la Edad Media en París, y el Museo de los monumentos franceses en 1879, actual “Cité de l’architecture et du patrimoine”, ubicado en la plaza del Trocadéro, también en París.

El edificio del convento pasa a ser la Escuela de Bellas Artes, donde se le confió al arquitecto Félix Duban la construcción del Palacio de los Estudios.

El Palacio de los Estudios

Duban pertenece al grupo de los “Neo-griegos”, término que engloba a sus colegas Henry Labrouste, Louis Duc y Léon Vaudoyer y que no debe considerarse como una escuela o estilo ya que comparten ideas y filosofías pero son todos diferentes.

Cuando cerró el museo de Lenoir algunas obras se quedaron en el edificio y Duban las aprovecha para su composición. Considera que estos elementos de la historia de la arquitectura francesa serían de mucho provecho para los estudiantes de arte que podrían tener acceso directo a las obras. Es de esta forma que compone una fachada de la construcción basada en el pórtico del castillo de Gaillan que tiene enfrente, también del pórtico del castillo de Anet que muestra los sistemas dóricos, jónicos y corintios superpuestos. Lo que se pretende es ver el edificio moderno a través del filtro de la historia, lectura que se pierde cuando se regresa el pórtico a Gaillan. Duban diseña una bóveda metálica para el centro del Palacio, con el fin de crear un amplio espacio para acumular modelos y obras. Decora la galería del primer piso con frescos, el patio du Murier, que era el antiguo claustro del convento, contiene una reproducción del friso de Palas Atenea y está coloreado como en la Antigüedad. Se coloca una estatua ecuestre y una reproducción del Juicio final en la Capilla, y se decora el hemiciclo donde se entrega el Gran Premio con una pintura de 27 metros de largo a cargo de Hippolyte Delaroche. En este edificio la Historia es indispensable para la puesta en escena de la arquitectura.

Un arquitecto para un imperio

Charles Garnier (1825-1898) es un claro ejemplo de la formación de los arquitectos de su época. Trabajó en el taller del arquitecto J.A. Léveil y estudió en la Escuela de bellas artes donde obtiene el Premio de Roma en 1848 con su proyecto “Conservatorio de artes y oficios con galería de exposiciones para los productos de la industria”. Tuvo la oportunidad de viajar a Grecia con amigos que incluían al autor Théophile Gautier, y esto se refleja en las obras notablemente coloreadas que se presentan en la exposición.

La exposición comienza con una primera sala dispuesta como si fuera un taller de arquitectura, con mesas de dibujo donde en medio de lámparas y lápices grafito se muestran fotos, textos, caricaturas y dibujos, tanto del arquitecto como de sus contemporáneos y colaboradores. Se recorre la sala de forma cronológica, aprendiendo sobre las diferentes facetas de Garnier: su vida personal, profesional, sus pasatiempos, amistades, sus viajes e inspiraciones, etc. En las siguientes salas se ven algunos de sus planos pintados en acuarela, gigantescos, absolutamente impresionantes. Se sigue su evolución con trabajos que entregó durante su estadía en la Villa Médicis. En el segundo piso se realza desde luego el Palacio Garnier o la Ópera de París, uno de los pocos edificios de la época que están nombrados de acuerdo a su autor. Uno camina sobre la planta del edificio y recorre los espacios donde se exponen planos arquitectónicos, perspectivas, detalles e interpretaciones de otros artistas, sobretodo de aquellas que muestran la famosa y gigantesca escalera que da acceso a los espectadores. Hecho en un estilo “Napoléon III” como le respondió a la emperatriz Eugenia, quien decepcionada porque Garnier ganó el concurso en lugar de Viollet-le-Duc le preguntó qué estilo era el de la obra, la Ópera es su obra más recordada pero no la única. Son de su autoría el casino y la ópera de Monte-Carlo, el teatro Marigny y el observatorio astronómico de Nice, hecho en colaboración con Gustave Eiffel, entre otras obras. La exposición es una excelente oportunidad de ver más de cerca cómo se trabajaba en el siglo XIX, qué representaba ser arquitecto y especialmente uno famoso y reconocido. Garnier comprendía perfectamente la misión de su oficio en su sociedad pero también su responsabilidad con la posteridad. Me encanta la forma en que realza su profesión con la frase “No hay que escoger entre las artes: hay que ser Dios o arquitecto”. Estoy muy de acuerdo con él.

Para terminar dejo estas imágenes del Palacio Garnier en la actualidad: Bibliografía:

Jean-Michel LENIAUD, Viollet-le-Duc ou les délires du système, éditions Mengés, Paris, 1994

Notas del seminario “Identidades nacionales en la arquitectura del siglo XIX: el caso de Francia entre 1820 y 1900”, Marc Saboya

Notas del seminario “Restaurar el patrimonio medieval”, Christian Gensbeitel.

Yes is More

2010-12-15T13:41:00.001-08:00

En el segundo nivel del edificio del Museo de Arte contemporáneo de Bordeaux está el Centro de arquitectura Arc en Rêve, que cuenta con salas de exposiciones de arquitectura contemporánea, el único centro de este tipo en esta hermosa ciudad clasificada como Patrimonio de la Humanidad… debido a su arquitectura histórica. Sin pretender nadar contra la corriente, Arc en Rêve crea el equilibrio que deja en evidencia lo culta y cosmopolita que es la ciudad. Organiza conferencias, encuentros con arquitectos, talleres educativos para niños, además de que es responsable de la publicación de varios libros. Este lugar representa la Meca, la consolidación de todo lo que alguna vez soñé con encontrar y no puedo siquiera describir lo que sentí cuando entré a esta exposición y vi las maquetas, la museografía; todo es impresionante.El centro presenta, desde el 17 de junio hasta el 19 de diciembre la exposición de BIG, abreviatura del Bjarke Ingels Group, la firma creada por el arquitecto… Bjarke Ingels.

Este danés de sólo 36 años es considerado una súper estrella en el medio, en gran parte por su extraordinario carisma, su magnífico marketing y sí, su proyectos también. La exposición muestra los principales proyectos de la firma, de la forma más juvenil, divertida y accesible posible. La explicación de la filosofía de la firma y de cada uno de los proyectos está en forma de murales diseñados como una gran tira cómica, donde el narrador es el mismo Bjarke que nos guía a través de esta emocionante aventura que es la arquitectura.

Desde el inicio muestra su ambición que casi raya en insolencia, poniéndose en el mismo muro pero tratando de distinguirse de Mies van der Rohe (autor de la célebre frase “Less is more”), de Robert Venturi, Philip Johnson, Rem Koolhaas y hasta de Obama, de quienes extrae la esencia de sus filosofías para crear su propio mantra: “Yes is more”, una forma optimista de enfrentar los problemas de la arquitectura de nuestra época, agobiada por los problemas económicos y las preocupaciones ecológicas, anteponiendo ante ellos la visión de que los obstáculos son retos a ser superados con la creatividad, el buen humor y hasta con un poco de suerte. La exposición trata de ser un detrás de cámaras del proceso creativo y de la forma en que se trabaja en su oficina; se ven sus empleados, el comedor, la forma en que se abordan los proyectos y cómo a veces las propuestas no son exitosas en un lado, pero sí en otro contexto o cultura. No hace falta decir que sería un sueño encontrar un lugar así para trabajar algún día… La estrella de la exposición es, sin lugar a dudas, la magnífica maqueta de las torres Lego, hecha de los famosísimos bloquecitos. Torres Walter, en Praga: Casas Vejle, actualmente en construcción en bahía Vejle, en Dinamarca: “Los 5 pilares de Bawadi”, hoteles y tiendas en Dubai. Uno de mis proyectos favoritos, cuya forma terminó representando, por pura casualidad, los cinco pilares del Islam. El “People’s building”, propuesta para la Exposición Universal de Shanghai 2010, con una volumetría que significa “gente” en chino. Pabellón danés para la mencionada Exposición Universal. Una gran rampa para bicicletas, digno de ser plagiada para el eterno proyecto de Diseño 3 de la Escuela de Arquitectura de la UNAH.A pesar de las múltiples objeciones que se le puedan encontrar, no puedo dejar de recalcar el mérito que tiene el señor Ingels en promover la arquitectura de forma universal y no para el reducido grupo de los profesionales en la materia. Popularizar y vulgarizar conlleva mucha simplificación y a veces requiere de parafernalia y extravagancias que pueden llegar a distraer y para algunos hasta cobrar más importancia que la esencia misma de los proyectos. Sin embargo muchos valores que se promueven no dejan de ser válidos sólo porque estén empacados en un joven que parece presentador de televisión y la intención de poner algo de ligereza en lo que a veces puede ser una carrera pesada y agobiante nunca está de más.

La importancia de este centro de exposiciones de arquitectura radica en que demuestra que la promoción de la arquitectura contemporánea no es un lujo o un pasatiempo, es una obligación, una responsabilidad para las generaciones futuras y una necesidad imperativa para los arquitectos de mi generación que deben granjearse su propio camino.

Architecture meets contemporary art

2009-06-10T12:16:00.000-07:00

El artista Mike Bouchet construyó una típica casa de suburbio norteamericano para ser presentada en la Bienal de Venecia de este año. Y, simbólica y literalmente, la casa se hundió.

Construir el vacío

2009-05-12T19:43:00.000-07:00

Un post muy interesante sobre la construcción subterránea. Los links que muestra el artículo están muy buenos también.

The Architect's dilemma: The architecture of excess vs. the architecture of relevance

2009-04-19T10:26:00.000-07:00

Ensayo del co-fundador de Arquitectura para la Humanidad, Cameron Sinclair.

Entrevista de Charlie Rose con la crítica de arquitectura Ada Louise Huxtable

2009-04-19T10:25:00.000-07:00

Un estilo de avanzada: el High Tech

2009-03-15T08:53:00.000-07:00

(Por José Félíx Barahona)

Hace ya más de cincuenta años el mundo se reiniciaba y se envolvía en una verdadera metamorfosis. Le sucedían muchos cambios sociopolíticos, geopolíticos y económicos, empero al mismo tiempo se gestaba una gran revolución tecnológica, marcada por el ascenso de Rusia en la escena mundial. Esa revolución trajo consigo el desarrollo de nuevos tipos de edificios y estructuras diseñadas por ingenieros. Por aquel entonces una corriente arquitectónica conocida en el ámbito de la arquitectura como Movimiento Moderno, ya había hecho de las suyas y con ello la arquitectura parecía estar condenada al aniquilamiento total, su paradójico destino era similar al de aquel implacable Unicornio Azul¹ salvadoreño: morir a manos de mediocres, que con toda certeza hubiesen tenido el cinismo de no entregar su cadáver a sus vástagos, sin importar el dolor que ello les hubiese causado.

¿Quién te querría Arquitectura con un bastón de acero escupiendo tus sueños en una acolchada cama de hormigón armado y luchando con tu senilidad para cambiar las flores marchitas del vestíbulo? "Cuando sepas que he muerto no pronuncies mi nombre/ di silabas extrañas, pronuncia flor, abeja…. / no dejes que tus labios hallen mis doce² letras". Sin embargo gracias a la incipiente revolución tecnológica esto no se pudo cumplir y debido también a unos conspicuos arquitectos que integraban una pandilla conocida en el mundo de la arquitectura con el nombre de ARCHIGRAM, que es de donde el High-Tech tiene su origen ideológico. El Archigram, fue un grupo arquitectónico de vanguardia creado en la década de los 60, principalmente en la Asociación de la Arquitectura de Londres. Era futurista, heroico y pro-comunista, inspirándose en la tecnología con el fin de hacer surgir una nueva realidad que fuese manifestada solamente a través de proyectos hipotéticos. Los principales integrantes de esta pandilla fueron Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene. Eran arquitectos espabilados que exploraban las posibilidades tecnológicas de nuevos materiales y estructuras de su época.

La Ciudad Enchufable de Peter Cook, en 1966, fue lo mejor que salió de Archigram. Era un sueño de una megalópolis futura en la que el hedonismo convivía felizmente con la tecnología ultramoderna. A primera vista, la utopía urbana de Cook se parece mucho al Centro Pompidou de Renzo Piano y Richard Rogers (1977) o al diseño no construido de Norman Foster para un centro cívico y un intercambiador de transportes en Hammersmith, en el oeste de Londres (1979). La Ciudad Enchufable estaba coronada con grúas para mostrar que estaba en un estado de flujo constante: si alguien quería mover su capsula para vivir o vaina del placer o lo que fuera, podía. Las ideas arquitectónicas de Cook, se basaban en la premisa de gente pasándola bien pero dentro del contexto de una arquitectura nueva y altamente sensible.

No debe extrañar entonces que Rogers y Foster, tuvieran influencia de Archigram, y ha Rogers, en particular, le entusiasmaba la idea de una tecnología liberadora que ayudaría a la gente a disfrutar más que a sentirse amenazada como en las Metrópolis. Para finales de los años 70, y en las manos de Richard Rogers, Renzo Piano y Norman Foster, esto se había convertido en una forma de arte por derecho propio. El estilo, porque lo era, fue apodado High-Tech (Alta Tecnología), con un afán por enseñar las estructuras, el acero, el concreto, el vidrio y mostrarla como estética de la edificación. Aunque lo fascinante de él es que los mejores de estos edificios lejos de ser desnudas estructuras de ingeniería, son artefactos muy acabados que necesitaron de una sofisticada destreza a la hora de terminarlos. Son celebraciones de ingeniería estructural vistas a través de ojos de arquitectos, y en cierto sentido sus exhibiciones pulidas y refinadas de acero, tuberías y conductos son una forma de decoración como las columnas clásicas con su cesto de hojas de acanto.

Estos son edificios ostentosos y diseñados, quizás, para demostrar que la arquitectura que no le debía nada a las convenciones podía tener su verdadero glamour. El Edificio Lloyd´s de Richard Rogers, es en todos los aspectos tan refinado y hecho a la medida como el Palacio Stoclef de Josef Hoffman. Existen, no obstantes a la menos otra rama de edificios robóticos. Primero, los que eran ante todo maquinas y no para que vivieran normal o regularmente seres humanos. Incluyen las diferentes torres y centros de comunicaciones, así como la antigua imprenta del Financial Times en los Docklands londinenses de Nicholas Grimshaw y la hermosa estación receptora de satélites en Affleur, Austria, diseñada por Gustav Peichl. Estructuras tan impresionantes difícilmente podían evitar impresionar las sensibilidades de arquitectos que se hicieron famosos en la era de las comunicaciones de masas y la tecnología sofisticada. Segundo, existe una larga tradición de edificios brutalmente funcionales pero atractivos, diseñados para ocupar todo el espacio posible o llegar lo más alto posible sin el menor intento de quitarle la importancia a ese hecho. Incluyen la Torre de John Hancock, en Chicago y la enorme cúpula geodésica que Buckminster Fuller construyo para la empresa Union Tank Car Company en Baton Rouge, Louisiana.

Los más sofisticados de estos edificios como maquinas, sin embargo, son los más puros o aquellos que fusionaron los talentos de ingenieros y arquitectos sin que se note la diferencia. Tal es el caso del hangar para dirigibles en Orly o el de aviones en Ortobello. Perfección. O considerar los magníficos aeropuertos de Kansai y Hong Kong. Son maquinas desde las que volar, y tienen una franqueza y una sinceridad que arquitectos que trabajaron en otras tradiciones modernas encontraron difíciles de conseguir sin los artilugios de la tecnología en combinación con una alta dosis de osadía.

Y finalmente podemos decir que la tecnología desarrollada a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, fue convertida en un arte y la ingeniería estructural paso a ser un lenguaje muy florido de la arquitectura. Por aquel entonces ya algunas voces expresaban que "Menos es un aburrimiento", la inequívoca frase de Robert Ventury, en su muy leído libro Complejidad y Contradicción en Arquitectura (1966). ¿A caso los arquitectos debían revestir los armazones de sus edificios con capas góticas, togas clásicas o ser terriblemente osados y diseñarles un vestido a lo Bridgitte Bardot³? Pero lo cierto es que los vestidos moderno y postmoderno estaban ya bien gastados y corrompidos, en cualquier caso; necesitaban urgentemente de un vestido sustituto llamado: High-Tech.

(¹) Se refiere al poeta salvadoreño Roque Dalton, asesinado en 1975.
(²) Las cursivas son nuestras. Antología. Roque Dalton. San Salvador, ES, 1968.

(³) Modelo danesa, que en 1946, utilizo por primera vez, un dimito traje de dos piezas, llamado bikini, diseñado por el maestro francés de la moda, Louis Reard.

Arquitectura minimalista: Espiritualidad, reducción y exaltación del espacio mismo

2009-01-05T09:07:00.000-08:00

(Por Mario Bendeck, presentado en agosto del 2008)

Hay quienes consideran que el minimalismo es una versión corregida y extremada del racionalismo – compartiendo con este, el encuentro del razonamiento lógico y la creación que resulta del uso de los sentidos -- y de la abstracción con que las artes responden a la aparición revolucionaria de la industria a finales del s. XIX. En este momento, el arte y la arquitectura modernos adoptaron la máquina como modelo de obra autosuficiente reducida a su pura esencia y en pos de una autonomía. La nueva arquitectura rechazaba la tradición de estilos que habían constituido durante siglos su repertorio constructivo, en un intento de evitar todo simbolismo y subjetivismo.

El destino final es obtener la forma elemental y universal, otros consideran que el minimalismo es el penúltimo estadio del clasicismo que recorre la cultura occidental. En este sentido está la influencia que la sobria arquitectura japonesa tiene sobre muchos diseñadores occidentales contemporáneos.

Al hablar del minimalismo como movimiento arquitectónico hay que hacerlo basado en su síntesis conceptual, como forma de adaptarse al medio utilizando los recursos mínimos a través del espacio conformado en orden y por medio de la abstracción formal y el uso de materiales puros, alejándose de toda connotación posible para expresar claramente el significado y esencia del concepto, la individualidad de la obra y su relación reflexiva con el espectador.

Para ello hace énfasis por el contexto geográfico y natural, así también tiene una relevancia importante el peso de la herencia histórica y cultural para fundar las bases de la obra minimalista; así lo hace Luís Barragán, regionalizando y dotando de las características propias de la cultura mexicana a su obra, haciendo uso de texturas, colores y materiales propios sin perder su propia esencia minimalista; la exaltación del espacio; tal como lo refleja Tadao Ando donde la naturaleza es una de sus principales inquietudes, donde, Ando intenta siempre integrarla con el interior de sus obras, mediante la incorporación de elementos como la luz, el viento y el agua, elementos que ya no se encuentran en la arquitectura de nuestro tiempo, es aquí donde el espacio toma especial relevancia dentro del minimalismo, por la relación simbiótica que existe entre el espacio y el contexto.

Entendiendo por simbiosis, la definición de kisho kurokawa: “un pluralismo dinámico que no busca reconciliar opuestos binarios a través de la dialéctica, sino que sugiere situaciones y productos ambiguos, guiados por situaciones aleatorias, y llenas de multivalencias y contradicciones.”

Es por esta relación simbiótica que afirmamos que la arquitectura minimalista dió ese “salto cualitativo” adquiriendo “sentido estético” donde la expresión de emotividad se desencadena por las vivencias relacionadas con el espacio arquitectónico, volviéndose visualmente evocador, que para lograrlo envuelve su concepto en una estética carente de ornamento – el minimalismo lo evita absorbiéndolo, depurándolo hasta su última esencia, evitando lo irrelevante para enfatizar lo importante – basando la riqueza visual y espiritual en la relación de la obra con la luz, el viento y la naturaleza, donde destaca la búsqueda de la máxima expresividad –sin expresionismos- conseguidos con los mínimos medios. En ese sentido, cabe destacar la iglesia sobre el agua –Tadao Ando – en la que utiliza a la naturaleza como elemento involucrado en el diseño, en ella, Ando logra crear un microcosmos en el que combina de manera simple pero magistral conceptos sobre lo profano y lo sacro, lo artificial y lo natural, lo cerrado y lo expuesto, el vacío y el infinito.

Desde el punto de vista filosófico existe la necesidad, sino, el deber del arquitecto y artista de expresar la realidad en la que vive, en otras palabras el espíritu del hoy; incorporando en la proyección de las obras las cualidades del espacio arquitectónico como refugio del espíritu, destacando que éste sólo cobra vida en correspondencia de la presencia humana que la percibe, volviéndolos únicos, espacios reflexivos y espirituales.

Analizado lo anterior aseguramos que la arquitectura ha surgido como arte; ha sabido someter a la naturaleza como elemento importante dentro de la vivencia espacial, despojando a la arquitectura de todo capricho simbólico que desencadenaría en una falta de evocación espacial sincera, convirtiéndola en fraude y llevando a la destrucción de la arquitectura como arte.

El minimalismo es la manifestación más amplia de la búsqueda de una experiencia arquitectónica satisfactoria, viendo reflejado en sus obras el ideal del espacio arquitectónico, donde éste, ofrece una experiencia de goce, espiritualidad y reflexión gracias a la exaltación del espacio mismo para dicho fin. Despojándolo de todo simbolismo que pueda desviarlo de su esencia conceptual y su relación reflexiva con el espectador.

Podemos asegurar entonces que la arquitectura dentro del minimalismo ha logrado cumplir con su misión social como arte; producir una vida rica en contenido.

BIBLIOGRAFIA

*Contemporary Architects, Editorial Tashen, Primera edición, Amsoneit , Wolfgang

*Arquitectura del siglo XX, Editorial Tashen, Primera edición, Gossel, Peter

*Architecture in Japan, Edirorial Tashen, Primera edición, Leuthauser, Gabrielle

*Casas del Mundo, Editorial Tashen, Segunda edición, Correa, Fernando

*Tadao Ando, Editorial Tashen, Primera edición, Gossel, Peter

Crítica Normativa Doctrinal - Deconstructivista del Mall Multiplaza

2009-01-05T08:55:00.000-08:00

(Por Yanis Díaz, presentado el 14 de octubre de 2005 para la clase de Teoría de la arquitectura III)

El “mall (o mejor escrito, mol)” como mejor se le conoce no crea ni destruye. Una simple estructura cúbica siguiendo los mismos burdos cánones de lo sencillo o lo simple, lo funcional del modernismo, dejando a un lado la expresión formal que refleje algo más que “estabilidad”. Nótese las comillas, porque cualquiera que haya puesto algo de atención en esa llamada “estabilidad” notará que la fabricación no es concreto; durapax parece, y una simple capa de repello y color parecen ser suficientes para maquillar.

