domingo, 30 de noviembre de 2008

Sobre los exámenes del primer parcial...

Acabo de leer los exámenes del primer parcial y he notado una serie de errores que muchos han cometido. Así que estas son unas sugerencias para las siguientes evaluaciones:

- Recuerden que las preguntas de estos exámenes se contestan en forma de ensayo. Es por eso que los primeros posts de este blog han sido con el fin de ayudarlos en su redacción. Los ensayos y los diagramas de cualquier tipo son excluyentes. No es permitido argumentar haciendo dibujos para explicar cosas como la dialéctica de Platón, el autodesarrollo del concepto de Hegel o el salto cualitativo de Lukács, todos esos enunciados deben explicarse. En los ensayos tampoco se pueden hacer listas, o separar los argumentos con números, o guiones. Tampoco es correcto presentar mucha información disgregada como si trataran de hacer notas. El texto debe de ser fluido.

- Los ensayos se redactan en tercera persona. No son apropiadas las expresiones que denoten opinión personal como “yo pienso”, “creo”, “para mí”, “yo opino”. La idea es que los ensayos demuestren lo que han investigado y no que se basen en su percepción del tema. También, cuando hablen de un libro hay que aclarar que las opiniones expresadas son las del autor y no son las propias.

- Es necesario respetar la estructura de los ensayos (introducción – cuerpo – conclusión), aún si se tratan de ensayos cortos para responder a exámenes. Repasen el post de cómo escribir un ensayo, pero en general es buena técnica empezar desde los aspectos generales de la pregunta, definiendo lo que se está pidiendo, vincular las distintas definiciones con ejemplos y después concluir. Esta estructura de los ensayos debe ser balanceada para todas sus partes, como por ejemplo no deben hacer las conclusiones más grandes que el desarrollo. Tampoco pongan título a estas partes: uno debe intuir de qué parte del ensayo se está leyendo.

- Sus respuestas deben tener un sustento teórico adecuado. Las afirmaciones que expresen (especialmente si son cuestionables) deben sustentarse en citas bibliográficas, citas de autores, o en ejemplos. Estos ejemplos deben explicarse bien, no sólo mencionarse superficialmente. Uno de los principales problemas que he notado es que no relacionan la parte filosófica con ejemplos arquitectónicos. Para eso son las presentaciones de Power Point que he dejado hasta ahora en el blog: con lo visto en clase ustedes deben interpretar o tratar de analizar las obras que aparezcan en la presentación para poder usarlo en sus ensayos.

- Cuidado con la ortografía.

- Creo que el consejo más importante que se puede dar para esta clase es practicar haciendo ensayos mucho antes del examen. Traten de que por cada tema visto redacten uno: de esa manera van a tener oportunidad de investigar apropiadamente, van a tener una idea de cuánto se tardan en escribir y van a recordar mejor sus propios textos que informaciones de otras partes. La arquitecta y yo estamos a la orden para revisar ensayos de prueba y dar sugerencias. El examen no es momento de improvisar, el tiempo es muy corto y deben aprender a distribuir el tiempo de manera que contesten las 5 preguntas obligatorias, correctamente y no a la carrera. Todavía hay oportunidad de recuperarse de un resultado poco satisfactorio, pero traten de no faltar a clases, de hacer bien su presentación y trabajo escrito, de estudiar más para el segundo parcial y de avanzar en su ensayo final. Les deseo lo mejor y saben que estoy disponible para cualquier cosa.

Para el grupo de High Tech

Los principales arquitectos en los que deben enfocar su trabajo son:
- Richard Rogers
- Norman Foster
- Renzo Piano
y Jean Nouvel.
Cualquier consulta estoy a la orden. ¡Suerte!

sábado, 29 de noviembre de 2008

Mario Botta: la búsqueda de lo esencial

(Presentado el 10 de diciembre de 2007 por Diana Carolina Padilla Velásquez)

Como uno de los principales exponentes del Racionalismo, Mario Botta es sin duda uno de los pocos arquitectos que ha intentado con tanta coherencia recuperar las raíces de la arquitectura, raíces que se encuentran muy alejadas de los valores superficiales que se observan cada vez más en nuestra cultura en la actualidad.

Este arquitecto de origen suizo, con una formación en gran parte eclesiástica, tiene sus raíces en la arquitectura Románica y Gótica, motivo por el cual refleja en sus obras una gran veneración por la arquitectura del pasado.

Proponiendo una arquitectura monumental, con el uso de potentes composiciones geométricas, que en ocasiones evocan fortificaciones, Botta ha logrado crear una firma propia, donde, marcando un límite que separa el interior del exterior, se opone por completo a las construcciones ligeras de la actualidad; aspecto que le ha valido algunas críticas que lo catalogan de arquitecto ajeno a su tiempo.

Defensor del movimiento Moderno en el sentido de lo que él llama la ÉTICA en la arquitectura, que supone la obligación de responder a las necesidades actuales y el respeto al entorno, escapa de la cultura consumista y de la arquitectura efímera, que, según él, no engloba los valores fundamentales de la arquitectura como ser la ligereza, la gravedad, los materiales y las formas perfectamente estructuradas de manera que se establezca un diálogo.