Al parecer, la funcionalidad impera sobre la formalidad sin detenerse a pensar: “qué se quiere expresar?” ni siquiera un intento mediocre de reflejar algo que todos escaseamos: identidad. Nada despampanante o grandioso, una simple supuesta roca de concreto es el reflejo de nuestro ocio. Las tiendas, los restaurantes por sí solos no llaman la atención. La atención debe ser algo que impacte y no deje salir al visitante; algo que deje boca abierta y que cada persona que ingresa se diga a sí misma: “impresionante”, “increíble”, o más común entre jóvenes “que fume!”.

Algunas tiendas intentan hacer una débil expresión por sobresalir en los diseños de los locales, pero ante un leviatán modernista, que todo lo abarca y que todo lo quiere para sí, en esta cultura, parece difícil de plasmar. ¿Tan complicado resulta ser una expresión que refleje sentimientos o emociones? ¿Acaso el tamaño es lo único que puede concebir la mente del hondureño, que piensa que por su grandeza la estructura va a resaltar? Lastimosamente, diseñador y visionario del proyecto sabe la mentalidad hondureña: esquiva a lo nuevo, esquiva a lo que desconoce, y su consecuente satanización. Pareciere que el movimiento modernista funciona como cual Inquisición, orientando a las mentes hondureñas de forma sutil hacia su adoración y asombro, y evitando y satanizando (no con ataques hacia las nuevas tendencias, pero con el simple hecho de no crearlas) cualquier obra vanguardista.

Cierto, cumple su función: atraer público, lograr que consuman, que gasten su dinero en ocio, un desprendimiento de la realidad en el sentido de distracción. Pero y la forma ¿qué? Se deja a un lado y se espera que con tal que cumpla función y que las tiendas en su interior logren atraer la mirada y desviarla de las obvias faltas de atención a la forma que la estructura completa posea. Es más fácil distraer desde el interior y atraer desde el interior con un mediocre juego de colores y luces, que utilizar la obra en sí, la majestuosidad de la forma para atraer y crear asombro y deseo de ver y visitar.

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2009-01-05T08:48:00.000-08:00

El blog permanecerá abierto para los alumnos que han de venir y para cualquier visitante. Sigue en pie la invitación para que envíen sus ensayos, las personas que ya pasaron la clase, los que tienen interés en matricularla y también al público en general. Espero que el siguiente semestre se continúe con este espacio, y si alguien está interesado en ser un autor contribuyente es bienvenido a contactarme. Feliz año nuevo a todos!

¿Diseñamos obras arquitectónicas o producimos construcciones de consumo?

2009-01-05T08:45:00.000-08:00

(Por Isacfernando Ferrera Vega, presentado el 18 de mayo 2007)

En este mundo moderno y globalizado, que exige eficiencia pero más que todo velocidad reflejado en la producción masiva de las cosas, las construcciones están condicionadas por la tecnología que evoluciona tan rápido que el humano se queda un paso atrás de ella, y que la posibilidad de crear construcciones originales por un lado es cada vez mas limitado y por otro mas eficiente.

Resulta evidente que los conceptos que movieron y siguen moviendo a la arquitectura los últimos tiempos esta en una disyuntiva entre la alta tecnología y la propuesta de una fachada aparente para la comercialización que incita al consumo.

La arquitectura es la estimulación de ideas bien planteadas relacionadas con la historia, las teorías y conocimientos arquitectónicos que trascienden y dan como resultado una obra de valor estético y produce vivencias y sentimientos. La arquitectura debe de ser real y verdadera, debe reflejar por si misma para lo que fue hecha ya que las cosas deben de ser reales y verdaderas; es un concepto que se vuelve universal.

Una obra arquitectónica debe transmitir las vivencias que experimento el diseñador y las experiencias de las personas para quien es dirigida la obra.

El espacio arquitectónico es una experiencia, una orientación y una vivencialidad, nos da a conocer cual es su función arquitectónica, cual es su función para la sociedad y de que es un carácter para enriquecer la vida de las personas, su vida cultural y llevar a las personas a un estadio mas amplio contra los espacios vacíos, los cuales son los que simplemente existen por una necesidad para generar ingresos y se desentienden de la cultura e identidad de las personas quienes tienen que experimentar esos espacios diariamente. Por lo que este debe de dejar un conocimiento en el cual la belleza va implícita, porque es bello el experimentar emociones positivas.

En la actualidad mundial y mas reflejado en nuestro país que se sumerge mas en la pluralidad, en la globalización existe la exageración del consumo, el consumo es la utilización de un bien para satisfacer las necesidades y teniendo en cuenta que las necesidades elementales están aseguradas para la mayor parte de la población, una intensa publicidad propone nuevos bienes de consumo, que incitan a un gasto continuo. Las construcciones de consumo son propuestas elegantes a gran escala, que por lo general son reproducciones de soluciones de otros países, cuyo objetivo es satisfacer en cierto modo la demanda de estas pero en realidad satisfacen económicamente a sus promotores, bombardeando de publicidad a una población ignorante carente de cultura e identidad. Dentro de este ámbito:

¿Nosotros como arquitectos estamos diseñando obras arquitectónicas o por el contrario estamos reproduciendo construcciones exóticas; sin identidad, sin cultura?

Durante los últimos años hemos estado experimentando una gran cantidad de soluciones de vivienda en nuestro país, las cuales proponen complejos habitacionales en serie; las que son una vil copia de las urbes implementadas en el primer tercio del siglo pasado por los Estados Unidos a causa de la recesión. Estas viviendas están alejadas de nuestra realidad económica y cultural; fueron diseñadas para un país, para un ambiente, para una sociedad específica; pero sus promotores la han logrado copiar a nuestros medios a nuestro ambiente, ambiente que es muy diferente al de ellos.

Nosotros, los arquitectos participamos de este fenómeno por el simple hecho de que hemos abandonado nuestro rol de diseñadores, de Architekton y nos consideramos como un constructor más, que nos vendemos al marketing. Nos tenemos que conformar con los estándares que utilizan otros países, que han sido adaptados a este país que es social y económicamente distinta que no tiene valores culturales fuertes y que es fácilmente maleable.

Otro ejemplo de estas construcciones son los denominados malls, es decir los centros comerciales, que están mucho mas alejadas de nuestra sociedad cultural, estas son el reflejo de países industrializados, y que tienen ciudades superpobladas las que necesitan aglomerar a un conjunto de personas en diversos centros para no crear caos urbano.

El mall es un lugar impersonal de una sociedad consumista, los dueños creen que su objetivo es la socialización de un grupo determinado de personas pero que detrás de ello simplemente esta el gasto superfluo y el despilfarro, las personas lo toman como un paseo en familia porque la soledad del lugar es insoportable.

Sus espacios no tienen una imagen arquitectónica definida, son neutros, se trata de que cada espacio sea parecido pero no igual por lo que son adaptables a cualquier tipo de espacio, no pueden permitirse emitir un significado autónomo, por lo que carecen de carácter.

Al principio los malls en países como Estados Unidos y Canadá debían cumplir su función de aglomerar personas en ciudades superpobladas pero también eran lugares orientado mas para el turista extranjero, ya que son ellos los que tienen la capacidad económica para derrochar cantidades grandes de dinero por cosas que no necesitan, y también a ellos acudían personas particulares que muy de vez en cuando acudían a los malls por una necesidad después de un día de trabajo o por fuerza mayor; por lo que los malls no pasaban llenos de gente durante el día.

Actuamente en los malls existe una contradicción entre la cantidad de personas que albergan y su nula integración o participación entre los individuos, donde todo gira en torno al consumo debiendo comportarse tal espacio publico. Espacio público el cual es “como constitución física de las relaciones que definen la polis, se instaura como un lugar donde los ciudadanos se reconocen como tales; en ese sentido se constituye como un lugar antropológico donde se crea una identificación histórica publica y política en el sentido de la validación de la vida ciudadana el intercambio y el reconocimiento de identidades”[1].

El mall carece de un libre acontecer como ocurre en la calle y en los espacios abiertos, donde ocurren procesos reales de intercambio y crecimiento de la ciudad, donde uno es susceptible de recibir estímulos de variados tipos y no solo del consumo y uno puede elegir su recorrido, no como en el mall que el paseo es obligatorio por un pasillo laberíntico que une las partes sus partes.

Es común encontrar denominaciones como mall - plaza lo que indica a la plaza como arquetipo, modelo de referencia. Hoy se presentan como el ejemplo de la ciudad ideal, con calles, plazas pero alejando lo indeseado de la ciudad, como la contaminación, la violencia, lo imprevisto, los pobres etc., es ahí donde están sus fallas y virtudes.

La plaza es “sitio espacioso dentro de un poblado o ciudad y es lugar donde se reúne la gente a celebrar ferias, mercados y fiestas públicas”[2], a través del tiempo y de las grandes civilizaciones las plazas han funcionado no solo para lo anteriormente expuesto sino también como vestíbulo y un lugar muy característico de toda ciudad antigua y actual.

Una edificación vacía, como lo es el mall, es en si un conjunto de elementos estructurales, resueltos física y matemáticamente, que solucionan un problema de necesidad pero que en realidad no es sensible, no agrada a primera vista y como dice Georg Lukácks: “el problema es que muchos edificios útiles no estéticos, existen.”[3]

La conversión del espacio publico en un espacio de consumo lo transforma en lo que se ha definido como un “no-lugar”, ya que como lugar se entiende aquel espacio en que puede leerse algo acerca de las identidades individuales y colectivas, las relaciones entre unos y otros, y de la historia que estos comparten (característica original del espacio publico), un no-lugar se definirá como aquel en que no se pueden leer ni identidades, ni relaciones, ni historia.[4]La arquitectura contemporánea y su relación con la cultura del mundo, pasa por una etapa pasiva, en cuanto a la ocupación de crear lugares y no espacios arquitectónicos, la súper modernidad produce estos “no lugares” que se caracterizan por ser lugares de transición en los que uno no se da cuenta que esta dentro de el.

Creo que es la primera vez en la historia en que la importancia del lugar, del espacio, de la materialidad y de la vivencia pasan a segundo plano, y en que lo importante es consumir arquitectura porque se ve bonita.

La arquitectura para el consumo es sin duda un fenómeno emergente en el mundo globalizado, que ha trastocado muchos de los dogmas de nuestra profesión, y en la que hemos estado olvidando todo el proceso evolutivo de la arquitectura desde las primeras edificaciones construidas, de caña y barro, por el hombre prehistórico; los tres libros de la arquitectura escritos por Vitruvio: Firmitas que se refería al nivel técnico de la obra. Utilitas que se refería a la hora para hacer su función. Venustas que se refería al grado de belleza que posee la obra; la teoría y la práctica: La teoría abarca el arte, las reglas que heredaban de las tradiciones y la ciencia demostrada por fórmulas, mientras que la práctica era la perfecta adecuación de la teoría a los materiales, el clima y las necesidades por cubrir en cada caso; hasta la edad moderna, donde la arquitectura en toda su historia había sido lineal a través del tiempo, en la que encuentra en una difulcación el surgimiento de un cierto numero de tendencias pero siempre ligadas a su pasado que las genero. [5]

El arquitecto y la arquitectura han seguido un proceso de caída helicoidal, hacia el pasatiempo…hacia la mercancía.

Referencias:

[1] Marc Auge, Los no-lugares. Espacios del anonimato. Una antropología de la sobremodernidad.

[2] Definición, Diccionario enciclopédico ilustrado.

[3] Georg lukàcks, Obras Completas.

[4] Marc Auge, Los no-lugares. Espacios del anonimato. Una antropología de la sobremodernidad.

[5] Evolución Historica de la Arquitectura.

Examen de mañana

2008-12-17T10:03:00.000-08:00

Los temas para el examen, que es mañana a las 10, son:

- El Racionalismo
- El Minimalismo
- El Deconstructivismo
- El Neo Expresionismo
- La arquitectura High Tech
- La arquitectura ecológica
- Las experimentaciones japonesas

El viernes tendremos las exposiciones sobre los ensayos finales que se entregaron ayer.
Mucha suerte a todos!!!!!

Identidad en la ciudad Genérica

2008-12-16T19:50:00.000-08:00

(Por Ingrid Mirella Cruz)

Son las ciudades contemporáneas como los aeropuertos contemporáneos, es decir “todas iguales” ¿es posible teorizar esta convergencia? Y si es así ¿a que configuración definitiva aspiran? La convergencia es posible sólo a costa de despojarse de la identidad. Esto suele verse como una pérdida. Pero a la escala que se produce, debe significar algo. ¿Cuáles son las desventajas de la identidad; y, a la inversa, cuáles son las ventajas de la vacuidad? ¿Y si esta homogeneización accidental -y habitualmente deplorada- fuese un proceso intencional, un movimiento consciente de alejamiento de la diferencia y acercamiento a la similitud? ¿Y si estamos siendo testigos de un movimiento de liberación global: '¡Abajo el carácter!'?

¿Qué queda si se quita la identidad?...
Frase del arquitecto Rem Koolhaas, figura fundamental e influyente para entender el desarrollo de la arquitectura contemporánea, el cual nos da entender como esta impone sobre el mundo estructuras que nunca había pedido, las influencias políticas han infiltrado y atacado completamente al corazón de la arquitectura desbaratando sus procesos mas íntimos en la forma de un clima volátil de favores otorgados y retirados, apoyo prometido y rehusado, horarios comprimidos o expandidos como un acordeón estirado mas allá de los limites tolerables al antojo de las épocas políticas, imposiciones financieras, decisiones tragadas inexplicablemente y cruel placer de eliminar nuevas ideas por una composición que abandone pretensiones de armonía y coherencia total que destruyen a una ciudad; Convirtiéndola así en una arquitectura consumista, hoy en día lo importante es la distribución y comercialización de productos que lleguen a un lugar y una hora convenida, es la arquitectura uno de esos productos de homogenización reducida al estado de un juguete, tolerada como decoración para las ilusiones de la historia y la memoria, siendo así de todos los lugares y de ningún lugar. Vemos en las ciudades como muchos centros históricos están contenidos dentro de redes metropolitanas que en sus fachadas urbanas encubren cruel realidad de la metrópolis a través de las acciones paralelas de construcción y deconstrucción, una ciudad es transformada en un archipiélago de islas arquitectónicas que flotan sobre un paisaje o borradura post-arquitectónicas, donde lo que solía ser ciudad ha sido remplazada por una nada altamente cargada. Podemos apreciar en la esencia de su pensamiento la resistencia a la noción de que la globalización conlleve a la homogenización ya que el mismo proceso de modernización conduce en cada lugar a resultados diferentes, a nuevas especificidades y nuevas singularidades.

Tratando de encontrar un nuevo sentido a la arquitectura, Koolhaas abre los ojos a las realidades contemporáneas tomando en cuenta no dejar en el olvido esos pedazos de historia sobre las cuales fueron formadas las realidades emblemáticas de la condición moderna de hoy día utilizando una lógica retroactiva de considerar el ambiente para dar legitimidad a un proyecto arquitectónico.

Una doctrina arquitectónica es remplazada, pocos años mas tarde, por la doctrina opuesta creando una secuencia negativa dentro de la cual cada generación pone en ridículo a la precedente. El efecto de esta sucesión es anti-histórica, como no hemos inventado nada que haga frente a urgencias demográficas, ahora estamos condenados a un reciclaje constante: torres, arte, anticuados modelos urbanos, o simplemente imponer un prototipo que no encaje a una cultura. La parálisis de la invención ha dejado enormes vacíos en culturas que eran realmente receptivas a anticipar y acoger situaciones y soluciones radicales, motivadas por un deseo de experimentar.¿qué es una biblioteca hoy en día sino una superficie en la cual se localizan libros y ordenadores?¿qué es un museo de arte sino otra versión de la misma organización? ¿Qué es un teatro de opera sino una infraestructura para una compañía lleve a cabo representaciones? Estas simplificaciones son las que hacen agonizar la arquitectura contemporánea.

Rem Koolhaas incita una liberación global manteniendo siempre la identidad de cada cultura, logrando así oponerse al orden establecido, es decir, la eliminación en los proyectos de los residuos de autoridad injustificada, de dominación innecesaria logrando que el arquitecto comience en transformar el diseño en un instrumento de libertad.

Biografía

www.elpdlp.com

El espacio como esencia de la arquitectura

2008-12-16T19:33:00.000-08:00

(Por: Luis Alberto Lagos Pavón)

Arquitectura es una sublimación de las necesidades de la vida, es todo arte que define espacio y tiempo. La vida de la arquitectura está determinada por el hombre, para definirla y concretizarla de la mejor manera es necesario entender la estrecha relación que existe entre espacio y hombre.
El hombre es el único ser racional, tiene capacidades y habilidades, que lo hacen capaz de adaptar los medios naturales existentes, permitiendo la creación del espacio. La arquitectura nace como una necesidad que busca ser resuelta. La relación hombre-arquitectura es única e innegable. Los espacios arquitectónicos nos rodean y nos envuelven, y están presentes en cada detalle de nuestras vidas, desde un particular espacio, que por un instante es parte de nosotros, ya que por él recordamos lo vivido en su interior; hasta aquel en el que vivimos, el cual es una pequeña parte de nuestra vida, es nuestro hogar.

El espacio se vuelve así, en el entorno de los acontecimientos que el hombre desarrolla, es el reflejo de este. El espacio vive en nuestro subconsciente, es un promovedor de comportamientos, es inclusive el escenario de nuestros sueños. Espacio y hombre se complementan entre sí, mantienen una relación biunívoca, el hombre determina el espacio en el que vive y el espacio a su vez determina al hombre.

Espacio. f. parte que ocupa cada objeto sensible ¹, es caracterizado por la propiedad de la extensión. Las investigaciones modernas en matemáticas, física y astronomía han indicado que el espacio y el tiempo forman en realidad parte de un mismo continuo, al que los científicos denominan espacio-tiempo o continuo espaciotemporal. ²

El espacio como determinante de vida y de tiempo, se convierte además en líneas guías de la sociedad y de la vida de las ciudades, es además un reflejo de lo que las diferentes culturas plasman en la realidad, en ese espacio en el que se desenvuelven.

En la arquitectura el espacio interno es el protagonista del hecho arquitectónico. Todo edificio colabora en la creación de dos espacios: los espacios internos, definidos completamente por cada obra arquitectónica, y los espacios externos o urbanísticos, que están limitados por cada una de ellas y sus contiguos ³.

A pesar de que todo edificio posee una pluralidad de valores, ya sean económicos, sociales, técnicos, funcionales, artísticos, o decorativos, es el espacio (vacío), el protagonista de la arquitectura.

Walter Gropius. El verdadero instrumento de la arquitectura, más allá de todos sus tecnicismos, es el espacio. El manejo imaginativo del espacio expresa las cualidades artísticas de un diseñador ⁴.

Los elementos que actúan para determinar la sensación espacial son muchos, pero los principales son la forma geométrica, las dimensiones, la escala, y la plástica de los elementos construidos que lo limitan. El espacio como experiencia arquitectónica está acompañado del movimiento que se desprende del comportamiento humano, por lo tanto no puede ignorar todas aquellas actividades y recorridos que el hombre realiza dentro de los edificios, además de sus percepciones de la forma y de sus manifestaciones culturales.

El hecho de que el espacio sea limitado (ya sea por elementos naturales o construidos), hace que sea importante diferenciar el espacio arquitectónico de otros tipos de espacios, especialmente cuando se trata del espacio externo. El espacio no puede apartarse de la Plástica, que es la forma de sus límites, ni de la Escala, que lo mide en relación con el observador.

Para poder producir una mejor arquitectura que ayude a desarrollar a la sociedad, se hace necesario llevar a cabo una revisión de estos principios básicos de la arquitectura, entender que el espacio es, en gran medida, un definidor de vida. El arquitecto debe acercarse a las personas que lo rodean para poder instruir sobre los alcances que el espacio arquitectónico puede llegar a generar en sus modelos de vida. Debemos de llegar a comprender sus necesidades reales, para que en el resultado de la obra arquitectónica, la imitación no sea el único medio de satisfacer las necesidades espaciales y así poder llegar a desarrollar un espacio de acorde con las necesidades de cada persona, y aun mas allá con las necesidades de una sociedad.

REFERENCIAS:
¹ Definición de espacio de la Real Academia Española.
² Consulta “espacio” de encarta.msm.com
³Consulta “el espacio en arquitectura” en arqhys.com
⁴ Espacio para WALTER GROPIUS, publicado en arqhys.com

BIBLIOGRAFIA
1- El Espacio en arquitectura
Autor original: Arq. Arnaldo Ruiz, Universidad de las Americas, 2004
Publicado en Arqhys.com
Consulta: arqhys.com/arquitectura/espacio.html

2- Espacio
Publicado en es.encarta.msn.com
Consulta: es.encarta.msn.com/enciclopedia_761574797/espacio.html

3- Ensayo “De la esperanza de la Arquitectura”
Autor: Ernesto Nathan Rogers
Libro: Arquitectura Racional, tercera edición 1987
Autores del libro: Ezio Bonfanti, Rosaldo Bonicalzi, Aldo Rossi
Pag.27
Editorial Alianza S.A

4- Ensayo “No al espacio modelado y si a la forma de la realidad”
Autor: Moderne Zweckbau
Libro: Arquitectura Racional, tercera edición 1987
Autores del libro: Ezio Bonfanti, Rosaldo Bonicalzi, Aldo Rossi
Pag.24
Editorial Alianza S.A

De lo contrastante a lo chocante

2008-12-16T19:12:00.000-08:00

(Por Candy Molina)

En nuestra sociedad se ha perdido el concepto de qué es contraste en una obra arquitectónica o en un espacio determinado, esto podría ser debido a la falta de conocimiento de estos términos o simplemente por ignorar los parámetros ya existentes sobre este tema, y hacen que una obra arquitectónica se llegue a convertir en algo chocante. Debido a esta falta de comprensión hoy en día tenemos una mezcla de estilos mal imitados que en vez de proporcionar belleza y uniformidad a la ciudad caen en lo chocante y causan repulsión, molestia e incomodidad a los espectadores de las mismas. A causa de esta problemática es necesario analizar algunas definiciones de Contraste, los tipos que existen, y los efectos que estos producen, como también analizar qué es Chocante y cuáles son sus efectos.

Contraste es el efecto que permite resaltar el peso visual de uno o más elementos o zonas de una composición, mediante la oposición o diferencia apreciable entre ellas, permitiéndonos atraer la atención del espectador hacia ellos. Otra definición de contraste es la diferencia relativa en intensidad entre un punto de una imagen y sus alrededores. Oposición, contraposición o diferencia notable que existe entre personas o cosas, es aquello que sale de contexto dentro de un espacio o ambiente pero que a la vez se acopla a éste de manera sutil y sencilla aunque sea algo totalmente diferente a lo de su entorno.

Existen varios tipos de contraste, el primero se refiere al Contraste de Tonos este se obtiene entre elementos que poseen tonos (claridad-oscuridad) opuestos. En este caso, el mayor peso lo tendrá el elemento más oscuro, destacando el más claro sobre él con más intensidad cuanto mayor sea la diferencia tonal. Conforme se disminuye la tonalidad del elemento más oscuro el contraste va perdiendo intensidad, siendo necesario redimensionarlo si queremos mantener el mismo contraste, a continuación un ejemplo de este tipo de contraste:

1. Contraste de Tonos

El segundo tipo de contraste se refiere al Contraste de colores que es el creado entre dos colores que será mayor cuanto más alejados estén en el círculo cromático. Los colores opuestos contrastan mucho, mientras que los análogos apenas lo hacen, perdiendo ambos importancia visual. Este efecto se puede usar para dar mayor dimensión o sensación de proximidad a un elemento en una composición, situándolo sobre un color que contraste con él. Este tipo de contraste es especialmente indicado para los contenidos textuales, en los que debe primar la facilidad de lectura. Lo ideal será el texto negro sobre fondo blanco, ya que es el que más contraste crea (contraste de tono). Pero en ciertos elementos, en los que este juego de colores no sea posible, habrá que buscar siempre un texto cálido sobre un fondo frío o viceversa. A continuación un ejemplo de este tipo de contraste:

2. Contraste de Colores

El tercer tipo de contraste habla del Contraste de contornos, los contornos irregulares destacan de forma importante sobre los regulares o reconocibles. Este tipo de contrastes es adecuado para dirigir la atención del usuario a ciertos elementos de una composición. No obstante, hay que ser comedidos en su uso, sobre todo si se combinan con otros tipos de contraste, ya que pueden ser un foco de atracción visual demasiado potente. Además, crean mucha tensión en el espacio que les rodea.

A continuación un ejemplo de este tipo de contraste:

3. Contraste de Contornos

El siguiente tipo de contraste es el Contraste de escala que es el producido por el uso de elementos a diferentes escalas de las normales o de proporciones irreales, consiguiéndose el contraste por negación de la percepción aprendida. Este sistema de contraste es frecuente en fotografía y pintura, consiguiendo atraer la atención del espectador de forma muy efectiva. Ejemplo:

4. Contraste de Escala

Un ejemplo claro de contraste aplicado a la arquitectura seria la Extensión del Museo Judío de Berlín, que fue inaugurado en el año de 1999, por el Arquitecto Daniel Libeskind. El inmueble tiene las fachadas metálicas, ventanas que corresponden a la planta urbana de los vecindarios judíos y las calles donde vivían y presenta una curiosa planta en forma de estrella de David deconstruida.
La idea principal que transmite el edificio es el vacío que han dejado los Judíos Berlineses desaparecidos durante el holocausto Nazi. El edificio a pesar de tener una apariencia diferente a las de su entorno causando contraste, este se acopla a su contexto por medio de uso de colores y materiales similares al museo existente y las construcciones aledañas; el museo esta situado en el concurrido barrio de Kreuzberg, representa los últimos dos mil años del pueblo de Israel, desde sus primeras huellas en tierras alemanas.
El arquitecto Libeskind plasma en el edificio la importancia en la historia de Berlín y la historia de los judíos. Otra idea que transmite es la necesidad de integrar física e intelectualmente el significado del Holocausto en la conciencia de Berlín. El arquitecto plasma la idea de que solo a través del reconocimiento de la vida judía puede tener un futuro en la historia de Berlín.

El edificio tiene una planta subterránea y cuatro sobre el nivel del suelo. Estas últimas son iguales entre sí salvo la superior, que alberga oficinas y tiene una distribución diferente. La entrada al Museo Judío está en una construcción con planta romboidal situada dentro del edificio antiguo del Museo, consiste en una bajada que se realiza por unas escaleras poco iluminadas y con los escalones oblicuos. Esta bajada conduce al sótano del edificio, el cual está compuesto por unas salas que no están abiertas al público y por tres pasillos rectos que se cruzan formando ángulos no perpendiculares, de manera que la orientación por ellos se complica. El suelo de estas travesías está inclinado, y en el techo hay ráfagas de luz artificial que ayudan la orientación, éste es de color negro para dar más contraste a estas luces, las cuales son las únicas que hay.

Ciertamente el Arquitecto Daniel Libeskind al momento del planteamiento de la obra, pretendía que esta rompiera con lo establecido en su entorno, es decir con la arquitectura neoclásica que es predominante en la zona y al mismo tiempo lograra la adaptación de ésta a lo que la rodea. Evidentemente se logra su cometido ya que aunque el Museo de Berlín es considerado en ocasiones una obra de la corriente deconstructivista (ángulos agudos, desfragmentación de la forma entre otras), su geometría irregular y hasta en cierto grado incomprensible tiene un gran sentido humano y cada elemento no está puesto al azar, sino que con un propósito bien definido, causándonos sin darnos cuenta emociones contrastantes “admiración-rencor, confusión-claridad” por esto sin duda esta obra arquitectónica denota un contraste de contorno.

Exteriormente tal como se observa en la fotografía del Museo (fotografía 5) se obtiene también el contraste de contornos, comenzando por las áreas verdes, que las que existían a los alrededores del Museo están colocadas en una simetría, un orden en ángulos a noventa grados, lo contrario de las que se agregan al Museo, que tienen una distribución que no “combina” con lo típico y lo que es predominante a sus alrededores, pero que a su vez se acopla a este por medio de usos de plantas similares y distribuciones de las mismas en forma similar, formando esto un contraste como también lo hacen los materiales como el metal y el vidrio usados masivamente en las fachadas del Museo que tienen reducidas entradas de luz con el objeto de transmitir sensaciones gratas como desagradables.

Geométricamente esta obra nos resulta llamativa, ya que es predominante a los edificios adyacentes a este, mas es cuidadosa al no opacarlos con su peculiar concepto, sino se integra a lo que lo rodea valiéndose del uso de materiales, geometría y hasta de las emociones que provoca para acoplarse con su entorno, logrando así el efecto de contraste.

5. Extensión del Museo Judío Berlín, 1989-97. Arq. Daniel Libeskind

Chocante al contrario del contraste, es algo que causa extrañeza, algo Gracioso, chocarrero, antipático, fastidioso, presuntuoso. Que causa incomodidad, desagrado o rechazo. Que se encuentra violentamente con algo. Es aquello que no es agradable al ojo humano y que causa varios tipos de sensaciones las cuales pueden ser: repulsión, enojo, molestia, desagrado entre otros.

Los ejemplos que se mostrarán en las fotografías 6, 7 y 8 de arquitectura chocante, son considerados como tal por ser edificaciones que al ser construidas, no se tomaron en cuenta factores como ser, la arquitectura del entorno, ya que ésta es de gran importancia para el saber el camino que debe seguir una construcción, de lo contrario causará que la edificación sea totalmente fuera de contexto.

Otros de los factores que podemos observar es que no se define un estilo ni un movimiento arquitectónico ya que son combinaciones de elementos indefinidos, son elementos simplemente puestos lo cual produce que la obra sea chocante y no contrastante.

Una sensación contraria a lo que nos transmite el pluralismo por ejemplo, movimiento que nos permite hacer combinación de elementos que pertenecen a estilos y movimientos diferentes pero que el uso genuino de dichos elementos hace que la obra sea contrastante y no chocante.

En los ejemplos citados anteriormente (fotografías 6, 7 y 8) se hace una combinación extraña en la composición que pretenden realizar, no revelando una compresión clara de los elementos que se utilizan en cada una de las fachadas, ya que estos no son pertenecientes a ninguna corriente arquitectónica en sí, sino son una mezcla mal imitada de estilos arquitectónicos como ser arquitectura Griega, Romana, Oriental y ciertos elementos de la arquitectura de su entorno.

6. Glorieta en Plaza Central de Bambamarca, Perú

7. Casa de Habitación, Tegucigalpa, Honduras

8. Casa de Habitación, Tegucigalpa, Honduras

En definitiva si bien es cierto que han surgido movimientos en la arquitectura que nos han abierto las puertas para lograr fusiones de varios estilos arquitectónicos como ser el pluralismo, mencionado anteriormente, logrando obras exitosas y que en muchas ocasiones son encasilladas en varias corrientes al mismo tiempo, debemos tener conciencia y sumo cuidado de lo que resulta estético y agradable a nuestros sentidos, valiéndonos siempre de conceptos de gran importancia arquitectónica como ser simetría, ritmo, movimiento, escala y los conceptos de contrastes como ser los contrastes de tonos, de colores, de contornos, de escala y la aplicación que les damos al momento de plasmarlos en una obra arquitectónica, no cayendo en la exageración y en la mala aplicación de estos para no entrar en lo que si bien no pasa desapercibido, nos resulta chocante, incomodo y hasta de mal gusto.

Bibliografía

Diccionario Real Academia Española, Vigésima segunda edición.

Buscador Google, contraste, Wikipedía la enciclopedia libre, es.wikipedia.org, 01 Septiembre 2008, última actualización 10 agosto 2008

Buscador Google, imágenes contraste, desarrollo web, www.desarrolloweb.com, 24 Noviembre 2008

Buscador Google, http://homohominilupus.wordpress.com, 24 Noviembre 2008
Buscador Google, http://boletin.arquitectura.edu, 24 Noviembre 2008

Crítica a la construcción de grandes edificios en Tegucigalpa desde el enfoque filosófico-arquitectónico de Georg Lukács

2008-12-16T17:42:00.000-08:00

(Por Darling Arely López)

Georg Lukacs, filosofo de la Europa de post-guerra, tenia una ideología fuertemente influenciada por el marxismo, esto junto a sus tendencias comunistas, le proveyeron un enfoque social muy marcado a sus teorías y estudios sobre estética y arte, afirmando que la influencia de estos no solamente afecta al individuo, sino que posee un ingrediente altamente social debido a la valorización y misión colectiva de estas disciplinas.

Un tema en evidente apogeo actualmente es la construcción de grandes edificios en Tegucigalpa, a simple vista fácilmente podría concluirse que la recesion económica mundial no ha detenido el crecimiento urbano –crecimiento explícitamente físico y no estético- se ven construcciones de todo tipo: comerciales, habitacionales y bancarias, sin embargo esta situación deriva en una interrogante muy importante, ¿Hacia donde se encamina la sociedad debido a este “crecimiento”?

No cabe duda de que en la actualidad la arquitectura o el concepto esencial de la misma se ha perdido casi por completo en esta ciudad, prueba tangible de esto son las construcciones llevadas a cabo el año 2008 el cual ha sido particularmente desastroso para el paisajismo de la ya desgarrada imagen de la cuidad, las bizarras “aportaciones” arquitectónicas al mapa traen a memoria la frase: “cada solución es única”, lamentablemente esta evocación no se debe a la admiración que produce la mano de Miguel Ángel en la capilla Sixtina, es mas bien un deseo agonizante de que estas particulares construcciones no se repitan en el futuro.

La arquitectura no debe ser casual, aun mas cuando la construcción consciente de un espacio tiene lugar sobre una base colectiva, cuado el carácter de un tal espacio no está determinado por las necesidades y las exigencias de un hombre individual sino por las de una comunidad… Lukacs plateó con lo anterior un aspecto crucial de la arquitectura, la “misión creadora del mundo” de este arte no puede en ningún momento responder al ego individual de un hombre, intentando dejar un sello personal en una construcción en lugar de responder a la necesidad de la sociedad, ignorando y negando el entorno y contexto que le provee una comunidad, en este caso, la intención inicial de muchos proyectos en Tegucigalpa debió aparecer como una mimesis vacua del ego de algún constructor que no logró que la finalidad extra-estética del edificio mutara en estética.

El edificio de la cooperativa de ahorro y crédito de educadores de Honduras es un ejemplo claro de lo expuesto anteriormente, Ziegler exponía que la formación arquitectónica en sentido estético tiene que mostrar rasgos cualitativamente nuevos, sin embargo a pesar de la enorme explosión estilística a nivel mundial, este edificio parece haber ignorado su misión evocadora, esa mimesis primordial que debería impulsar la estructura emocional mas allá de los limites de sus finalidades intencionales.

La ausencia de estilo arquitectónico es su característica principal, es simplemente imposible determinar su origen, sin duda, es una nave que debió tener un aterrizaje forzoso en el mundo de la arquitectura contemporánea; comenzando por las formas bizarras de su geometría, y siguiendo con las ventanas de formas extrañas con vidrio de color verde, que fueron colocadas prácticamente al azar, la imagen inicial de esta construcción deja sin palabras. En un inicio cuando el edificio únicamente contaba con el gris del concreto la mayor interrogante era que colores podrían de alguna manera aportar algo a la forma, actualmente el recorrido visual llega inevitablemente a este punto, la elección de la gama cromática es todo un misterio que corona magistralmente la ilógica construcción.

Otro ejemplo impecable de la precaria situación de Tegucigalpa es el edificio principal de Banco de Occidente, un nuevo objeto construido no identificado con un volumétrica caóticamente trabajada, sin una intención clara y con un mensaje sumamente confuso, el edificio en su conjunto carece totalmente de unidad compositiva, y de la misma manera que el ejemplo anterior, la ventanearía parece responder a un orden aleatorio incomprensible.

El estacionamiento es un gran desierto de concreto abierto al público, carente totalmente de área verde o de algún tipo de vegetación, y coronado la inexistente plaza de entrada: una estela maya salida completamente de la nada.

Esta clase de creaciones hacen reflexionar y analizar que clase de mundo esta siendo creado, la misión primordial del arquitecto ha sido dejada de lado, la cuestión es si realmente hay conocimiento de esta misión, y si es así, ¿Por qué se ha ignorado de forma tan descarada y evidente? Lamentablemente son las siguientes generaciones las que se deberán enfrentar a una ciudad totalmente fragmentada, y el reto de homogeneizar y unificar la imagen de Tegucigalpa recaerá sobre las mentes futuras.

Probablemente es aquí donde se encuentra el punto concluyente de esta situación, retomando la acertada posición de Georg Lukacs, es necesario que la arquitectura de nuestra realidad de un salto cualitativo tangible, que logre evocar emociones con carácter colectivo directamente orientado a lo general, y que se termine de una vez la aniquilación del espacio estético-arquitectónico, empero el punto clave y el verdadero detonante de un cambio es el nacimiento de una “misión social”, el poder transmitirla a una sociedad que no ha sido concientizada, que desconoce totalmente la esencia de la arquitectura como arte o al menos los parámetros que la rigen, su sentido antropomorfizador del espacio y su aportación estética mas allá de la demanda y enfoque sujetivo de un individuo.

La misión de los arquitectos por venir será educarse a si mismos en primer lugar y luego educar a una cuidad sumergida en la ignorancia por tantos años de tolerancia, una sociedad en un collage arquitectónico que le ha robado la identidad y que hasta ahora le ha dejado como legado fealdad, desorden y vergüenza.

Bibliografía:

http://es.wikipedia.org/wiki/Georg_Luk%C3%A1cs
*** Inicios de Georg Lukacs, estudios y tendencias ideológicas.
http://www.marxists.org/archive/lukacs/
*** Lukacs y su posición marxista de la sociedad, efectos del capitalismo.
http://www.rebelion.org/docs/37538.pdf
***Antología de textos, Manuel Sacristán sobre Georg Lukacs (1885-¡971)
Paginas 5 y 48 principalmente.

"Una lectura crítica de las Cuestiones liminares de la mímesis estética"
*** Sección II, Arquitectura, paginas 82-141.

Misión social del arquitecto

2008-12-16T17:22:00.000-08:00

(A partir de ahora los ensayos que voy a estar publicando son los que han escrito los alumnos del presente semestre. Se publicarán de manera integral. Como siempre, los comentarios son bienvenidos.)

Por Fredy Lagos.

Hoy en día la arquitectura parece hallarse al servicio de clases elitistas, que solo busca satisfacer sus deseos egoístas, olvidando de ese modo su misión social como ciencia. Esta desviación ha dado como resultado un problema muy agudo en todo el mundo, donde cerca del 93% de la población mundial se halla inmersa en la pobreza. Por tal razón es necesario concientizar al arquitecto acerca de su función social mediante el uso de fundamentos teórico - históricos que orienten a la reflexion.

George Lukács nos habla acerca de esa misión que tiene el arquitecto para con su entorno social y enfatiza que debe dirigirse a satisfacer las necesidades colectivas de los pueblos. Esas necesidades colectivas que tuvo el ser humano a vivir como un ser social y no en forma individual, esta situación es la que dio origen a la arquitectura como ciencia que se encarga de resolver problemas espaciales que permiten el buen uso del suelo urbano.

Con el fin de dar soluciones a la ciudadanía nace la urbanización , definida como la disciplina interventora que se encarga de la dimensión físico- espacial de la ciudad. Es así como a través de los años se han planteado diversos enfoques orientados a hacer de ella funcionable en pro del bienestar de todo un pueblo. Este problema se ha hecho cada vez más complejo; sobre todo, desde la revolución industrial, misma que ocasionó la movilización de personas a las ciudades en busca de empleo, que trajo como consecuencia el asentamiento de barrios y colonias que exigían necesidad de vivienda, salud, educación y trabajo. El arquitecto como profesional sensible a las necesidades comunales debe satisfacer todos esos problemas.

La construcción masiva de vivienda es uno de los problemas más graves que atraviesa la humanidad en los últimos siglos; por ejemplo en Honduras, según un artículo publicado en marzo del 2007 por Alberto Benítez Salem; para el año 2003, había un déficit de 749,000 viviendas de las cuales un 72% representaba necesidades de mejoramiento y el 28% necesidades de viviendas nuevas y para el año 2004 según datos del INE se habría de sumar un déficit de 25000 viviendas y además el 47.7% viven en extrema pobreza. También en un estudio realizado por la Universidad Nacional Autónoma de Honduras el 45% de las viviendas en nuestro país carecen de servicios de agua, energía eléctrica, y evacuación de excretas; y, el 54% de las mismas, correspondía a casas de un sólo dormitorio.

Pero ¿de qué manera hacer frente a esta situación? La respuesta la podemos hallar en experimentos realizados por otros países que han dado resultados muy satisfactorios.
La ciudad jardín, es uno de los ejemplos que se puede citar para el caso, se trata de un plan urbanístico creado por Ebenezer Howard (1850-1928). Es un centro urbano diseñado para que el ser humano se desenvuelva en un entorno más saludable; para ello parte de situar los edificios publico en el centro urbano, rodeado de un cinturón vegetal, sigue a esta otro circulo destinado a viviendas proyectadas como casas unifamiliares, luego otro a industrias y por último un anillo reservado a zona agrícola para abastecer la ciudad. Cabe mencionar que las viviendas unifamiliares se definen como aquel tipo de vivienda en el que una única familia ocupa el edificio en su totalidad.

En 1903 los arquitectos Barry Parker y Raymond Unwin construyen “Letchwoth”, la primera ciudad jardín en Inglaterra. Tiene 1520 hectáreas; de estas hectáreas se dividieron 480 para una zona central urbana y el resto para zona periférica agrícola. Actualmente hay 33000 habitantes. La propuesta dio como resultado una calidad de vida más digna en relación con las demás ciudades, pues el índice de mortalidad fue de 4.8 a 5.10 por 1000 habitantes, lo cual es el índice más bajo de entre todas las ciudades del mundo.

Por otro lado, actualmente las ciudades han creado “programas de combate a la pobreza” que han dado resultados muy buenos, como por ejemplo “el programa de vivienda progresiva” cuya características es que las familias pueden optar a una solución sanitaria (baño, cocina, pieza de uso múltiple y urbanización del loteo). La república de Chile ha introducido dicho programa logrando una vivienda digna para personas que se hallaban en la extrema pobreza, este proyecto tiene la asistencia social de arquitectos y urbanistas que trabajan en conjunto con sus pobladores siendo sus mismos habitantes la mano obrera que se encarga de la construcción.

Otro programa con resultados favorables los encontramos en el “proyecto urbano integral”; es un modelo de intervención urbana que tiene los componentes físico, social y la coordinación interinstitucional; con el objetivo de resolver problemáticas específicas sobre un territorio definido en donde se haya presentado una ausencia generalizada del Estado y procurando el mejoramiento de las condiciones de vida de sus habitantes.

La ciudad de Medellín es el mejor ejemplo latinoamericano de la actualidad, que uso este tipo de programa, logra soluciones no solo a nivel de viviendas, sino también en el área educacional y cultural. Hay que ver el paseo urbano de Andalucía para darse cuenta de ello (ver figura 1); contempla la adecuación de espacios públicos existentes, la construcción de un parque ubicado en la proximidad del acceso a la vía y el mejoramiento de la centralidad del barrio.