Utilizando un vocabulario geométrico, Botta defiende la idea de que la arquitectura debe ser distinta a la naturaleza, mediante la utilización de las Formas Platónicas que no sólo subrayan la diferencia entre razón y naturaleza, sino que también dan esa idea de orientación en el espacio tan importante en sus obras, estableciendo que dichas formas representan no un estilo, sino el lenguaje mismo de la arquitectura.

Al analizar obras como el Museo Watari-um en Tokio, se puede ver la correcta combinación de formas claras, abstractas y geométricas con un extraordinario uso de la luz, tanto en la iluminación interior como en la definición de las superficies exteriores. Su composición volumétrica es una lección de la arquitectura urbana, de planta triangular y una escalera en forma de quilla con una de sus aristas recta, consolidando la calle lateral y curvándose hacia la avenida principal separándose del volumen principal y contrastando dramáticamente con la sobria rectitud del resto del edificio.

La separación de la escalera convierte la fachada en un plano escenográfico de proporciones cuadradas perfectas con una serie de estrías horizontales alternadas en concreto y granito recurriendo a la simetría que se acentúa con la hendidura vertical que contrarresta la horizontalidad de las franjas y haciendo una referencia a la composición de las columnas clásicas (base, cuerpo, capitel).

Las esquinas del triangulo, que dada su agudeza no permitirían el desarrollo cómodo de alguna función, son aprovechadas por el arquitecto como pozos de luz indirecta, brindándole además un efecto de ligereza al plano de la fachada.

Sin duda alguna, Botta ha logrado crear mediante el uso de la geometría pura, estructuras evocadoras inspiradas en la arquitectura del pasado, con un lenguaje moderno y dinámico buscando esa legitimidad en las formas primarias, con edificios ricos en significado y que contienen esa perdurabilidad a través del tiempo.

jueves, 27 de noviembre de 2008

Más presentaciones

He decidido agregar al compendio de material del segundo parcial las presentaciones de las clases originales, aquellas que la arquitecta presenta cuando no hay debates entre alumnos. Como en las 2 horas semanales no hay tiempo de verlas lo podrán hacer aquí. Estas presentaciones son muy valiosas porque les permiten ver más proyectos que les sirvan de inspiración para sus ensayos, porque siempre hay que hacer el nexo arquitectónico del filosófico. En esta ocasión agrego la síntesis de las 2 primeras, que originalmente iba a ser presentada la semana pasada, pero el tiempo... siempre el tiempo.
Les dejo la presentación del Minimalismo.

Minimalismo
View SlideShare presentation or Upload your own.


El Racionalismo europeo:
Racionalismo Europeo
View SlideShare presentation or Upload your own.


Y la síntesis abreviada:
Racionalismo y Minimalismo
View SlideShare presentation or Upload your own.

lunes, 24 de noviembre de 2008

Minimalismo

Aprovechamos para felicitar también a Isis y a Arely por su exposición del viernes, les dejo el informe que presentaron.
Esta semana es el turno del Neo expresionismo y el Deconstructivismo, investiguen para que podamos tener un buen debate entre ellos.

Minimalismo
Get your own at Scribd or explore others:

domingo, 23 de noviembre de 2008

The Walt Disney Concert Hall, del caos hacia la armonía


(Por Daniela María Gallo Enamorado. Presentado el 21 de mayo de 2008)
Una vez, el literato alemán Goethe comparó la música con la arquitectura, haciendo una analogía entre ellas, indicando que “la arquitectura es música congelada”i. A su vez, el compositor francés, Claude Debussy, definió la música como “un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor”ii.
Ahora, es ahí donde interviene la obra arquitectónica para una sala de conciertos, por su carácter y función, como medio propagador que provee un sistema receptor, reafirmándose como componente de la música en su proceso sonoro.

La Sala de Conciertos de Walt Disney (The Walt Disney Concert Hall en inglés) ubicada en el centro de Los Ángeles, California, es una de las obras más emblemáticas del arquitecto deconstructivista Frank Gehry. Su diseño precedió al del Museo de Guggenheim de Bilbao, aunque no fue así su construcción. El edificio sirve de sede de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y el Coro Magistral de Los Ángeles, al igual que sala de conciertos para múltiples artistas en la industria de la música.

La escultórica obra ha sido considerada como un logro arquitectónico, en donde Frank Gehry marcó el compás de un caos aparente con su batuta de director y autor del proyecto, señalando los movimientos y las entradas de los componentes, la proyección de la administración espacial, y dirección de la ingeniería estructural y de sonido, mediante un lenguaje de elementos arquitectónicos y de los materiales, en el tiempo y el espacio. Así, como lo hace también un director de orquesta, “manteniendo el tempo de la canción, dando las entradas de los instrumentos para la interpretación de su visión personal de la partitura según el concepto global”iii.