Fortalece la función del corredor de la calle, reconociendo su carácter de eje peatonal, y genera un aspecto dinámico de las actividades comerciales para el desarrollo socio-económico de la comunidad del sector. Además busca sacar viviendas en zonas de alto riesgo (como se hizo en los asentamientos de la quebrada Juan Bobo) y las pasa a edificios destinados para el uso de apartamentos, lejos de desastres naturales. También convierte sitios que fueron conocidos como botadero de escombros y zona insegura del barrio en un conjunto de taludes (deslizaderos) en concreto rojo que permiten el goce recreativo en la zona (figura 2).
Entre otras de las mejoras sociales alcanzadas están: la construcción de puentes peatonales, el empleo de metro cables ( ver figura 4 y 5), el cual es un sistema de transporte, no es únicamente un teleférico como muchos en el mundo destinados al turismo, por el contrario es un teleférico que ha permitido que las personas que viven en los barrios de la ciudad de Medellín se desplacen hacia el centro de la ciudad de una manera más rápida, segura y eficaz utilizando el uso de energía limpia no contaminante. Además está la construcción de parques que se presentan a la comunidad como un teatro o escenario al aire libre ( figura 3), posee varias plataformas de juego, eventos, y muros de escalada.
Todas estas obras de beneficio social han sido realizadas por arquitectos, con la ayuda de la alcaldía; aquí solo se enumeraron algunos de esos trabajos.
Entre otras necesidades palpitantes dentro del contexto social de las comunidades más desfavorecidas está el acceso a la educación, señalada por la UNESCO como una de las soluciones más viables que ayudan a mejorar la calidad de vida de las personas, ya que promueven la superación laboral de la población. Medellín, consiente de este necesidad básica de carácter social promueve el desarrollo del sector educativo-cultural, brindando a la comunidad servicios de bibliotecas públicas y un espacio para el encuentro ciudadano, que incluye espacios para actividades recreativas, deportivas, culturales y comunitarias como lo es el parque bibliotecario Santo Domingo (ver figura 6).
Pero ¿cómo han logrado varios arquitectos hacer que se tome conciencia de este quehacer social en la arquitectura? En primer lugar se debe estar consciente de que la arquitectura existe para dar soluciones que ayuden al fortalecimiento de una mejor calidad de vida en la sociedad. Cabe recordar que la arquitectura es un arte y también ciencia que busca satisfacer necesidades colectivas del ser humano. Es por eso que arquitectos concientes de ello han promovido el empleo del voluntariado en la arquitectura. Tal es el caso del Arq. Cameron Sinclair, el fundador y director ejecutivo de “Architecture for Humanity”. Nace de la insatisfacción por las perspectivas profesionales que le mostraban la vanguardia arquitectónica y su papel de nuevos vedettes de la cultura occidental, dirigido a una actividad hacia el desarrollo. Utilizan el diseño para mejorar la calidad de vida de los pobres creando refugios que se puedan construir de modo rápido y barato, pero que permitan una calidad de vida digna en condiciones muy precarias y cabe mencionar que ya han hecho proyectos en varias partes del mundo. Su labor es sustentado por un gran número de arquitectos que han ofrecido sus diseños para los proyectos de Architecture for Humanity.El orfanato de TunaHAKIn es muestra de ello, ha sido reconocido por la prestigiosa Fundación Holcim con un premio por su diseño y el uso de materiales apropiados. Fue diseñado por Hollmén y Reuter Sandman Arquitectos de Helsinki, Finlandia y Armstrong, este es un verdadero proyecto global que abarca tres continentes.

Otro organismo creado para solución de problemas de infraestructura social en el área educativa es el CIPAE (Centro Internacional de Prospectiva y Altos Estudios). El Director de la División de Arquitectura para la Educación del CIPAE es el Arquitecto Rodolfo Almeida, reconocido mundialmente por UNESCO gracias a sus novedosas metodologías de diseño de espacios educativos. Entre sus proyectos tenemos: el campus Ixtax en Veracruz, México (Figura 7).
Los arquitectos Stutchbury, Pape y Ian Buchan en el afán de conseguir una construcción que sea totalmente respetuosa con el medio ambiente y que reduzca el tiempo y el costo de la obra han diseñado “la casa de cartón” (figura 8 y 9) obtenido de material reciclable, de igual modo que el resto de la casa. El sistema energético de la casa se basa en las placas solares que alimentarán bombillas de unos 12 voltios, aunque también se incorpora un juego de baterías de coche para tener luz en el caso de que ese día amanezca nublado. Pero no toda la casa es de cartón, el techo es impermeable, fabricado con plástico, sin embargo todo lo demás, paredes, suelo, vigas, etc., es cartón. Un plano y un kit de piezas y herramientas basta para montarla; implementa tuercas de nylon, velcro y un poco de destreza para finalizar esta construcción en unos cuatro días.

No puede concebirse arquitectura como tal, mientras no se haya dado solución a los problemas colectivos de todo un pueblo que exige una mejor calidad de vida. Es por esa razón que los arquitectos están obligado a cumplir esa misión social, misma que ha dado origen a su existencia como campo profesional, pues su fin nace de satisfacer esas necesidades colectivas de carácter urbano que afectan al ser humano. Para ello debe incrementar el uso de un “voluntariado”, o incluso el empleo de investigaciones científicas que ayuden a producir materiales más económicos, sin olvidar también obras que ayuden al progreso educativo como una necesidad básica para salir del subdesarrollo; pero sobre todo debe tomar conciencia de su misión, pues solo así podrá tener un mejor panorama visionario de lo que la humanidad ha buscado durante siglos con gran esmero.

BIBLIOGRAFIA

1.-Informe: Proceso metodológico de medición de la pobreza
Autor: Instituto Nacional de Estadísticas de Honduras “INE” y el Instituto Nacional
De la Mujer
Publicado en Septiembre del 2003
Consulta: 29 de octubre del 2008

2.-Documento: Desarrollo Rural y pobreza en Honduras y Nicaragua ¿Qué Sigue?
Autor: Lan Walker y Hugo Noé Pino
Publicado en el 2004.
PDF. Acrobet Reader 6.0
Consulta: 22 de octubre del 2008

3.-Documental: Pobreza: cultura, vivienda y trabajo.
Arquitectuba.com.ar.
Consulta: 5 de noviembre del 2008

4.- Libro : Urbanización y desarrollo
Autor: Louchlin Currie. Edición 1979
Consulta: 12 de diciembre del 2008

5.- Documento: Evolución del Déficit de Vivienda en Honduras
Autor: Manuel Antonio Fonseca
Año: 2004
PDF. Acrobet Reader 6.0
Consulta: 12 de noviembre del 2008

6.- Documento: El problema de Vivienda en Honduras
Autor: Alberto Benítez Salem
Publicado en Marzo del 2007
PDF. Acrobet Reader 6.0
Consulta: 7 de Noviembre del 2008

7.- Libro: Urbanismo y desigualdad social
Autor: David Harvey. Edición 1979
Consulta: 10 de Noviembre del 2008

8.- Libro: Urbanismo.
Autor: Jose Boix Gene. Edición 1974
Consulta: 11 de Diciembre del 2008

9.- Libro: Planificación y configuración urbana.
Autor: Jose Boix Gene. Edición 1974
Consulta: 13 de diciembre del 2008

10.- Libro: Planificación y configuración urbana.
Autor: Dieter Prinz. Edición 1984
Consulta: 11 de diciembre del 2008

11.- Libro: Hábitat popular progresiva, vivienda y urbanización.
Autor: Ricardo Tapia y Rosendo Mesías. Edición 2002.
Consulta : 10 de diciembre del 2008
12.-. www_medellín_gov_co.mht.
Tema del documental: “Compromiso de toda la ciudad”.
Consulta: 10 de diciembre del 2008

13.-Documental: Diseño y arquitectura para los pobres: Cameron Sinclair y Architecture for Humanity
Autor: Juan Freire editado el 8 de agosto del 2005
Consulta: 13 de diciembre del 2008

Anti arquitectura y deconstrucción

2008-12-15T17:00:00.000-08:00

Me había olvidado de publicar este libro a pesar de lo mucho que se mencionó en el blog.

Anti Arquitectura y Deconstrucción

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La columna: un signo arquitectónico

2008-12-15T16:44:00.000-08:00

(Por Scarlett Melania Leiva)

La columna es uno de los arquetipos de la arquitectura, la cual, junto con el arco, el atrio y la esquina, ha trascendido a lo largo del tiempo. Es un elemento arquitectónico vertical cuya función es soportar las cargas de la estructura (excepto en el caso de las columnas conmemorativas). De la columna depende entonces la estabilidad de las edificaciones.

En el Imperio Antiguo, se usaron columnas muy sencillas de planta cuadrada, a las que se les llama “Pilares”. Luego con la era de las pirámides, se comenzó a utilizar columnas adornadas con loto, papiro o palmeras; lo cual se convirtió en un aspecto muy característico de las construcciones del Antiguo Egipto. Más tarde, la columna fue usada por los griegos y romanos en sus edificaciones, como reconocimiento por parte de ellos hacia sus divinidades. En la arquitectura griega se encuentran los órdenes clásicos: Dórico, Jónico y Corintio (siendo éste último más usado por los romanos) por ejemplo el Coliseo Romano, cada nivel posee un orden clásico diferente.

Por otro lado, se encuentran las columnas conmemorativas, las cuales no tienen una finalidad estructural, sino que estética, por sí mismas constituyen un monumento que es memorativo de algún hecho o de algún personaje. Por ejemplo, la columna conmemorativa Vendôme en París, el Obelisco de Santiago Calatrava en la Plaza de Castilla, Madrid (el cual se trata de una columna de acero y bronce, de noventa y tres metros de altura y dos de diámetro), entre otras.

La arquitectura en general está compuesta por diferentes elementos que delimitan espacios y que luego comunican funciones, la columna es uno de ellos. Ahora bien, la pregunta es ¿cuál es el significado que una columna comunica? Por ejemplo, en el caso de las escaleras, se puede decir que comunican la función de ascenso, aún si no se les conoce. Lo que significa que la parte comunicativa precede la parte funcional. Antes de que se pueda dar un paso sobre el escalón (lo que se le llama proceso de estimulación ¹) se tiene la clara idea de que se va a ascender.

Umberto Eco, en su libro “La estructura ausente”, distingue dos tipos de funciones. Las primarias y las secundarias. Las Primarias son las funciones en el verdadero sentido de la palabra, es la acción concreta que se realiza. Las funciones secundarias son aquellas que incluyen “valores simbólicos e ideológicos”. Umberto Eco hace referencia a una catedral gótica para exponer sus ejemplos.

La función primaria de una catedral gótica es “reunirse” y la secundaria sería esa “atmósfera mística que se crea, la difusión de la luz, etc.” De ésta manera, Umberto Eco distingue que un signo arquitectónico denota una función primaria y connota una secundaria.

Un argumento falso es creer que “los objetos arquitectónicos son vehículos sígnicos cuyo significado son los espacios” dice Umberto Eco. Lo cual hace que el espacio se convierta en un objeto de comunicación arquitectónica. Entendiéndose por espacio no solo aquel que queda delimitado por diferentes elementos u objetos arquitectónicos, sino también aquel que está por fuera de éstos elementos, aquel que está en torno a éstos objetos arquitectónicos. Por ejemplo el espacio que se crea alrededor de una columna, el cual todavía no es el significado que la columna comunica. Umberto Eco dice que más bien “es el espacio junto con la columna, uno de los elementos del vehículo sígnico que sirve para comunicar las diversas funciones posibles permitidas por tal punto de referencia”. Porque la columna por sí sola no denota nada más que la función de soportar algo ². “Es un elemento neutro que se combina para formar más vínculos que tienen significado arquitectónico” ³.

En el artículo llamado “Eternidad de la Columna” de Dora Isella Russell, se puede encontrar según Umberto Eco, un registro que recoge todos los significados que se asocian con la columna, los cuales se pueden ver como opiniones generales que la sociedad reconoce. Como primer punto, dentro de las características morfológicas de la columna se pueden mencionar la base, el fuste y el capitel. A lo cual se le asigna una metáfora con respecto a un árbol, el cual posee raíz, tronco y copa. Dora Isella Russell hace mención al respecto, planteando que del árbol nació la columna. De aquí que algunos arquitectos tomen su idea rectora, por ejemplo, Toyo Ito con la Mediateca de Sendai, él utiliza la forma de los árboles en la concepción de la estructura. Y como segundo punto, dentro de las características semánticas de la columna se encuentran aspectos como verticalidad, soporte, solidez, estabilidad, impenetrabilidad, entre otros.

Éstas características semánticas son las que permiten que la columna comunique su significado, ya que a lo largo del tiempo éstas han hecho que la columna trascienda. La columna es y seguirá siendo uno de los elementos arquitectónicos más importantes, ya sea que se le vea como parte importante en la estructura de cualquier edificación, como columna conmemorativa o simplemente como ese elemento que denota verticalidad, soporte, solidez y estabilidad.

1 Página 221 del libro “El Lenguaje de la Arquitectura, un análisis semiótico”

2 Pensamiento de Koenig, pie de página, pg. 225
3 Objeción más frecuente en un experimento que se hizo en Argentina respecto a ¿Cuál es el significado de la columna?

BIBLIOGRAFÍA

El Lenguaje de la Arquitectura, un Análisis Semiótico,
Geoffrey Broadbent, Richard Bunt, Charles Jencks
Editorial Limusa, S.A. 1984

El Lenguaje de la Arquitectura Posmoderna, Charles Jencks
Editorial Gustavo Gili, S.A.
Barcelona 1981

Historia de la Arquitectura, de la antigüedad a nuestros días
Konemann 2005
Páginas 8, 9

Historia de la Arquitectura, Jonathan Glancey
Editorial Planeta Mexicana, S.A. de C.V.
México, D.F. 2001
Página 28

Atlas Ilustrado de la Arquitectura
Susaeta Ediciones, S.A. Madrid
Páginas 74, 75, 76, 77

Páginas Web:
http://es.wikipedia.org/wiki/Columna_%28arquitectura%29
http://www.arqhys.com/contenidos/columnas-historia.html
http://www.acropolisperu.org/index.php/content/view/411/50/
http://noticias.arq.com.mx/Detalles/9669.html
http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/search?q=mediateca+de+sendai

Un informe sobre el Expresionismo

2008-12-09T13:54:00.000-08:00

A la espera del informe del Expresionismo de este semestre, publico uno presentado el primer semestre del presente año, para que puedan utilizarlo como referencia.

EnsayoExpresionismo

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Informe sobre el Deconstructivismo

2008-12-08T12:16:00.000-08:00

Deconstructivismo

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Informe de High Tech y aviso importante

2008-12-07T15:41:00.000-08:00

Publico el informe que presentó el viernes pasado el grupo de High Tech, integrado por Dalila Munguía y Fredy Lagos, a quienes felicitamos por su exposición.

Les recuerdo que la reposición del primer parcial será este jueves 11 a las 10 de la mañana. Y este viernes 12 vamos a realizar un ensayo en clase cuyo tema será el Racionalismo. El ejercicio se realizará después de las dos últimas exposiciones del segundo parcial y será entregado allí mismo, su principal objetivo es servir de práctica para el segundo examen.

High Tech

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Fechas importantes

2008-12-03T14:31:00.000-08:00

Este es el calendario para las próximas fechas importantes de la clase:

- Viernes 5 de diciembre: Exposiciones de los grupos de High Tech y Arquitectura Ecológica

- Jueves 11 de 10 a 12: Reposición del primer examen o entrega del trabajo alterno

- Viernes 12: Exposiciones de los grupo de Mega construcciones y Experimentaciones japonesas

- Martes 16: Entrega del ensayo final (Deben entregar una versión en digital de su ensayo para que sea publicada en el blog!!)

- Jueves 18: Examen del segundo parcial

- Viernes 19: Exposición de los ensayos finales

- Lunes 22: Recuperación

- Martes 23: Entrega de Notas

Ensayo corto: ejemplo de respuesta de examen

2008-12-02T14:06:00.000-08:00

Esta es una respuesta a una pregunta de examen sobre el Deconstructivismo, de una alumna que prefirió permanecer anónima, para que tengan idea de cómo debe hacerse un ensayo corto.

La arquitectura Deconstructivista tiene influencia del movimiento Constructivista Ruso principalmente por las obras de Tatlin; pero su mayor influencia es el movimiento filosófico del 68 al que pertenece Jacques Derridá, con su Deconstructivismo que se basa en desarmar un analíticamente los elementos de un concepto.
Hay varios acontecimientos que contribuyen al desarrollo del movimiento: el concurso para el parque de la Villete, la inauguración del Wexner Center of Arts y la exposición organizada en el MOMA por los arquitectos Phillip Johnson y Marc Wigley quienes invitaron a la exposición a Peter Eisenman, Frank Ghery, Zaha Hadid, Bernard Tshumi, entre otros.
Peter Eisenman dice sobre la Deconstrucción que “se deben fragmentar símbolos existentes”, un ejemplo claro, aunque en los inicios del movimiento, es el Centro Wexner de Artes en donde toma el arquetipo de un castillo medieval y lo fragmenta en arcos, columnas y otros elementos, la retícula tridimensional enfatiza el contraste entre lo nuevo y lo antiguo; lo vacío y lo lleno.
Para Tschumi, la arquitectura no debe parecer nada específico sino simplemente ser arquitectura, cuestionando los arquetipos funcionales.
Frank Ghery, por ejemplo, en the Vitra Museum deconstruye los cubos blancos racionalistas que eran las exposiciones artísticas y le da un lenguaje totalmente deconstructivista.
Zaha Hadid, rompe el estilo de perspectiva y presenta los objetos desde puntos de perspectiva en los que aparentan flotar.
Después de la exposición, Mark Wigley escribe “Los proyectos presentan un nuevo tipo de sensibilidad, la forma pura ha sido deformada, el sueño se transformó en pesadilla” (…) “es precisamente la habilidad de deformar los objetos lo que los hace deconstructivistas.”
Esta arquitectura es altamente crítica y con gran contenido social, pero para que exista cualquier deconstrucción arquitectónica, es necesario que exista un símbolo o arquetipo aceptado por la sociedad sea este un castillo, cualquier tipología funcional, un tipo de perspectiva o el gusto por una forma pura. Simplemente debe romper con algo que ya está codificado en nuestra mente, “es una arquitectura para hacernos preguntas y no para darnos respuestas.”

Sobre los exámenes del primer parcial...

2008-11-30T18:50:00.000-08:00

Acabo de leer los exámenes del primer parcial y he notado una serie de errores que muchos han cometido. Así que estas son unas sugerencias para las siguientes evaluaciones:

- Recuerden que las preguntas de estos exámenes se contestan en forma de ensayo. Es por eso que los primeros posts de este blog han sido con el fin de ayudarlos en su redacción. Los ensayos y los diagramas de cualquier tipo son excluyentes. No es permitido argumentar haciendo dibujos para explicar cosas como la dialéctica de Platón, el autodesarrollo del concepto de Hegel o el salto cualitativo de Lukács, todos esos enunciados deben explicarse. En los ensayos tampoco se pueden hacer listas, o separar los argumentos con números, o guiones. Tampoco es correcto presentar mucha información disgregada como si trataran de hacer notas. El texto debe de ser fluido.

- Los ensayos se redactan en tercera persona. No son apropiadas las expresiones que denoten opinión personal como “yo pienso”, “creo”, “para mí”, “yo opino”. La idea es que los ensayos demuestren lo que han investigado y no que se basen en su percepción del tema. También, cuando hablen de un libro hay que aclarar que las opiniones expresadas son las del autor y no son las propias.

- Es necesario respetar la estructura de los ensayos (introducción – cuerpo – conclusión), aún si se tratan de ensayos cortos para responder a exámenes. Repasen el post de cómo escribir un ensayo, pero en general es buena técnica empezar desde los aspectos generales de la pregunta, definiendo lo que se está pidiendo, vincular las distintas definiciones con ejemplos y después concluir. Esta estructura de los ensayos debe ser balanceada para todas sus partes, como por ejemplo no deben hacer las conclusiones más grandes que el desarrollo. Tampoco pongan título a estas partes: uno debe intuir de qué parte del ensayo se está leyendo.

- Sus respuestas deben tener un sustento teórico adecuado. Las afirmaciones que expresen (especialmente si son cuestionables) deben sustentarse en citas bibliográficas, citas de autores, o en ejemplos. Estos ejemplos deben explicarse bien, no sólo mencionarse superficialmente. Uno de los principales problemas que he notado es que no relacionan la parte filosófica con ejemplos arquitectónicos. Para eso son las presentaciones de Power Point que he dejado hasta ahora en el blog: con lo visto en clase ustedes deben interpretar o tratar de analizar las obras que aparezcan en la presentación para poder usarlo en sus ensayos.

- Cuidado con la ortografía.

- Creo que el consejo más importante que se puede dar para esta clase es practicar haciendo ensayos mucho antes del examen. Traten de que por cada tema visto redacten uno: de esa manera van a tener oportunidad de investigar apropiadamente, van a tener una idea de cuánto se tardan en escribir y van a recordar mejor sus propios textos que informaciones de otras partes. La arquitecta y yo estamos a la orden para revisar ensayos de prueba y dar sugerencias. El examen no es momento de improvisar, el tiempo es muy corto y deben aprender a distribuir el tiempo de manera que contesten las 5 preguntas obligatorias, correctamente y no a la carrera. Todavía hay oportunidad de recuperarse de un resultado poco satisfactorio, pero traten de no faltar a clases, de hacer bien su presentación y trabajo escrito, de estudiar más para el segundo parcial y de avanzar en su ensayo final. Les deseo lo mejor y saben que estoy disponible para cualquier cosa.

Para el grupo de High Tech

2008-11-30T18:28:00.000-08:00

Los principales arquitectos en los que deben enfocar su trabajo son:

- Richard Rogers

- Norman Foster

- Renzo Piano

y Jean Nouvel.

Cualquier consulta estoy a la orden. ¡Suerte!

Mario Botta: la búsqueda de lo esencial

2008-11-29T12:36:00.001-08:00

(Presentado el 10 de diciembre de 2007 por Diana Carolina Padilla Velásquez)

Como uno de los principales exponentes del Racionalismo, Mario Botta es sin duda uno de los pocos arquitectos que ha intentado con tanta coherencia recuperar las raíces de la arquitectura, raíces que se encuentran muy alejadas de los valores superficiales que se observan cada vez más en nuestra cultura en la actualidad.

Este arquitecto de origen suizo, con una formación en gran parte eclesiástica, tiene sus raíces en la arquitectura Románica y Gótica, motivo por el cual refleja en sus obras una gran veneración por la arquitectura del pasado.

Proponiendo una arquitectura monumental, con el uso de potentes composiciones geométricas, que en ocasiones evocan fortificaciones, Botta ha logrado crear una firma propia, donde, marcando un límite que separa el interior del exterior, se opone por completo a las construcciones ligeras de la actualidad; aspecto que le ha valido algunas críticas que lo catalogan de arquitecto ajeno a su tiempo.

Defensor del movimiento Moderno en el sentido de lo que él llama la ÉTICA en la arquitectura, que supone la obligación de responder a las necesidades actuales y el respeto al entorno, escapa de la cultura consumista y de la arquitectura efímera, que, según él, no engloba los valores fundamentales de la arquitectura como ser la ligereza, la gravedad, los materiales y las formas perfectamente estructuradas de manera que se establezca un diálogo.

Utilizando un vocabulario geométrico, Botta defiende la idea de que la arquitectura debe ser distinta a la naturaleza, mediante la utilización de las Formas Platónicas que no sólo subrayan la diferencia entre razón y naturaleza, sino que también dan esa idea de orientación en el espacio tan importante en sus obras, estableciendo que dichas formas representan no un estilo, sino el lenguaje mismo de la arquitectura.

Al analizar obras como el Museo Watari-um en Tokio, se puede ver la correcta combinación de formas claras, abstractas y geométricas con un extraordinario uso de la luz, tanto en la iluminación interior como en la definición de las superficies exteriores. Su composición volumétrica es una lección de la arquitectura urbana, de planta triangular y una escalera en forma de quilla con una de sus aristas recta, consolidando la calle lateral y curvándose hacia la avenida principal separándose del volumen principal y contrastando dramáticamente con la sobria rectitud del resto del edificio.

La separación de la escalera convierte la fachada en un plano escenográfico de proporciones cuadradas perfectas con una serie de estrías horizontales alternadas en concreto y granito recurriendo a la simetría que se acentúa con la hendidura vertical que contrarresta la horizontalidad de las franjas y haciendo una referencia a la composición de las columnas clásicas (base, cuerpo, capitel).

Las esquinas del triangulo, que dada su agudeza no permitirían el desarrollo cómodo de alguna función, son aprovechadas por el arquitecto como pozos de luz indirecta, brindándole además un efecto de ligereza al plano de la fachada.

Sin duda alguna, Botta ha logrado crear mediante el uso de la geometría pura, estructuras evocadoras inspiradas en la arquitectura del pasado, con un lenguaje moderno y dinámico buscando esa legitimidad en las formas primarias, con edificios ricos en significado y que contienen esa perdurabilidad a través del tiempo.

Más presentaciones

2008-11-27T19:16:00.000-08:00

He decidido agregar al compendio de material del segundo parcial las presentaciones de las clases originales, aquellas que la arquitecta presenta cuando no hay debates entre alumnos. Como en las 2 horas semanales no hay tiempo de verlas lo podrán hacer aquí. Estas presentaciones son muy valiosas porque les permiten ver más proyectos que les sirvan de inspiración para sus ensayos, porque siempre hay que hacer el nexo arquitectónico del filosófico. En esta ocasión agrego la síntesis de las 2 primeras, que originalmente iba a ser presentada la semana pasada, pero el tiempo... siempre el tiempo.

Les dejo la presentación del Minimalismo.

Minimalismo

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El Racionalismo europeo:

Racionalismo Europeo

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Y la síntesis abreviada:

Racionalismo y Minimalismo

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Minimalismo

2008-11-24T17:55:00.000-08:00

Aprovechamos para felicitar también a Isis y a Arely por su exposición del viernes, les dejo el informe que presentaron.

Esta semana es el turno del Neo expresionismo y el Deconstructivismo, investiguen para que podamos tener un buen debate entre ellos.

Minimalismo

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The Walt Disney Concert Hall, del caos hacia la armonía

2008-11-23T17:45:00.001-08:00

(Por Daniela María Gallo Enamorado. Presentado el 21 de mayo de 2008)

Una vez, el literato alemán Goethe comparó la música con la arquitectura, haciendo una analogía entre ellas, indicando que “la arquitectura es música congelada”i. A su vez, el compositor francés, Claude Debussy, definió la música como “un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor”ii.
Ahora, es ahí donde interviene la obra arquitectónica para una sala de conciertos, por su carácter y función, como medio propagador que provee un sistema receptor, reafirmándose como componente de la música en su proceso sonoro.

La Sala de Conciertos de Walt Disney (The Walt Disney Concert Hall en inglés) ubicada en el centro de Los Ángeles, California, es una de las obras más emblemáticas del arquitecto deconstructivista Frank Gehry. Su diseño precedió al del Museo de Guggenheim de Bilbao, aunque no fue así su construcción. El edificio sirve de sede de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y el Coro Magistral de Los Ángeles, al igual que sala de conciertos para múltiples artistas en la industria de la música.

La escultórica obra ha sido considerada como un logro arquitectónico, en donde Frank Gehry marcó el compás de un caos aparente con su batuta de director y autor del proyecto, señalando los movimientos y las entradas de los componentes, la proyección de la administración espacial, y dirección de la ingeniería estructural y de sonido, mediante un lenguaje de elementos arquitectónicos y de los materiales, en el tiempo y el espacio. Así, como lo hace también un director de orquesta, “manteniendo el tempo de la canción, dando las entradas de los instrumentos para la interpretación de su visión personal de la partitura según el concepto global”iii.

La arquitectura al igual que la música, crea ambientes envolventes, como señaló el filósofo español Eugenio Trías, “ambas preparan un hábitat a la figuración icónica o a la significación poética o conceptual”iv. Pero la tangencia de la arquitectura y de la música va más allá, llegando a niveles profundos desde su concepción. Para lograr una obra maestra, ya sea sinfónica o arquitectónica, ésta es sometida desde sus bocetos iniciales y a lo largo de su paso hacia la perfección, a las intervenciones de complejos procesos psico-anímicos del artista, a prueba y error durante los ensayos. Como también el arquitecto ha seguido el patrón auto-establecido para sus diseños mediante la retroalimentación del ir y volver entre la proyección en los planos y de las maquetas. Con el fin de suscitar una experiencia estética en el espectador, como estímulo detonante de emociones, mediante la interpretación de circunstancias, pensamientos e ideas universales.

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los silenciosv. Que al igual que la arquitectura compuesta por las formas y los espacios, su primer elemento tiene cuatro parámetros. La altura, como resultado de la frecuencia, produciendo un cuerpo sonoro donde se definen los sonidos como agudos o graves según la distancia o longitud de la onda. Interpretando el primer parámetro dentro de la arquitectura como tal; los niveles máximos y mínimos dentro de la sala de conciertos de Walt Disney son alcanzados por medio de la propagación de la onda con su estilo característico de diseño de metal fluido o sinuoso. La duración como segundo parámetro, corresponde al ritmo de las vibraciones que produce el sonido; representada por la onda, al igual que el edificio incita a deslizar la vista a lo largo de superficie sinuosa. La intensidad es la fuerza con la que se produce el sonido; en cuanto el Walt Disney Hall remarca la intensidad mediante el juego desafiante de las fuerzas o pesos contra la gravedad, además del estudio acústico plasmado en el interior de la sala que resalta y regula el sonido. Y el timbre o textura, como cuarto y último parámetro que permite distinguir los diferentes instrumentos o materiales respectivamente según el arte.

La organización coherente de los elementos enunciados anteriormente concluye en los parámetros fundamentales de la música: la melodía o “conjunto de sonidos” v; el ritmo o “pauta de repetición a intervalos de sonidos y silencios en una composición” v; y la armonía o “regulación de la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos” v. Presentes también en la arquitectura de la sala en mención están la melodía en su conjunto, el ritmo en sus forma y espacios, además de la armonía al regular “los sonidos visuales” de los elementos arquitectónicos como la luz, amplificada en su caso por sus secciones cóncavas y convexas. Y lograr al mismo tiempo, concordar como obra escultórica viviente y conviviente dentro de la ciudad.

En la actualidad, gobernados por una democracia, vivimos en una era pluralista, en donde hay lugar a la aceptación de múltiples verdades o ideas universales, que difieren o se asimilan, basadas y justificadas por sus lineamientos filosóficos. Como producto de ello, este caos se ve reflejado en la ciudad, en donde diferentes estilos de proyección arquitectónica interactúan en unísono dentro de la urbe. Dejando como postulado la convivencia, el respeto hacia el contexto. Y como expresó el arquitecto mismo en su documental dirigido por el cineasta Sydney Pollack, Los Sketches de Frank Gehry, “en las urbes bajo un sistema democrático, no te queda más que ser buen vecino”vi, justificando así la escala del proyecto y la relación de este hacia su contexto por respeto hacia su vecina sala de conciertos, el Dorothy Chandler Pavilion. Pero superándola inevitablemente, no sólo por los cálculos de sonido y acústica, sino que también por estar comprometida con la función del espacio y también por encontrarse en conjunción con el mismo fin de la música, siendo parte de ella, exaltando la percepción auditiva del espectador al generar un estímulo visual coherente con los momentos de una obra sinfónica armoniosa.

La sala de conciertos Walt Disney figura un caos aparente logrando una adaptación del carácter en sí en armonía, al ver la música en las formas, como producto de obra sinfónica en donde hace énfasis en la parte triunfal de la partitura: el caos como elemento sorpresivo y dispositivo que desata y exalta las emociones.

Referencias y Bibliografía
i Goethe, citado en Wikipedia.com. Música. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online. Disponible en
http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
ii Claude Debussy, citado en Wikipedia.com. Música. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online.
Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
iii Director de orquesta, citado en Wikipedia.com. Orquesta. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online.
Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_sinf%C3%B3nica
iv Eugenio Trias, citado en Milenio.com. Eugenio Trías “El pensamiento y la filosofía son la mejor música”.
Recuperado el 18 de Mayo del 2008. Online. Disponible en
http://www.milenio.com/mexico/milenio/nota.asp?id=615471
v Wikipedia.com. Música. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online. Disponible en
http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
vi Frank Gehry, citado en Youtube.com. Sketches of Frank Gehry. Recuperado el 16 de Mayo del 2008.
Online. Disponible en http://www.youtube.com/watch?v=Ht6lqFfhk1M

Racionalismo

2008-11-23T17:27:00.000-08:00

Ana Cecilia Zerón presentó este viernes el primer tema del segundo parcial: el Racionalismo. Les dejo a continuación su trabajo escrito. El propósito de presentar los trabajos de los alumnos es que todos tengamos acceso a la información que ellos han encontrado, además de que sirven como inspiración para los trabajos de los grupos que han de venir. Los comentarios y preguntas son todos bienvenidos. También aprovecho para felicitar a Ana por su excelente exposición.

Racionalismo

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El High Tech y su imagen arquitectónica

2008-11-21T16:32:00.000-08:00

(Ensayo final de Alejandra Sabillón. Presentado el 10 de diciembre de 2007)

En los últimos 20 años, la “technoimagen” está de moda. Quizás esta arquitectura es el reflejo de las esperanzas del hombre de un futuro de progreso. La technoimagen barre en los concursos internacionales y revistas de arquitectura. Esta nueva tendencia nos introduce más allá de la mera imagen. Nos introduce las variables de la ingeniería dentro del proceso de planeamiento y nos ha proyectado consideraciones estructurales en la iconografía arquitectónica. Esta corriente actual exalta la era en que vivimos, cada generación contribuye con su experiencia y con cimientos a la arquitectura de su propia época. ¿Por qué ir al pasado a buscar una imagen arquitectónica de otra época, de otro tiempo? ¿Por qué plagiar el pasado cuando hay tanto que decir del presente? Eso no significa negar la historia ni su continuidad.

El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar su imagen, utilizan a la tecnología como un fin en si, no para llegar a alguna parte. Es el afán por enseñar las estructuras, el acero, el concreto, vidrio y mostrarla como parte estética de la edificación. Es una tendencia de la arquitectura contemporánea caracterizada por la atribución de valores estéticos a los elementos estructurales e instalaciones funcionales.

Sus orígenes formales se encuentran en el Tardomoderno. A causa de la II guerra mundial, el High Tech no surgió en París. Se pudo ver en el proceso de reconstrucción en la Inglaterra posbélica, asumiendo las lecciones aportadas por la movilización industrial durante el período de guerra, aplicación de la industria en el sector de la construcción. Para los años sesenta y setenta surgen ciertos tipos de estructura que fueron la vanguardia del momento.

El termino High Tech se debe a Patrick Buchanan, quien lo utilizó por primera vez en 1983, se consolidó en la década de 1970 a través de la obra de arquitectos como Richard Rogers, Renzo Piano y Norman Foster, siendo estos los principales percusores de la corriente, a los que debemos la creación de edificios de notables dimensiones. Para asi convertirse en el estilo preferido de la clase dirigente Británica. Y convertirse en una nueva imagen de arquitectura a nivel mundial.

Entre las primeras construcciones high-tech cabe destacar el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou (1972-1976), de Richard Rogers y Renzo Piano, un edificio multifuncional donde las estructuras portantes, los tubos, los conductos de aire y las escaleras mecánicas se encuentran en el exterior del edificio o bien en el interior, pero a la vista. Otros edificios destacables son el Hongkong and Shanghai Bank (1986, Hong Kong), de Foster; el edificio del Lloyds Bank (1986, Londres), de Rogers; y otros más recientes, como la Continental Train Platform (1993, Londres), de Nicholas Grimshaw; el aeropuerto de Kansai (1994, Japón), de Piano, y el Museum of Fruit (1996, Yamanashi, Japón), de Itsuko Hasegawa.

El Centro George Pompidou
El Hong Kong y Shanghai Bank

Pabellón Británico de la Exposición de 1992

Las obras anteriores lograron dejar una imagen clara de lo que es la arquitectura de alta tecnología. Algunas de sus principales características: afán por enseñar la estructura, el acero, concreto y mostrarlos como parte estética de la edificación. Se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen. Ha introducido a los ingenieros en los proyectos arquitectónicos (no solo en los procesos constructivos, sino también en la expresión de la imagen en la arquitectura).

Me atrevo a decir que los materiales que más sobresalen son cables y vidrios. Arquitectura que procura extraer sus recursos formales de la expresión de la evolución técnica de nuestros días. Otro material es el acero estructural, por su cualidad de soportar grandes esfuerzos con una sección relativamente reducida, logrando así una imagen más atractiva a los ojos del público.
La difusión del modelo o imagen se da en los primeros proyectos, la preocupación por la transparencia lleva a la implementación de una fachada criticable por su elementalidad y por la carga térmica que suponían que iba a fracasar, pero la piel del edificio se ha sofisticado en pocos años. Así que a pesar de todo, no pudieron detener el movimiento vanguardista. Ni lo podrán detener, su imagen sobrepasa los niveles.

La tecnología del High Tech, se encuentra en la vanguardia, por ser consecuencia directa o indirecta de los últimos descubrimientos científicos de la época a que pertenece. Representativa de estos primeros años fueron los puentes metálicos, abriendo estos el potencial del nuevo material constructivo el cual tenia propiedades diferentes a todos los demás materiales constructivos que se conocían hasta la fecha. Otro material que revoluciona en la época moderna es la combinación del concreto, acero y vidrio.

El uso de estos materiales cada día iba formando una imagen en la mente de cada persona, no importando edad, sexo ni fronteras simplemente esta arquitectura entró en nuestro diario vivir marcando una nueva propuesta de hacer arquitectura. Dentro del contexto de la imagen arquitectónica del High Tech se daban algunas características típicas:
- Seducción de la imagen
- Son tan expresivos que atraen la simpatía de cualquiera.
- Potencial simbólico.
La imagen arquitectónica dentro del contexto se da a conocer por las innovaciones tecnológicas y la revolución en la electrónica y como ellas han traído un cambio radical en la práctica del diseño de la arquitectura contemporánea.

El “boom” en la tecnología del procesamiento de datos ha producido un estilo interactivo de arquitectura, uno con complejos sistemas como redes de telecomunicaciones y sofisticadas plantas de ingeniería. Los edificios deben ser “racionales”, creados para ser capaces de manejar funciones complejas, desde el control climático hasta el manejo de todas las operaciones de mantenimiento de planta. No sólo deben proyectar una imagen innovadora sino también funcional.
Con respecto a la imagen y al usuario los clientes regularmente, los usos cambian, y la manera de trabajar dentro del proyecto cambia. Esto es algo inevitable. El edificio debe ser lo mas flexible posible de manera que pueda soportar estos cambios sin que deje de ser aprovechable.
Y no nos podíamos olvidar de la imagen que proyecta el interior. En el High Tech la imagen se transmite en el interior de la misma manera que se hace con el exterior. El High Tech tiende a eliminar los elementos aislantes que encierran la planta. El espacio, no queda definido por el su forma ni por sus limites sino por sus características espaciales: su circulación, su escala, su luz, siendo este el elemento que define la jerarquía de los diferentes espacios contenido en uno mayor.

“La arquitectura de la alta tecnología, se encuentra atrapada en una auténtica imagen. A pesar de su obsesión con el pasado, esas clases dirigentes no dejan de sentirse atraídas también por el optimismo y el aura de brillantez tecnológica del High Tech. Este a su vez depende para su vitalidad e interés de la aplicación de adelantos técnicos, que suelen tener poco que ver con criterios de economía, función u otras racionalizaciones.

La arquitectura de la alta tecnología aparece como en contraposición sincera y sería: sus formas vienen configuradas por motivos funcionales y estructurales que no quedan ocultos.. Las estructuras elegantemente vistas y las transparencias luminosas de la High Tech dan lugar a una arquitectura espectacular que no deja de impresionar ni de la erudita más convencida.”Viviendo asi una arquitectura futurista que siempre va a proyectar una imagen de esplendor por estar siempre tras la vanguardia.”

Bibliografía.
http://html.rincondelvago.com/high-tech.html
http://mx.encarta.msn.com/encyclopedia_1121550076/High-tech.html

La luz en la trilogía cristiana de Ando

2008-11-20T13:36:00.000-08:00

(Por Ana Lucía Escobar Salgado)

La luz natural en arquitectura se convierte en un componente más de ésta, al resaltar sus formas y tocar la sensibilidad del ser humano, tal y como afirmaba Le Corbusier “la Arquitectura es el encuentro entre la luz y la forma”[1]. Discípulo de este precepto, es el arquitecto japonés Tadao Ando, su formación como arquitecto fue autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y Estados Unidos.

“Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto” Tadao Ando.[2]

La luz es un elemento que enriquece los edificios de Tadao Ando, compartiendo créditos con otro elemento, la naturaleza en si. Esto se refleja en la trilogía de templos cristianos diseñados por Ando en la época de los 80’s, la Iglesia de la Luz, 1989, la Iglesia sobre el Agua en 1988 y la Capilla de Rokko en 1986.

En la Iglesia de la Luz, ubicada en Ibaraki, Osaka, conjunto que comprende dos edificios. Sus paredes de hormigón visto con marcas (sello del estilo del arquitecto) en juego con la luz, crean una arquitectura divina y espiritual.

Fig. 1, Iglesia de la Luz en Osaka, Tadao Ando. 1989.El edificio principal es un prisma rectangular, traspasado lateralmente por una pared de 15˚ con respecto al eje principal de la nave, este gran elemento esta separado unos cuantos centímetros de la cobertura, lo que permite una entrada de luz horizontalmente, dando la impresión de que el techo flota sobre el aire. Tras el altar la luz penetra intensa y majestuosamente, por medio de una abertura cruciforme, creando una cruz de luz, iluminando y energizando el oscuro interior (ver Fig. 1).

Esta luz sigue su curso a través del piso donde se ve reflejada, efecto que buscaba el arquitecto, creando continuidad de la luz y enalteciendo el camino del centro; las personas buscan en su religión, una guía, un símbolo, una conexión con Dios, una luz en la penumbra diaria de la vida; la luz reflejada en el piso da la sensación de ser la guía hacia la Cruz, es decir simbólicamente, hacia Dios, iluminando el camino oscuro, y logrando la conexión que se busca.

La capilla contigua a la principal, presenta características similares, el elemento oblicuo también se repite, solo que en este bloque, Ando no presta una abertura cruciforme, si no una perforación en el techo a través de la cual la luz llueve sobre la pared áspera y gris del altar, enfatizando la parte sacra de la capilla, el altar.
Las perfectas aberturas de este edifico demuestran la destreza de Ando en el vivaz juego de luz y sombra, creando un centro con la esencia de la espiritualidad, ambiente de paz, tranquilidad, e intensidad emocional.
Seguí presentando diferentes proyectos como este: La Iglesia de la Luz. Nuestra idea fue experimentar con la luz, así surgió la luz forma la cruz. A está Iglesia llega mucha gente de diferentes estados únicamente en busca de esta luz, en busca de este espacio, donde se puede abrir el corazón. La luz fue muy importante, en esta pequeña iglesia de solo 90 m2., con ella hicimos varios experimentos, entre ellos: buscamos el reflejo de la luz en el piso.[3]

Y con las mismas cualidades de intensa luminosidad emocional, La iglesia sobre el Agua se hace presente en la isla de Hokkaido, construida en 1988 como parte del Hotel Alpha Resort. La morfología de esta capilla consta en la intersección de dos volúmenes, un prisma de base cuadrada y un cubo con quienes comparten una de sus esquinas.
La cualidad distintiva de esta capilla es que no existe una pared frontal, si no que la reemplaza un escenario multifacético, la naturaleza misma, que se presta como altar de la iglesia, este cuadro aporta matices de colores cambiantes durante todo el año, por medio de las estaciones (ver Fig. 2 y 3).

Fig. 2 y 3, Iglesia sobre el Agua, Hokkaido, 1988. Dos escenarios que brinda la naturaleza como altar. A través del estanque frente a la iglesia, ésta se conecta con la naturaleza, impactando visualmente con la cruz de metal en medio del estanque, y se crea una relación interior-exterior. Esta característica es la misma que se presenta en la Iglesia de la Luz, la conexión entre Dios y el hombre a través de una guía, en este caso, el agua cristalina producto del reflejo de la luz, es el medio que conecta la Iglesia con Dios, representado por la naturaleza y la cruz de metal.
El volumen superior que en su interior lo define 4 cruces, creando una placita, con un piso de vidrio mate, este espacio trabaja como un cubo de luz que debajo, en su interior, alberga tres salas de espera, donde la luz cenital que traspasa el vidrio mate envuelve el sitio con sublime solemnidad, la espera no se vuelve desesperante si no placentera gracias al efecto luminoso.

La luz solar, el agua, la vegetación, en resumen, la naturaleza en si, son componentes cruciales en esta edificación y objetos de los cuales Ando no se desliga en sus demás proyectos, como en la tercera de estos recintos cristianos, la Capilla de Rokko, aunque no es tan afamada como las dos anteriores, afirma la relación de luz, naturaleza, religión y forma.
Fig. 4, Capilla de Riokko, Kobe,1986.

La capilla de Rokko se localiza en Kobe, construida en 1986, siendo también parte del Hotel Rokko Housing. El acceso a la capilla es a través de un túnel de vidrio y metal, llegando a un vestíbulo oscuro y severo, pero el espacio se abre al entrar al salón con un baño intenso de luz, semejando al paso de las tinieblas a la luz, de lo mundano a lo puro; ésta luz se instala en la capilla por medio de un gran ventanal que sustituye una pared lateral, por el mismo ventanal se hace la relación con la naturaleza que contrasta sus tonos coloridos con el mono cromatismo del salón (ver Fig. 4).
En la pared del altar y en la contraria a ésta se puede apreciar un efecto producido por unas delgadas y alargadas ranuras ubicadas en la unión de la pared con el techo, que permiten el ingreso de un juego de luz, cambiante al paso de las horas durante el día. Asimismo este efecto da la libertad a los elementos de estar separados virtualmente de la estructura, articulando el espacio, las sombras que se agregan por el mismo efecto suavizan y envuelven el ambiente.
En la capilla se da un ritmo de oscuridad-luz-oscuridad y así sucesivamente; en el túnel se da la luz, en el vestíbulo oscuridad, en el salón la luz, en el altar se vuelve a dar oscuridad hasta que se interrumpe por el ingreso de la luz a través de las ranuras del techo y sigue este ritmo desarrollándose infinitamente.

Con este ensamble propicio de la luz, Ando, cambia la percepción habitual del espacio aportándole mayor sensación, incluso ayuda en la función de éste, ya que sus elementos tanto naturales como artificiales influyen en la meditación, oración e introspección del usuario.
En los tres ejemplos, se puede apreciar lo anterior, así mismo las formas puras, el monocromático material utilizado, el juego de luces y todos elementos que la enriquece, sin embargo a cada iglesia, Ando le da su individualidad en la manera en que aplica las particularidades de su estilo, reconociéndose independientes la una de la otra. Por ejemplo, en la Iglesia de la Luz con su singular cruz de luz, la Iglesia sobre el agua, su escenario de la naturaleza y su cruz de metal en el estanque, y la Capilla de Rokko su acceso por el túnel y la simplicidad de su altar adornado con la luz natural.
La evocación de la luz en el arquitecto no seria la misma sin su particular uso del hormigón, ya que siendo una textura monocromática, permite que la luz se enfoque en un punto, realce algún elemento, o enfatice algo simbólico. A diferencia de otros arquitectos que también utilizan la luz como material como en el caso de Botta, arquitecto suizo, que hace un juego de luz y sombras para crear texturas, acompañado de las texturas de los materiales que el utiliza, o el caso del arquitecto español, Calatrava, quien magnifica el color blanco en sus proyectos, para permitir que al paso de la luz se irradien sobre la superficie blanca del volumen los distintos colores de ésta, aportando color y vida a su obra.

“No creo que la arquitectura tenga que hablar demasiado, debe permanecer silenciosa, y dejar que la naturaleza guiada por la luz y el viento hable”[4]; así define su arquitectura Ando, quien con su destreza del uso de la luz con la forma geométrica, su sello con el hormigón, y su habilidad deductiva para despertar sensibilidad en el habitante, se hace único mundialmente y lo manifiesta no solo en esta trilogía si no en toda su arquitectura, tal y como el lo dice: “Pienso que la arquitectura se torna interesante, cuando se muestra este doble carácter: la máxima simplicidad posible, y a la vez, toda la complejidad que pueda dotársela” . El componente luz es el encargado de dotar esta complejidad al espacio y realzar la sencillez de sus formas convirtiéndolas en un refugio para el espíritu, y en espacios que trascienden con su infinidad de emociones y su sencilla belleza.

Bibliografía
Harris, J., & Harris, C. (s.f.). Tadao Ando: Poesia en Hormigon. Recuperado el Sabado 10 de Mayo de 2008, de Arquitectura Chile: http://www.arqchile.com
Zeballos, C. (s.f.). La Iglesia sobre el Agua, La Iglesia de la Luz, Capilla de Rokko. Recuperado el Viernes 9 de Mayo de 2008, de Blog Mi Moleskine Arquitectonico: http://moleskinearquitectonico.blogspot.com

(Kunihiro, 1991)
[1] Le Corbusier, de Wikiquote, Citas. Recuperado el sábado 10 de mayo, 2008. Online.
Disponible en http://es.wikiquote.org/wiki/Le_Corbusier
[2] Perez Rosas, Mario. Tadao Ando Conferencia Magistral. Mexico 2001. Recuperado el sábado 10 de mayo, 2008. Online. Disponible en http://www.da.com.mx/PAGINAS/ensayos/conferencia%20tadao%20ando.pdf
[3] Ibíd.
[4] Harris, Jorge y Harris, Carolina. Tadao Ando: Poesía en Hormigón. Recuperado sábado 10 de mayo, 2008. Online. Disponible en http://www.arqchile.com

Invitación

2008-11-18T14:57:00.000-08:00

Mañana a las 9 de la mañana un estudiante italiano de arquitectura estará presentando su tesis. Será en un aula de nuestra facultad, nos encantaría que nos acompañaran.

Contenido de los trabajos, segundo parcial

2008-11-14T15:14:00.001-08:00

Hoy fue el examen del primer parcial :P, así que es tiempo de prepararse para el segundo.

El grupo de cada movimiento debe entregar un trabajo por escrito que debe contener -obligatoriamente- los siguientes elementos:

1) Portada

2) Índice

3) Introducción

4) Antecedentes del movimiento: su origen, las influencias que tuvo, el marco histórico social de la época en que se dió

5) Contenido: discutirán las características propias de cada movimiento, estudiando a uno o varios arquitectos, analizando una cantidad reducida de proyectos (máximo 3). (Recuerden que en clase se expondrán varios movimientos con características parecidas, así que deben ser específicos y ser capaces de distinguir a su estilo arquitectónico de los demás.)

6) Conclusiones

7) Bibliografía: esto es muy importante. Deben averiguar la forma correcta de presentar bibliografía proveniente de internet, y desde luego de libros. Recomiendo que tengan varias fuentes de información, no sólo el internet. En la biblioteca de la escuela hay muy buenos libros sobre movimientos y arquitectos de vanguardia que pueden consultar.

Las citas textuales que se hagan en el trabajo deben estar debidamente referenciadas.

Cómo se redactan y lo que contienen todos esos elementos de un buen trabajo escrito lo debe investigar cada grupo por su cuenta.

Del trabajo escrito van a hacer también una presentación en digital. Esta presentación debe tener poco texto en las diapositivas, y de la misma forma que el trabajo, se van a analizar máximo tres proyectos. En la medida de lo posible hay que tratar de no leer mientras se está exponiendo.

El día de la exposición cada grupo debe entregar el trabajo impreso, y en un cd aparte la presentación y el informe en digital.

En cada clase van a exponer dos grupos. Luego de esas exposiciones va a empezar un debate entre ellos, por lo que cada quien debe estar familiarizado con el tema que su contrincante va a presentar.

Por este medio estaré dando consejos para los grupos que vayan a exponer. Por ejemplo, la otra semana le corresponde a Minimalismo y Racionalismo:

- El minimalismo debe centrarse en tres arquitectos: Alberto Campo Baeza, John Pawson y Tadao Ando.

- El racionalismo debe centrarse en los aportes de los hermanos Krier y el arquitecto Mario Botta.

Los alumnos que no expongan esa semana no están exentos de investigar los temas que serán vistos en clase, deben venir listos para responder preguntas.

Este viernes se comenzará con una introducción a todos esos movimientos, y deben estar preparados para responder qué es pluralismo en la arquitectura y porqué ha sido posible en estos últimos tiempos.

Mucha suerte a todos! Los felicito por su participación, su interés y su iniciativa en el primer parcial.

De lo orgánico a lo abstracto

2008-11-12T12:33:00.000-08:00

(Contribución de una excelente alumna del periodo corto de este año que prefirió permanecer anónima.)

Santiago Calatrava es considerado como uno de los más importantes arquitectos especializados en grandes estructuras, que se caracterizan por una extraordinaria estética y armonía. Posee una formación completa, pues él sintetiza el pensamiento de escultor, arquitecto e ingeniero en una sola persona. Su arquitectura se sustenta en la ingeniería del siglo XIX y se fundamenta en la capacidad de experimentar con formas orgánicas para asemejarlas a formas abstractas, logrando diseños complejos a partir de formas sencillas, por medio de estructuras del siglo XX, abriendo un nuevo camino a la arquitectura contemporánea.

Es un arquitecto español, que nació en Benimanet (Valencia) el 28 de julio de 1951. Desde los 8 años estudio en la Escuela de Bellas Artes donde empezó formalmente su preparación como dibujante y pintor. “Antes que arquitecto quiso ser pintor. Llena sus cuadernos de dibujos, lápiz, acuarela, deja que la mano hable. Y después el edificio. Un libro recorre el proceso de un creador polémico, pero requerido en todo el mundo” ¹. Esto nos revela que Calatrava siempre quiso dibujar, en realidad él quería ser artista, un artista renacentista que expresa sus creaciones primero en sus dibujos y después las refleja en sus obras arquitectónicas.

A los 13 años su familia lo envió a Paris a través de un programa de intercambio estudiantil. De regreso a Valencia, terminó sus estudios escolares y se matriculó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde se graduó como arquitecto y donde realizó un curso de post- graduado en Urbanismo. Mas tarde se traslado a Zurich (Suiza), donde se doctoró en 1981 como ingeniero civil. Ese mismo año abrió su oficina en la ciudad Suiza, y desde allí inició una inagotable actividad por todo el mundo, convirtiéndose de esa manera en un profesional atípico: “un hombre con un pie en el detalle del dibujo y otro en el campo abierto del urbanismo”.Con esta afirmación nos damos cuenta claramente que Calatrava tiene dos facetas preponderantes: el interés por el dibujo al ser artista, y la de arquitecto, porque a través de sus obras genera un aporte y un rumbo distinto en cada ciudad donde inserta sus obras, interesándose en mejorar y cambiar de manera positiva la imagen de la urbe.

Sumando intenciones y hechos, la obra completa del arquitecto nos habla de la correspondencia entre todos los Calatrava: el arquitecto, el pintor, el ingeniero y el escultor, aquel profesional capaz de atender a la arquitectura no solo como una función, sino como creador de grandes obras que van más allá, aunque nunca sacrifica la función. “Alguien que busca explorar el perfil artístico de una disciplina, un autor con sed de monumentos”2. Es un arquitecto que a través de su trabajo nos revela a alguien dispuesto a trascender el lado pragmático de los edificios.

Debido a su interés por estudiar ingeniería, aprendió a mirar, pensar y dibujar como un ingeniero, logrando así diseños complejos a partir de formas sencillas, buscando concebir
el mundo a través de números, haber sus proyectos como una obra viva relacionada entre

Tomando así “el ansia por la belleza de la naturaleza y la energía de las fuerzas espontáneas y también los momentos mas expresionistas de la arquitectura” 3.Nos plantea que su arquitectura busca vislumbrar la belleza en estructuras en equilibrio, como los puentes, sugiriéndonos así aspectos misteriosos, fantasiosos, imaginativos que no se encuentran en el cálculo. Siendo este el punto de vista que hace que sus obras hagan alusión al movimiento en el cual ha sido presentado en el “ Neoexpresionismo” , por hacer de sus obras un objeto plástico fácilmente reconocible; las cuales podemos sintetizar a través de formas orgánicas(analogías del cuerpo humano y de la naturaleza) para asemejarlas a formas abstractas, que se convierten en el fruto de un diseño complejo que partió de una forma sencilla por medio del uso de los principales paradigmas de producción entre ellos el equilibrio, el movimiento, la flexibilidad y la suspensión.

Nos manifiesta que: “El dibujo es el laboratorio de sus ideas, la expresión primera. Los gestos de las mano hablan –ha dicho”4. Pues si tomamos como referencia que las ideas rectoras de sus proyectos son inherentes a los dibujos que realiza, veremos con preponderancia los bosquejos del cuerpo humano, gestos y movimientos detallados, rostros en medio de croquis para edificios, animales y formas naturales, reflejadas de manera abstracta a través de la volumétrica que adquieren sus edificios.

Como claro ejemplo podemos citar “El Planetario” (Ver Fig. 1) ubicado en la ciudad de las artes y las ciencias.

Donde toma como idea la imagen del ojo humano, y la abstrae en su totalidad, para generar como resultado el concepto volumétrico planteado. (Ver Fig.2).

Fig. 1 .Planetario.

Fig. 2. Analogía

Toma la representación sintética del ojo y la asemeja a una esfera, los parpados a unas líneas oculares que representan la mirada de ese ojo volátil, aéreo o mental, susceptible de quedar en suspensión. “El ojo representa la vista, y por medio de ella podemos observar” Cumple de manera eficaz con el fin de su obra, abstraer la forma del ojo humano para convertirlo en una forma fiel de la representación de su observatorio.

Gracias al interés que demostró Calatrava por las matemáticas, aprendió el idioma que traduce una imagen a números : el rigor matemático para traducir las cifras de las curvas de un torso, como previo para entender el giro de un rascacielos(Ver fig.3), y una vez mas podemos observar como se refleja en la forma del edificio una analogía anatomía aplicada de manera abstracta en la arquitectura, logrando crear por medio de estas, un dialogo entre la obra y el espectador, que no intenta llegar a hacer de este un conocedor de la estética arquitectónica si no que tenga una experiencia plástica espacial.

Fig. 3 .Analogía del cuerpo humano, con el rascacielos.

Santiago Calatrava es uno de los pocos arquitectos que podemos llamar “universales”, por la formación completa que lo identifica en sus múltiples facetas, las cuales le permiten crear una arquitectura diferente, sustentada en formas orgánicas que se sintetizan y representan a través de formas abstractas, logrando una máxima representación espontánea por medio de la plasticidad que adquieren sus obras, diferentes a las demás. “Calatrava se ve como un barco en el mar que deja un rastro por detrás, pero no tiene nada por delante, solo un horizonte abierto”5, pues su arquitectura marca un camino nuevo, diferente e interesante en el campo de la arquitectura contemporánea y una nueva visión para realizarla.

Referencias:
1 Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Cita recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/
2 Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Cita recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/
cada una de las partes que la componen, por lo que se a llegado ha comparar su obra con la Frank Lloyd Wright o Antonio Gaudí. Desarrollando una arquitectura organicista representada de manera abstracta con una alta tecnología, continuando la tradición estructuralista.
3 Cita de Antonio Gaudi. Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.arquitecturaeingenieriasantiagocalatrava.com/
4 Cita de Santiago Calatrava. Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/
5 Cita de Santiago Calatrava. . Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/

Bibliografía

Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Cita recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/

Santiago Calatrava arquitectura e ingeniería. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.arquitecturaeingenieriasantiagocalatrava.com/

Bibliografia de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.arquitectura.com/.../calatrava/calatrava.asp

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Chequeando el pulso de la industria de arquitectura

2008-11-10T10:13:00.000-08:00

A todos aquellos que quieran responder una encuesta de Archinect sobre su opinión con respecto a la industria de la arquitectura y su perspectiva sobre cómo se ve afectada por la crisis económica les dejo el link.

El último tema del primer parcial

2008-11-09T17:45:00.000-08:00

Dejo la presentación en Power Point de Lukács, que es el último de los filósofos que se estudian en la clase.

Georg Lukács

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Como todos los alumnos deben leer el capítulo sobre Arquitectura del tomo de Estética de Georg Lukács, dejo unas cuantas preguntas para que al responderlas facilite su comprensión.

- ¿Cuál es la crítica que hace a Hegel?

- ¿Cómo fueron los inicios de la arquitectura?

- ¿Cómo nace un arte?

- ¿Qué es el salto cualitativo? ¿Cuál fue el salto cualitativo de la arquitectura?

- ¿Cuáles son los dos componentes esenciales (mímesis) de la arquitectura?

- Mencione algunas diferencias o semejanzas con otras artes.

- ¿Qué piensa Lukács de la Bauhaus? ¿del Modernismo?

- ¿Cuáles son los efectos del capitalismo en la arquitectura?

- ¿Cuál es la importancia de Lukács en comparación con los otros filósofos que se han estudiado en la clase?

La crítica del juicio del gusto y la arquitectura

2008-11-08T20:19:00.000-08:00

Por Fredy Lagos (alumno de este semestre)

Mi intención no es brindarles un nuevo patrón para determinar cuando un objeto es bello o no lo es; lo que busco es que tengan la oportunidad de conocer las críticas del juicio del gusto que el gran y buen ponderado filósofo Emmanuel Kant nos haya legado años atrás para describir lo que él llamaba Dialéctica del juicio estético y como lo podemos aplicar en nuestros tiempos, en particular al campo de la arquitectura.

Según nos describe Kant, son cuatro momentos los que nos han de ayudar a decir cuando un objeto es o no bello, y son : la cuantidad, la cualidad, la modalidad y la finalidad.

La cualidad se ha de referir al goce estético que nos provoca un objeto; es decir, las sensaciones que nos puede transmitir, aunque quizá estas no sean las razones por la cual fue creado, por eso decimos que es intencionalidad sin intención, un juicio propio salido de nuestro ser.

Un caso muy en particular lo hallamos en la “arcada” del parque central de Tegucigalpa, la cual ha sido objeto de crítica; para muchas personas es una simple pared que no cumple con ninguna función y que por el contrario obstaculiza el paso de los transeúntes, para otros se trata de un elemento artístico que sencillamente da belleza al lugar, y quizás para otros simplemente los remonta al pasado. Pero lo interesante de este caso son las distintas sensaciones (agradables o desagradables) de aquellos que lo ven e interpretan a su manera, pero que no se acercan a la idea de su creador (Ver figura 1).

La cuantidad es el juicio del gusto en el cual tenemos conciencia de ser por completo desinteresados, puede, pues, reclamar con justo título un valor universal, aunque esta universalidad no tenga un fundamento en los mismos objetos; o en otros términos, hay derecho a una universalidad subjetiva, como nos lo explica Antonio Novo en su ensayo “Critica del Juicio”.
Podemos citar el caso las “Ruinas de Copan”, históricamente sabemos que allí celebraron sacrificios humanos y como seres consientes del derecho a la vida para todos los individuos, condenamos el sacrificio humano, pero no por esa razón hemos de decir que su arquitectura deja de ser un legado para la humanidad y mucho menos que tiene un valor histórico.

El tercer momento es la “modalidad” y esta se define como las distintas sensaciones que percibimos del mismo objeto cada vez que lo vemos, y que cada vez serán distintas. Imaginémonos el salón de convenciones del Hotel Marriot, donde se ha de dar una serie de eventos de distinta naturaleza; para el caso si se da una conferencia acerca de mercadeo entonces el espacio nos ha de transmitir un ambiente de seriedad , si se trata de un cena de gala el espacio deberá ser acogedor y será propicio para recrear un ambiente sociable para sus invitados, si se trata de un evento infantil deberá transmitirnos la alegría, incluso si vamos de día no será lo mismo que cuando vamos de noche, y así sucesivamente ; lo peculiar es que se tratara siempre del mismo espacio y cada vez que lo visitemos nos hará percibir distintas emociones.

El cuarto y último momento es la finalidad; que es la representación del efecto, este es el principio que determina la causa misma de este efecto, y le precede o sea la facultad de querer, en tanto que no puede ser determinada a obrar más que por conceptos; supone necesariamente la representación de un fin, desde que no podemos explicar y comprender esta posibilidad más que dándole por principio una causalidad que obra conforme a fines; en pocas palabras, la belleza es la forma de la finalidad de un objeto, en tanto que la percibimos sin representación de fin (Antonio Novo, ensayo “critica del Juicio”).

Podemos volver al ejemplo inicial de la “arcada del parque central” discutida al principio; las personas la perciben e interpretan a su manera, pero lo que muchos no saben es que cumple con un valor histórico, pues detrás de el existió un edificio con la misma fachada que hoy se muestra en este elemento arquitectónico para despestar las sensaciones nostálgicas de aquellos que lo recuerdan con agrado (ver figura 1 y 2).

Podemos decir entonces, que la belleza es subjetiva, pues responderá al punto de vista de cada quien; lo que para mi puede ser bello, para otra persona puede que no lo sea, sin embargo hemos de emitir un juicio sin prejuicios y juzgar una obra en base al concepto que la origino; es por esa razón que, como arquitecto debo estar abierto a las distintas críticas que se me hagan independientemente de que persona pueda venir.

Temas del examen primer parcial

2008-11-05T14:33:00.000-08:00

Esta es la lista de temas que serán evaluados en el examen del primer parcial: el viernes 15 de noviembre:

-Las teorías estéticas y su relación e influencia en la arquitectura de los siguientes filósofos:
1) Platón
2) Kant
3) Hegel
4) Lukács

- La arquitectura fractal

- El ensayo de Colin Rowe: "Las matemáticas de la vivienda ideal"

- Los siguientes ensayos de "Anti arquitectura y deconstrucción":

1) "El peligro del Deconstructivismo"

2) "El nuevo traje del emperador"

3) "Espacio alabeado"

4) "La arquitectura del siglo XX como culto"

Resumen de la clase del viernes 31 de octubre

2008-11-04T19:36:00.000-08:00

Se terminó de explicar la filosofía estética de Hegel, por lo que se postergó para este viernes a Georg Lukács. Es necesario que lo investiguen y de manera óptima que consigan el capítulo sobre arquitectura de su libro "Estética", que se encuentra en la Colección General de la Biblioteca Central de la universidad. También pueden remitirse al alumno Fredy Lagos para conseguir la copia.

Empezó el proceso de escoger un grupo y un tema para las exposiciones/debates del segundo parcial. Dos grupos por clase van a exponer, por 20 minutos cada uno, el tema que les corresponde y después se van a enfrentar en un debate en el que van a defender su movimiento de vanguardia. Hasta ahora están tomados los temas: Minimalismo, Deconstructivismo, High Tech, Arquitectura ecológica y Mega construcciones. Faltan: Neo expresionismo, Racionalismo y las Experimentaciones Japonesas. Los grupos son de dos personas. Cada grupo debe preparar una presentación en digital y un trabajo escrito sobre su tema.

El viernes se entregaron los ensayos sobre la crítica del juicio del gusto de Kant y su influencia en la arquitectura. Quien no lo llevó esta vez debe entregarlo este viernes.

Se continuarán con las exposiciones de un minuto sobre Salíngaros. Quien necesite el archivo que me contacte por este medio, por el correo o en la universidad.

El examen sería después de esta clase de Lukács. Pero asistan este viernes para saber cuándo exactamente...

Hegel (para principiantes y estudiantes de arquitectura)

2008-10-29T15:53:00.000-07:00

Me disculpo por no haber actualizado antes el blog, sin embargo hay buenas noticias que compartir: A daily dose of architecture nos ha incluído en su lista de links de arquitectura. Mandé un comentario preguntando si sería posible que lo hicieran, ya que soy una de las personas que lee religiosamente ese blog y tiendo a revisar las recomendaciones que dan sobre otras páginas. El dueño muy amablemente nos incluyó, he aquí el link.

Dejo la presentación de la clase pasada sobre Hegel:

Hegel (para principiantes)

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En la siguiente clase vamos a continuar con nuestras presentaciones de 1 minuto sobre el ensayo correspondiente de Nikos Salíngaros. Recomiendo que practiquen en casa cronometrando el tiempo. Los objetivos de este ejercicio son analizar un ensayo con el método que se ha explicado anteriormente y también aprender a sintetizar varias ideas en corto tiempo.

También se debe entregar el ensayo que se comenzó en clase con el tema: "Explique los cuatro momentos del Juicio del Gusto de Kant y su influencia en el campo de la arquitectura".

Cada alumno debe llevar una lista de los criterios que utiliza para analizar el valor de un edificio.

Y desde luego, se debe haber investigado el último tema del primer parcial: el filósofo Georg Lukács. Esta es la última clase antes del examen, de verdad espero que todo esto sirva de ayuda. Por favor dejen sus comentarios, dudas, preguntas, o incluso quejas, tanto si son alumnos como si son visitantes. Pueden hacerlo en los comentarios, o por medio del correo que tengo anotado en mi perfil.

El arquitecto como artista en el proceso de formación

2008-10-27T19:03:00.000-07:00

Por: Ludwig Jobar Aguilar Frech

Presentado el 21 de mayo de 2008

Arquitectura. f. Arte de proyectar y construir edificios.
Definición textual de arquitectura en la cual podemos ver claramente la palabra “Arte”, de ahí, podemos mencionar a la arquitectura como una manifestación artística, partiendo de una concepción de arte como Hacer, no como un proceso mecánico que nos limite al parte de la definición que dice “proyectar y construir”, en un contexto de materiales y procesos: un concepto de fenómeno artístico como un cuerpo regido por toda una legalidad estructural (hablando de forma y método), concepto que vendría a sentar diferencias entre poesía y literatura; y recordando la arquitectura como un proceso artístico y no técnico, la diferencia entre arte y artesanado.

Tal proceso artístico deberá contener dentro de sí preceptos característicos de toda formación artística; entonces veremos una solución idealista a la arquitectura como “visión”, en contra de la arquitectura como “forma” donde forma es igual a organismo, formación de carácter físico; y un concepto de “expresión” en contra al de “producción”, acción formante todo esto situándonos dentro del momento de concepción de “arquitectura como arquitectura” haciendo de esto una acción plástica más que mecánica y dejando de pensar en arquitectura como objeto para un fin, sino haciendo de esta una manifestación autónoma de sí misma.

Al ser la concepción, el proceso de formación de la arquitectura, queda a la vista que es un proceso de invención, queda por consiguiente afirmado el carácter intrínsecamente artístico de toda realización humana. Revalorizando así, la dimensión artística de toda producción de formas, surge, a pesar de todo, la necesidad de hallar un principio de autonomía, que diferencie la formación artística, de cualquier otro tipo de formación, tomando en cuenta que esta dimensión solo la darán elementos característicos de una formación artística-arquitectónica tales como ser: ritmo, proporción y armonía (elementos característico de una composición artística); tales características estarán a su vez estrechamente ligados a factores muy particulares de cada individuo tales como moralidad (compromiso que hace concebir el arte como misión y deber), sentimiento (no exclusivo del arte, sino como medio por el cual se desarrolla) e inteligencia (como generador de juicio y no como soporte de la acción creadora).

Dichos elementos deberán ser, no más que un movimiento inteligente hacia la forma y no elementos generadores de una manifestación plástica; ya que como dice Croce “apenas empieza a manifestarse la razón y el juicio el arte se disipa y muere”; entonces veremos claramente la arquitectura como arte, no llegando a pensar, que por lo anteriormente mencionado se referirá al arte como elemento de producción irracional, ya que cabe mencionar que toda manifestación artística tiene una técnica y dado el caso de la arquitectura esta técnica es la ingeniería (entendiendo ingeniería como un proceso puramente racional); que quedara limitada a representar la manifestación plástica del proceso de formación.

Lo anterior, no vendrá más que a definir el actuar arquitectónico, entendiendo el actuar arquitectónico como “formativo” (actividad como ya hemos dicho en la que el arquitecto integra pensamiento, moralidad y carácter artístico) el mismo proceso en el que veremos la interacción de la formatividad (entendido como proceso creativo) con las exigencias intrínsecas a la formación mismas del objeto , en donde diremos, con el fin de no responder a necesidades que puedan generar un proceso mecánico ni mucho menos idealista, que en estas aproximaciones y retornos a la posible solución, esta será una forma ya definida y solo libremente interpretable; dejando así, libre el camino de transformación plástica, que vendría a dar una respuesta que fue ya intuida desde un principio.

Lo anterior deja claro que el proceso formativo dependerá de factores propios de la personalidad del artista y este será parte de la obra formante en calidad de estilo, entonces veremos en la obra arquitectónica la manifestación total de la personalidad y espiritualidad originales del artista, denunciadas, antes que por el tema y el argumento, por el modo personalísimo y único que ha evidenciado al formarla; llegando a pensar que por esto perderán significado las discusiones acerca de términos de contenido, materia, forma… donde, contenido de la obra es la personalidad misma del creador, la cual, al mismo tiempo, se hace forma, porque constituye el organismo como estilo, modo en el que la persona se ha formado en la obra, al mismo tiempo modo en el cual y por el cual consiste la obra.

No podríamos hablar del arquitecto como artista sin hablar de Santiago Calatrava, que nos hará recordar la definición teórica de arquitectura: arte de proyectar y construir edificios; (definición que para mucho se quedara corta con respecto a la arquitectura… pero dentro de la misma definición no podemos evitar ver la palabra arte, palabra que nos vendrá a dar una magnitud amplísima de lo que se debería definir como arquitectura, pensando en arquitectura como un proceso continuo de formación) Santiago Calatrava vendrá a reivindicar el carácter artístico que la arquitectura intrínsecamente tiene y del cual depende, dejando a la vista su formación artística que vendría a definir su obra, producción en la cual veremos como ya se había mencionado características personalísimas del arquitecto solo definidas por sí mismo y haciendo de la obra una formación libre… libre de ataduras técnica, racionamientos plásticos y prisas de producción; recordando así la frase de Croce “apenas empieza a manifestarse la razón y el juicio el arte se disipa y muere”

BIBLIOGRAFIA:
Estética de Payreson
Estética de Croce
La definición del arte, Umberto eco

Arquitectura contemporánea: un pluralismo dinámico

2008-10-21T17:50:00.000-07:00

Por: Celia Romero

Quiero iniciar refiriéndome a la cuna del pluralismo, origen de lo que hoy podemos llamar arquitectura moderna, que a su vez, es madre de los movimientos arquitectónicos de vanguardia que constituyen la arquitectura contemporánea – finales del s. XX- inicios s. XXI-. Hablo de la Bauhaus, quien estableció en su tiempo la contribución más importante a la educación estética. Creada en 1919 por Walter Gropius y cerrada en 1933. En ese corto periodo no sólo se crean las bases de lo que hoy se conoce como “diseño” sino que en esta “escuela de arte” se desarrollan y aplican un nuevo tipo de concepciones pedagógicas.

La Bauhaus enmarca sus esfuerzos a partir de la revolución industrial y del romanticismo. Intenta la unidad de los esfuerzos artísticos y cultural-productivo rotas por la industrialización, integrar arte y vida, evitar la descomposición de los géneros artísticos y con ello utilizar el arte mismo como instrumento para una regeneración cultural y social; convirtiéndose en célula germinal de diferentes corrientes aparentemente contrarias entre sí, logrando un equilibrio gracias a sus cualidades organizativas y coordinadoras. En su primera fase se conjugaban el expresionismo tardío y el ideal artesanal de la edad media; en una fase posterior predominan el constructivismo y el programa de una creación de la forma, teniendo presente las exigencias y posibilidades de la técnica y la industria moderna.

La Bauhaus representa una primera etapa pluralista en la historia de la arquitectura. Una primera apertura a numerosas manifestaciones artísticas favorecidas por el desarrollo de la urbanística, el avance tecnológico y las economías postguerra recuperadas para finales de los años 80s. Permite múltiples expresiones en todo el mundo con una mayor libertad en el diseño arquitectónico. A este tiempo se le conoce de varias formas: súper modernismo, nueva modernidad, post-modernismo y de forma más acertada pluralismo contemporáneo, que por definición afirma no la unicidad, sino la multiplicidad. Para el monismo la realidad última es una y para el pluralismo el mundo, la totalidad, está compuesto de realidades independientes las unas de las otras, o bien interrelacionadas.

En arquitectura existe hoy día un estado de pluralismo: ningún estilo, o siquiera modo de arte, es dominante y ninguna posición crítica es ortodoxa. Pero este estado es también una posición, y esta posición es también una coartada. Como condición general, el pluralismo tiende a absorber la discusión, lo que no equivale a decir que no promueve antagonismos de todo tipo. El pluralismo no es una condición reciente. En 1955, Lionel Trilling pudo lamentar la “legitimación de lo subversivo” en una universidad pluralista, y en 1964 Herbert Marcuse pudo incluso condenar el pluralismo como un “nuevo totalitarismo”. Bueno o malo el pluralismo no trata de justificar ninguna postura, sencillamente demanda que “no hay una verdad única, ni una sola explicación; y lo que es aún más, la observación misma debe ser puesta en investigación”. Según lo expresado por los arquitectos Julio Bermúdez y Roberto Hermanson de la universidad de Utah.

En factores prácticos, el pluralismo es difícil de diagnosticar, pero hay dos factores que son indicios importante; uno es un mercado del arte que confía en el arte contemporáneo como una inversión. El otro indicio es la profusión de escuelas artísticas –escuelas tan numerosas y aisladas como para no percatarse de que constituyen una nueva academia. Así, en la actualidad la concurrencia de estos factores permite que arquitectos puedan encontrar espacio y recursos para desarrollar su particular línea filosófica en arquitectura. Ejemplo de ello Eero Saarinen y su expresionismo estructural, Oscar Niemeyer constituido como futurista, último de los modernos, Félix Candela, estructuralista, el gran maestro de las cubiertas o cascarones de hormigón armado, Paul Rudolph, modernista cuyo trabajo presenta una alternativa al uso ortogonal del vidrio y el hacer, Luis Barragán, quien se basó en la búsqueda de una síntesis personal de la arquitectura mexicana con las aportaciones de las vanguardias europeas, Kenzo Tange y su obra basada en diseños donde el concreto es la parte medular de la geometría de sus proyectos. Ellos por citar algunos nombres.

Así pues, la arquitectura contemporánea está oscilando entre un llamado a expresar nuestro tiempo y un llamado a resistirlo creativamente. En vez de elegir una de estas dos posibilidades, hemos sugerido considerar estados híbridos o simbióticos que nos ofrecen una mayor capacidad de elección y evolución arquitectónica. Entendiendo por simbiosis, la definición del arquitecto japonés Kisho Kurokawa: “un pluralismo dinámico que NO busca reconciliar opuestos binarios a través de la dialéctica, sino que sugiere situaciones y productos ambiguos, guiados por situaciones aleatorias, y llenas de multivalencias y contradicciones”.

Desde el punto de vista filosófico, existe la necesidad, es más, el deber del arquitecto de expresar el momento en que vive, en nuestro caso el espíritu de hoy. Esta posición apoya la proyección y construcción de edificios que incorporen las cualidades de nuestra vida y ofrece este pluralismo dinámico libertades para que el arquitecto y/o artista pueda vagar en el tiempo, la cultura y la metáfora diversificando así su respuesta, que puede ser expresionista, por ejemplo, tratando de no partir del mundo exterior para estudiarlo, conocerlo o representarlo, sino que pretendiendo expresar su mundo interior, la esfera emotiva o el espíritu de sí; o una respuesta ecológica: buscando reconciliar la arquitectura con la naturaleza, con el planeta, con el hombre mismo y volverlos un organismo que funcione según todas sus partes se respeten y maximicen entre sí; o contestar deconstructivamente buscando el cuestionamiento y transformación del lenguaje histórico. Lo anterior por citar algunas manifestaciones vivas en este pluralismo o ser tan osado y verter su propia línea puesto que las circunstancias históricas lo permiten.

Respecto al ciudadano común o espectador, esta misma heterogeneidad creativa que al artista le da liberta de expresión, como principal característica pluralista, le permite experimentar los efectos de sus actos y vida en un “lenguaje tan propio como el que él pueda entender” y sentirse plenamente representado o identificado. Esto posible únicamente por la multiplicidad de realidades independientes y/o interrelacionadas entendidas por el pluralismo.

Sintetizando, el pluralismo es la manifestación más amplia de las oportunidades y libertades que podemos gozar y utilizar para ser individuos y entes propositivos y reflexivos de una realidad que vista desde múltiples puntos represente múltiples realidades para muchos otros.

Pluralismo es la más evidente prueba de nuestra constante búsqueda y evolución del pensamiento.

Bibliografía:
· Julio Bermudez BERMUDEZ & Robert Hermanson,
Reflexiones Sobre La Arquitectura Contemporanea,
Este ensayo es una version en español de una ponencia presentada y publicada en la ACSA International Conference en Copenague, Dinamarca (Royal Academy of Fine Arts School of Architecture) en Mayo de 1996 (tìtulo del ensayo publicado: "Tectonics After Virtuality: Returning to the Body"); y en la Serie Anual de Conferencias de Docentes de la Graduate School of Architecture de la University of Utah en novienbre de 1996 (título: "Reflections on Contemporary Architecture".
http://journal3.net/spip.php?article254

· Javier Domínguez Hernández
Universidad de Antioquia
jdomin@nutabe.udea.edu.co,
CRÍTICA PLURALISTA Y FILOSOFÍA DEL ARTE EN A.C. DANTO
http://www.scielo.org.co/pdf/ef/n31/n31a03.pdf

· Ihab Hassan,
El pluralismo en una perspectiva postmoderna*,
Criterios, La Habana, nº 29, enero-junio 1991, pp. 267-288
http://www.criterios.es/pdf/I3813hassan.pdf

· Hal Foster,
Contra el pluralismo*,
Episteme, Eutopías, Documentos de trabajo, vol. 186, Valencia,
España, 1998, 24 págs. Reprod. en: La Gaceta de Cuba, La
Habana, nº 5, septiembre-octubre del 2000, pp. 34-39
www.criterios.es/pdf/fosterpluralismo.pdf

· José Aldo Padilla Hernández,
Arquitectura de hoy (corrientes contemporáneas)
http://encontrarte.aporrea.org/media/49/arquitectura.pdf

· Edad Contemporánea
http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_Arquitectura#Edad_Contempor.C3.A1nea

· Pluralismo
http://es.wikipedia.org/wiki/Pluralismo_%28Filosof%C3%ADa%29

· Ricardo Yepes Stork,
Pluralismo y tolerancia
"Fundamentos de antropología" Pamplona 1996.
http://www.sectormatematica.cl/orientacion/pluralismo.htm

· kisho kurokawa
http://es.wikipedia.org/wiki/Kish%C5%8D_Kurokawa

Anti arquitectura y deconstrucción

2008-10-20T17:38:00.000-07:00

Este es el link para bajar el libro de Nikos Salíngaros "Anti arquitectura y deconstrucción" (válido por 7 días), una serie de ensayos feroces en contra del deconstructivismo, está muy interesante.

A partir de este viernes, los alumnos harán una presentación de un minuto frente a la clase, en la que discutirán sobre la estructura y argumentos de uno de los ensayos que conforman este libro, basándonos en el post sobre "Cómo leer un ensayo".

También dejo el cuadro comparativo de los movimientos arquitectónicos, que debe completarse antes del primer examen y que sirve como introducción al segundo parcial.

Hegel para principiantes: Arte

2008-10-15T21:07:00.000-07:00

Con fines educativos, escaneé la sección que trata sobre Estética del libro "Hegel para principiantes". Puede ser de mucha ayuda para la clase de este viernes.

Ocaso de una Ideología sin Recuerdos

2008-10-14T18:52:00.000-07:00

En esta ocasión nos llega el ensayo final del ex alumno Manuel de León García, que fue presentado en diciembre del 2007. Se le agradece infinitamente su colaboración.

En la actualidad, el movimiento arquitectónico denominado Deconstructivismo, el cual data de la década de los 80’s bajo la tutela de los arquitectos Philip Johnson y Peter Eisenman a partir de la Exposición de Arquitectura en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, ve amenazada su integridad ante el hecho que le adjudica un decaimiento y perdida de los fundamentos filosóficos bajo los cuales fue concebido y que a su vez se les consideran mal infundados, por atribuírsele características de la denominada nueva ciencia, por parte de personajes tales como Nikos A. Salíngaros y su recopilación de ensayos Anti-Arquitectura y Deconstrucción, apoyados los estudios realizados por el matemático Christopher Alexander sobre “El Lenguaje del Patrón” y de cómo la vida es una realidad dinámico-temporal.

El movimiento Deconstructivista debe su nombre, por una parte a las referencias teóricas del constructivismo ruso de principios del Siglo XX fundado Vladímir Tatlin, y por otra parte, a la filosofía de la deconstrucción ilustrada por los trabajos del filósofo francés Jacques Derrida.

Constructivismo Ruso de los años 20’s que ejerció una importante influencia en el arte europeo. Fue fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico; en este aspecto el Arquitecto que mas se ve identificado con el Constructivismo es Daniel Libeskind por la aplicabilidad y similitud en sus obras y uso de materiales sin restricción que como él define la no existencia de materiales pobres sino la de arquitectos mediocres incapaces de explotar la basta gama de materiales que posee a su disposición. Las primeras obras representativas de este movimiento son las construcciones en relieve de Tatlin fechadas entre 1913 y 1917. En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexandr Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron en Moscú el Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo dentro del cual se encuentran los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción. Cabe señalar que esta tendencia posee grandes restricciones de la época debido a no poseer la capacidad tecnológica necesaria para la ejecución de sus obras las cuales quedan irremediablemente en mero anteproyecto.

Derrida posee como tema de estudio el lenguaje, argumentando que el modo habitual de lectura brinda una serie de falsas expectativas sobre el mismo. El método de lectura propuesto por Derrida hace a un lado estas teorías mediante un proceso de deconstrucción a través del cual se identifica una serie de estratos semánticos propios del lenguaje permitiéndose cuestionar la idea que un texto contenga un “significado único e inalterable” y de esa forma lograr plantear que el lenguaje permanece en constante cambio y por ende su significado también. Eisenman desarrolló una relación personal con Derrida, el cual conoció en el otoño de 1985 luego que Derrida aceptase la propuesta de Bernard Tschumi, la cual consistía en participar en el desarrollo para los jardines temáticos del parque de La Villette el cual tuvo tres años de duración, tiempo en el cual se permitió que su intercambio de puntos de vista con respecto a la su concepción arquitectónica. Pero de todas formas, Eisenman desarrolló su aproximación al diseño arquitectónico mucho antes de hacerse deconstructivista.

Con el aporte de Derrida por medio de sus fundamentos filosóficos y de la Teoría Constructivista Rusa al concepto arquitectónico se logran identificar los lineamientos que esta nueva tendencia arquitectónica debiera seguir, el cual en forma simplificada se interpretará como la descomposición de los conceptos arquitectónicos en sus componentes, en contraposición de la “Fatigante Modernidad Racional” (Arquitectura establecida) y toda la historia detrás de cada uno de ellos, el uso de la Teoría del Caos aparente, abandono de la vertical y la horizontal; rotación de cuerpos geométricos en ángulos pequeños; construcciones con un efecto provisional y sobre todo el reconocimiento como una arquitectura conformada por capas, similares a los “layers” de los sistemas de diseño asistidos por computadoras, cuya identificación sirve para percibir una multiplicidad de significados por si mismos o aislados, de la misma forma que Derrida identificaría en los estratos que se encuentra en las palabras de un texto.

Ahora bien, ya que he definido de una forma condensada el fundamento del Deconstructivismo y sus antecedentes teóricos, procederé a definir a la contraparte de este movimiento arquitectónico, la cual encarnaré en el matemático Nikos A. Salíngaros, en especial de su recopilación de ensayos denominada Anti-Arquitectura y Deconstrucción en la cual deja más que claro su postura anti deconstructivismo ya que lo considera una fase en la creación del mundo inhumano soñado por los modernistas.

Para Salíngaros la arquitectura Deconstructivista presenta un verdadero peligro para la humanidad ya que para él “La arquitectura es expresión de nuestra concepción del mundo, y los mecanismos cerebrales que determinan como entendemos la estructura física y la estructura del universo en un momento especifico”. Por lo que este afán, por parte de los Deconstructivistas, de desorientar a los usuarios de presentar un mundo destruido, que “ultraja nuestro sentido del orden” justificándose bajo el estandarte de falsas aclamaciones de legitimidad científica, como se examina en el ensayo “Charles Jencks y el Nuevo Paradigma en Arquitectura” que a su vez se basa en el análisis de la proclamación hecha por parte de Charles Jencks en la cual exalta al Deconstructivismo como el “Nuevo Paradigma en la Arquitectura”. Salíngaros argumenta que este hecho se puede explicar como la búsqueda de exaltar esta elite de famosos arquitectos los cuales supone, de una manera errónea, basan sus obras en las leyes de las Nuevas Ciencias como la complejidad, los fractales, los procesos emergentes, la autoorganización y la similaridad. Para desacreditar esta postura, Salíngaros parte del hecho que Jencks no es un científico y como tal no posee la facultad de hacer tal alusión o al emplear términos científicos de una manera tan liviana, Jencks menoscaba su credibilidad científica. Como ejemplo, él habla de “veintiséis formas florales similares” usadas por Gehry en el Museo de Bilbao. Según Salíngaros, no hay formas similares utilizadas en ese edificio. Se supone que se asemejan a flores, pero no lo hacen, puesto que las flores se adaptan a funciones específicas al desarrollar color, textura y forma, todo dentro de una coherencia total que está ausente aquí. Hay una diferencia tremenda entre una apreciación meramente visual de los fractales y una apreciación funcional. El Guggenheim es metálico y desarticulado, nada más lejano a una flor. Jencks se refiere a estas formas no-similares como “fractales fluidos”. “No tengo idea de lo que este término significa”, dice Salíngaros al respecto, puesto que no es usado en matemáticas. Un tercer término que él utiliza para las mismas figuras es el de “curvas fractales”. Nuevamente, esas curvas perfectamente suaves no son fractales.
Probablemente cuente con apoyo profesional pero no con un apoyo como el que posee él con Christopher Alexander, un físico y matemático estudiado en Cambridge, cuya perspectiva ha inspirado e influenciado su propia investigación.

Para Salíngaros y Alexander la arquitectura deconstructivista, la cual no posee la facultad de hacer referencia creíble a su nexo con las nuevas ciencias, presenta dos problemas monumentales:
§ la deconstrucción es ferozmente anti-ciencia, dado que su intención declarada es la de reemplazar y finalmente eliminar el pensamiento científico; y
§ la lógica espuria de los filósofos deconstructivistas franceses fue expuesta con devastadores efectos por dos físicos, Alan Sokal y Jean Bricmont.
Salíngaros se cuestiona de cómo aceptar un paradigma científico de una postura claramente anticientífica e inclusive los cataloga de charlatanes que han abusado repetidamente de términos y conceptos científicos, que usa como palabras mágicas para deslumbrar a la sociedad.

Los científicos estudian cómo las formas complejas surgen de procesos que son guiados por el crecimiento fractal, el surgimiento, la adaptación y la auto-organización. Pero en el caso de los arquitectos que forman parte del Deconstructivismo, solo toman el resultado final, sin mostrar interés por el proceso que la genera, y lo implantan en el edificio convirtiendo este acto en superficial y sin razón; lo cual sugiere un abandono de los principios estipulados en un principio por Derrida y Eisenman, padres del Deconstructivismo; una contraposición de sus propios principios que dictan la reinterpretación de los elementos que conformaran la obra y no se puede interpretar algo que no se conoce a fondo, dará como resultado la pronta disolución del movimiento.

Por una parte se encuentra el aspecto científico antes citado en el cual se hace una tajante desacreditación de la postura Deconstructivista pero por otra según el estudio hecho por parte de Alexander, en su “Lenguaje de Patrón” el cual plantea que el lenguaje arquitectónico no lo dicta el arquitecto sino que los usuarios de la edificación a realizar. Este movimiento arquitectónico buscaba aplicar métodos científicos al problema de la forma arquitectónica, creyendo que la arquitectura más humana es aquella que antes que nada se adapta a las necesidades del hombre. En cuyo caso la arquitectura moderna y sobre todo la catalogada como deconstructivista no trabaja para el hombre sino para si misma queriendo implantar su ideología sin mostrar interés sobre los usuarios que albergara la obra, y el mismo hecho que se desligue de la historia de la arquitectura de pasadas generaciones si supo responder a las exigencias que se le exigían. En este aspecto Salíngaros se define así: “Mi propia investigación nos permite apreciar la arquitectura tradicional, no por sus ventajas históricas o estéticas meramente, sino como resultado de su complejidad matemática. Las tradiciones constructivas de todo el mundo y de todos los períodos pre-modernos de la historia, comparten un estructura matemática común y esencial.”

Es evidente que el movimiento Deconstructivista como tal pasa por momentos difíciles en los cuales todavía no se ha asentado y ha dejado de lado la ideología, como lo indica Salíngaros, que lo caracterizó a finales de la década de los 80’s en los cuales su mayor postura radicaba en la crítica de los Arquetipos implantados por el movimiento Moderno y de cómo, al igual que Derrida apreciaba, permitía que el observador o usuario poseyera la capacidad de engendrar su propio concepto de los mismos, brindándole una flexibilidad mayor que cualquier otro movimiento antes establecido. Sin duda alguna el Movimiento Arquitectónico al perder credibilidad en la parte científica paulatinamente se vera afectado con la falta de apoyo por parte de esta y corre el peligro de poseer la misma suerte que el Constructivismo Ruso de contar con los recursos tecnológicos aptos para la materialización de sus ideales Deconstructivistas. Esta postura nos lleva a cavilar con respecto al futuro del movimiento si retomará sus bases para dejar de ser obras carentes de sentido o se dejara perder en el horizonte junto con los últimos rayos de sol que, en algún momento, brillase intensamente sobre él.

Bibliografía

Anti-Arquitectura y Deconstrucción
Salíngaros, Nikos
www.umbau-verlag.com, info@umbau-verlag.com.
Tomado el 8 de Diciembre de 2007

Tendencias de la Arquitectura Contemporánea
Cejka, Jan
La nueva Modernidad, Deconstructivismo
Pag.100-113
Enciclopedia Interactiva Encarta 1993-2003 Microsoft Corporation
Jacques Derrida
Wikipedia, La Enciclopedia Libre
Tomado el 8 de Diciembre de 2007
Peter Eisenman
Wikipedia, La Enciclopedia Libre
Tomado el 8 de Diciembre del 2007

Las primeras 3 presentaciones

2008-10-06T21:13:00.000-07:00

Con este link pueden bajar un archivo comprimido de las primeras tres presentaciones de la clase. A partir de este viernes subiré semanalmente un link para que puedan guardar directamente la presentación de esa semana.

Cómo redactar un ensayo

2008-10-02T20:08:00.000-07:00

En un post anterior hemos aprendido a leer de manera efectiva un ensayo, con el fin de captar su estructura, extraer su mensaje y comprenderlo a fondo. Pero en nuestra clase, donde el método para demostrar que hemos aprendido sobre un tema es escribiendo sobre él, no sólo vamos a necesitar leer para mejorar, sino también redactar por nuestra cuenta. Como dice Maria Teresa Serafini en su libro “Redactar un tema”-de donde hemos sacado los siguientes pasos y consejos-, escribir no es la simple operación de transferencia de algo que está en nuestro cerebro a una hoja de papel, hay un método detrás que facilita este proceso y garantiza mejores resultados: lo estudiaremos a continuación.

Escribir un ensayo implica cuatro etapas fundamentales: la planificación, la producción de ideas, la producción del texto y la revisión del mismo. Todas estas etapas deben ser llevadas a cabo en cualquier redacción, ya sea una tarea en casa como durante un examen, y la etapa de planificación es la que nos permite adaptarnos a situaciones distintas. Cuando planificamos tenemos como objetivo principal distribuir y ahorrar el tiempo que tenemos disponible, de manera que podamos cumplir con límites de tiempo establecidos. Decidiremos qué cantidad de tiempo asignaremos a todas las etapas de la escritura que ya mencionamos (planificación, escritura, revisión y copia si esta es solicitada). Las diferencias entre los tiempos de cada etapa dependerán de nuestra forma personal de escribir, por lo que debemos practicar lo suficiente para conocer cuánto tiempo dedicamos a cada fase. La práctica es mejor hacerla en casa, para llegar a examen con una idea de cuánto nos tardaremos en cada etapa de cada pregunta, y de allí a cada pregunta por separado. Si es necesario, debemos anotar en un papel los tiempos asignados a cada fase y respetarlos con la ayuda de un reloj.

Antes de empezar a trabajar debemos quedar completamente libres de dudas, y para eso debemos determinar las características de la redacción. Responder para quién estamos escribiendo nos señala quién es el destinatario de nuestro trabajo y el tono que debemos emplear según el caso. En clase nuestro destinatario es el maestro, por lo que todo tipo de jergas familiares y vocabulario no apropiado debe evitarse. ¿Qué finalidad tiene esta redacción? ¿Organizar informaciones, proveer al profesor de material para evaluar nuestra capacidad estilística, persuadir a alguien de una idea, divertir a los lectores? A pesar de que se pueden tener varias finalidades simultáneamente, es la principal la que debe ser tomada en cuenta. Tendremos claro el género textual que vamos a emplear, ya sea narración, descripción, o en nuestro caso un ensayo argumentativo. Nos cuestionaremos sobre el papel que debemos cumplir como escritores, qué criterios serán más valorados con respecto a otros, ya sea el emitir un juicio autónomo o poder expresar ideas de la forma más objetiva posible. Del título que se nos ha propuesto o de la pregunta que se ha planteado extraeremos el objeto del tratado, el tema que trataremos. Su extensión depende de su finalidad, de nuestra disponibilidad, capacidad y rapidez a la hora de escribir. Redactar volúmenes extensos no siempre demuestra que tenemos habilidad, a veces pesa más nuestra capacidad para sintetizar y eliminar detalles superfluos. En todo caso, lo ideal es conocer de antemano los criterios de evaluación del profesor para así encaminarnos correctamente. (Muchas veces estos incluyen sanciones por errores gramaticales u ortográficos.)

En la segunda etapa, la producción de ideas, continuamos en la sección de preescritura, pero aquí empezaremos a recoger información, a organizar las ideas, determinar nuestra tesis y redactaremos un esquema.

La calidad de nuestro ensayo está directamente relacionada con la profundidad de nuestra investigación. Antes de comenzar es muy útil poner por escrito cualquier punto que queramos aclarar, anotar las preguntas que se nos vengan a la mente y tratar de responderlas a medida que recaudamos información. Usaremos distintas fuentes, y a medida que vayamos encontrando material y surjan nuevas ideas o hechos, los iremos anotando en una lista. Esto es preferible a sólo memorizarlos porque será más fácil elegir lo que nos interesa. Además, esto permite ir construyendo desde el inicio nuestra lista de bibliografía.

Otra técnica para enfrentarnos a un tema y comenzar a estructurarlo mentalmente, además de las listas, son los agrupamientos asociativos. Esta es una representación gráfica que permite visualizar las relaciones entre las ideas. En el centro de una página anotaremos la idea, el hecho, el tema a tratar, y de forma radial escribimos todas aquellas ideas o información que hemos recopilado.

Una vez que tenemos suficiente material, ordenaremos estas ideas, y distinguiremos las más importantes, que estarán cerca del centro, de las secundarias que partirán de las primarias, como si fueran sus ramas. Esta reorganización del agrupamiento se llama mapa. La lista que habíamos hecho la podemos ordenar también, reagrupando los elementos en categorías que tienen cosas en común.

La característica esencial para el éxito de una redacción es la unidad. En un ensayo argumentativo es la tesis, la idea central la que nos servirá como elemento unificador. Al tener todas nuestras ideas a la vista determinaremos nuestra tesis, la idea que queremos defender. No podemos empezar a escribir sin saber qué queremos transmitir. Nuestra tesis debe poder expresarse en una frase o un párrafo corto. Un truco para saber si la idea que hemos escogido tiene lógica es enunciarla en una frase completa con un sujeto y un verbo, que exprese una idea sobre el sujeto. Si nuestra frase-tesis comienza por “yo pienso que” y se obtiene una oración con sentido entonces está bien planteada.

El siguiente paso a seguir es trazar el esbozo del ensayo, que consiste en el orden secuencial de las ideas y los argumentos. Un esbozo es una lista de los elementos recopilados, pero ahora con un orden jerárquico. Los elementos de un mismo nivel están alineados verticalmente y se marcan en forma ordenada por letras y números (que no aparecerán en la redacción final). Como el siguiente ejemplo:

Los componentes del esbozo son las palabras clave o frases cortas que transmiten la idea principal.

Llegamos a la etapa de producción del texto, en la que definiremos, desarrollaremos y ejemplificaremos las ideas del esbozo. Lo importante en esta fase es proveer suficientes explicaciones, argumentos que puedan ser compartidos por el lector. Un texto resulta convincente cuando lentamente se va acompañando al lector hacia la tesis: la extensión del escrito depende del tiempo necesario para implicar al lector. Un texto presenta continuidad de ideas que están relacionadas entre sí, para ello es recomendable utilizar palabras de conjunción como por ejemplo: “entonces”, “por eso”. Se puede leer en voz alta el ensayo o incluso grabarlo y luego escucharlo para comprobar si hemos logrado una redacción fluida y coherente.

En nuestros primeros intentos de ensayo a cada párrafo corresponderá una idea única del esbozo que habíamos trazado. Estos se pueden estructurar desarrollándolos por ejemplos, por confrontación o contraste (cuando un párrafo subraya la similitud entre objetos, términos, ideas o lo hace con sus diferencias) o por encuadramiento, que desde el comienzo de un párrafo se indica la estructura a la que responde: “Tengo tres razones para estar contento: la primera es…, la segunda es…, la tercera es…”. Cuando se trata de defender una idea, existe una técnica muy conocida llamada modelo de Toulmin, que proporciona los elementos de un buen argumento: la afirmación, la información y la garantía. En la afirmación presentamos la idea principal del párrafo. Los datos de apoyo a la afirmación representan la información. Por último la garantía es el vínculo entre afirmación e información, que muestra la importancia de la información como soporte de la afirmación. Veamos el siguiente ejemplo:

“Seguramente Fido piensa que estamos locos deteniéndonos con el automóvil en medio del campo. Corre y ladra con mucha agitación para preguntar si es un error.”
La afirmación es: “Fido seguramente piensa que estamos locos.”
La información: “corre y ladra con gran agitación”
La garantía: “para preguntar si es un error”

En nuestra redacción se pueden incluir tres tipos de párrafos, y la preponderancia de unos con respecto a otros se relaciona con la finalidad del escrito. Los párrafos narrativos son una secuencia de afirmaciones-informaciones que no requieren garantía. Los expositivos-argumentativos utilizan el modelo de Toulmin para persuadir al lector. En ellos debemos captar su interés y simpatía siendo lo más concretos posibles o haciéndolo compartir nuestro punto de vista. También se deben poner en evidencia inmediatamente los aspectos importantes de la tesis que estamos exponiendo, evitando los preámbulos largos y las premisas obvias que el lector ya conoce. Recordemos que pocos argumentos de buena calidad tienen más efecto que muchos argumentos si algunos de ellos son dudosos. En todo caso, es mejor mostrar que declarar. Esto significa que resulta más valioso exponer ejemplos y detalles que comprometan al lector asociando imágenes concretas a las ideas que decimos.

Con el propósito de no resultar genéricos evitaremos algunas costumbres como usar frases hechas o expresiones de jerga. Estas son oraciones ambiguas que puedan interpretarse de muchas maneras, o que son particulares de un grupo y difíciles de captar al que no pertenece a él. Es muy recomendable utilizar diferentes ángulos de perspectiva espaciales y utilizar los cinco sentidos cuando estemos describiendo algo. Por ejemplo, cuando describamos un edificio podríamos “verlo” desde distintos puntos para hacer más interesante su imagen.

Para ayudar al lector a seguir el hilo de un escrito y que aprecie la relación entre sus diferentes partes podemos usar conexiones. Entre ellas incluimos el uso de un pronombre para referirnos a un elemento anterior del texto; a repetir una palabra clave que se refiere al elemento central del discurso; utilizar una expresión que sintetice la idea expresada en la frase o párrafo anterior del cual se parte; o utilizar expresiones de transición. La siguiente es una lista de referencia, que podemos emplear cada vez que nos preguntemos cuál es la conexión entre la frase o párrafo sobre el cual se está trabajando y verificar si la conexión es lógica.

1) Consecuencia, causa y efecto: entonces, por eso, por lo que sigue, entonces resulta que…
2) Ejemplificación: por ejemplo, es decir, como…
3) Contraste y concesión: pero, a pesar de, sin embargo, al contrario, en cambio, si bien, por otra parte…
4) Reafirmación o resumen: en otros términos, en breve, en efecto…
5) Relación temporal: en cuanto, a continuación, hasta que, cuando, finalmente, después…
6) Relación espacial: al lado, arriba, abajo, a la izquierda, en el medio, en el fondo…
7) Semejanza y enfatización: de la misma manera, similarmente, del mismo modo…
8) Agregación: y, además, después, también, por añadidura…
9) Conclusión: finalmente, para resumir, terminando…

Al ser cuidadosos con nuestra puntuación facilitaremos la comprensión del texto. Al separar elemento de una lista, si estos elementos son breves utilizaremos la coma, si son largos utilizaremos el punto y coma, si es necesario incluso el punto. Una coma nunca debe separar sujeto y predicado. Tampoco son buenos los fragmentos de frases, en los que se fraccionan períodos con puntos en medio. Los diferentes signos de puntuación muestran jerarquías en los elementos de una frase. Sin embargo, no siempre las posiciones relativas son precedidas y seguidas por comas. Esto significa que si una proposición es indispensable para el sentido de la frase no se usa coma, pero sí en las que pueden eliminarse. Otro punto muy importante es distinguir entre el punto y el punto y aparte. El primero se utiliza si seguimos tratando la misma idea, pero si hemos terminado y pasamos a la siguiente usaremos un punto y aparte, determinando un párrafo.

Las introducciones y las conclusiones también ayudan a la comprensión del texto, pero se redactan hasta el final, cuando las ideas ya han sido desarrolladas ya que deben ser coherentes con el cuerpo central de la redacción. Existen distintas categorías para clasificar las introducciones y las conclusiones. Una introducción-encuadre es aquella en la que encuadramos el problema que propone el título, se declara su importancia y su actualidad. También se presenta una síntesis del trabajo y se plantean las preguntas que contestará durante su desarrollo. La introducción para captar la atención trata de atraer interés usando citas, informaciones curiosas o incluso ejemplos concretos que anticipan problemas que se desarrollarán en el cuerpo del texto. Por otro lado, las conclusiones pueden ser tipo resumen, propósito o con efecto. En las conclusiones-resumen se enuncian brevemente los problemas principales que se trataron en el texto y se hace énfasis en la tesis que se presentó. En las conclusiones-propósito se indican otros argumentos que no han sido tratados y en los que se quisiera profundizar en un escrito posterior. También se pueden incluir propósitos o resoluciones que se ha propuesto el autor con respecto al tema. Una conclusión con efecto contiene un hecho curioso, una paradoja u ocurrencia que deje al lector un recuerdo divertido y positivo de lo que leyó.

En el último y cuarto paso, la revisión, se verificará que las ideas sean claras y coherentes. Este paso puede repetirse varias veces y de hecho es recomendable que así sea. Podemos pedir a otros que lean nuestro ensayo para tener otra perspectiva y verificar si se transmite el mensaje adecuado. Al revisar nuestro ensayo podemos revisar su contenido, que el texto esté bien estructurado en el sentido que sus párrafos tengan un orden y organización adecuados. Se eliminarán pasajes que no tienen relación con el texto o divagaciones que no se relacionen con párrafos cercanos, caso en el cual será necesario reordenarlos. Se puede hacer un esbozo del ensayo ya terminado y lo podemos comparar con el que nos sirvió de guía al inicio. Verificaremos que las ideas secundarias no se hayan vuelto muy extensas o que las importantes sean cortas. En cuanto a la forma del texto, trataremos de hacerlo lo más legible posible simplificándolo. Cortaremos o simplificaremos frases que resulten demasiado largas; eliminaremos palabras, pronombres, adjetivos o adverbios superfluos. Hay que recordar que las frases más comprensibles son las más cortas. También es importante que la presentación del texto sea adecuada, limpia, no sólo por cuestión de estética, sino porque esto contribuye a facilitar la lectura y apreciar el texto.

Hago hincapié en que la práctica hace al maestro. A medida que practiquemos redactando ensayos iremos incorporando naturalmente esta serie de pasos hasta llegar al punto en que los sigamos sin darnos cuenta. A esto hay que agregar que los ensayos son la mejor forma de estudiar los temas de la clase: en un examen recordaremos con mayor facilidad nuestras propias palabras que una serie de datos recogidos al azar. En caso de que alguien quiera profundizar en cómo redactar recomiendo el libro utilizado para hacer este post, y desde luego, sus redacciones de práctica son bienvenidas para este blog.