La arquitectura al igual que la música, crea ambientes envolventes, como señaló el filósofo español Eugenio Trías, “ambas preparan un hábitat a la figuración icónica o a la significación poética o conceptual”iv. Pero la tangencia de la arquitectura y de la música va más allá, llegando a niveles profundos desde su concepción. Para lograr una obra maestra, ya sea sinfónica o arquitectónica, ésta es sometida desde sus bocetos iniciales y a lo largo de su paso hacia la perfección, a las intervenciones de complejos procesos psico-anímicos del artista, a prueba y error durante los ensayos. Como también el arquitecto ha seguido el patrón auto-establecido para sus diseños mediante la retroalimentación del ir y volver entre la proyección en los planos y de las maquetas. Con el fin de suscitar una experiencia estética en el espectador, como estímulo detonante de emociones, mediante la interpretación de circunstancias, pensamientos e ideas universales.

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los silenciosv. Que al igual que la arquitectura compuesta por las formas y los espacios, su primer elemento tiene cuatro parámetros. La altura, como resultado de la frecuencia, produciendo un cuerpo sonoro donde se definen los sonidos como agudos o graves según la distancia o longitud de la onda. Interpretando el primer parámetro dentro de la arquitectura como tal; los niveles máximos y mínimos dentro de la sala de conciertos de Walt Disney son alcanzados por medio de la propagación de la onda con su estilo característico de diseño de metal fluido o sinuoso. La duración como segundo parámetro, corresponde al ritmo de las vibraciones que produce el sonido; representada por la onda, al igual que el edificio incita a deslizar la vista a lo largo de superficie sinuosa. La intensidad es la fuerza con la que se produce el sonido; en cuanto el Walt Disney Hall remarca la intensidad mediante el juego desafiante de las fuerzas o pesos contra la gravedad, además del estudio acústico plasmado en el interior de la sala que resalta y regula el sonido. Y el timbre o textura, como cuarto y último parámetro que permite distinguir los diferentes instrumentos o materiales respectivamente según el arte.

La organización coherente de los elementos enunciados anteriormente concluye en los parámetros fundamentales de la música: la melodía o “conjunto de sonidos” v; el ritmo o “pauta de repetición a intervalos de sonidos y silencios en una composición” v; y la armonía o “regulación de la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos” v. Presentes también en la arquitectura de la sala en mención están la melodía en su conjunto, el ritmo en sus forma y espacios, además de la armonía al regular “los sonidos visuales” de los elementos arquitectónicos como la luz, amplificada en su caso por sus secciones cóncavas y convexas. Y lograr al mismo tiempo, concordar como obra escultórica viviente y conviviente dentro de la ciudad.

En la actualidad, gobernados por una democracia, vivimos en una era pluralista, en donde hay lugar a la aceptación de múltiples verdades o ideas universales, que difieren o se asimilan, basadas y justificadas por sus lineamientos filosóficos. Como producto de ello, este caos se ve reflejado en la ciudad, en donde diferentes estilos de proyección arquitectónica interactúan en unísono dentro de la urbe. Dejando como postulado la convivencia, el respeto hacia el contexto. Y como expresó el arquitecto mismo en su documental dirigido por el cineasta Sydney Pollack, Los Sketches de Frank Gehry, “en las urbes bajo un sistema democrático, no te queda más que ser buen vecino”vi, justificando así la escala del proyecto y la relación de este hacia su contexto por respeto hacia su vecina sala de conciertos, el Dorothy Chandler Pavilion. Pero superándola inevitablemente, no sólo por los cálculos de sonido y acústica, sino que también por estar comprometida con la función del espacio y también por encontrarse en conjunción con el mismo fin de la música, siendo parte de ella, exaltando la percepción auditiva del espectador al generar un estímulo visual coherente con los momentos de una obra sinfónica armoniosa.

La sala de conciertos Walt Disney figura un caos aparente logrando una adaptación del carácter en sí en armonía, al ver la música en las formas, como producto de obra sinfónica en donde hace énfasis en la parte triunfal de la partitura: el caos como elemento sorpresivo y dispositivo que desata y exalta las emociones.

Referencias y Bibliografía
i Goethe, citado en Wikipedia.com. Música. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online. Disponible en
http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
ii Claude Debussy, citado en Wikipedia.com. Música. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online.
Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
iii Director de orquesta, citado en Wikipedia.com. Orquesta. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online.
Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_sinf%C3%B3nica
iv Eugenio Trias, citado en Milenio.com. Eugenio Trías “El pensamiento y la filosofía son la mejor música”.
Recuperado el 18 de Mayo del 2008. Online. Disponible en
http://www.milenio.com/mexico/milenio/nota.asp?id=615471
v Wikipedia.com. Música. Recuperado el 10 de Mayo del 2008. Online. Disponible en
http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
vi Frank Gehry, citado en Youtube.com. Sketches of Frank Gehry. Recuperado el 16 de Mayo del 2008.
Online. Disponible en http://www.youtube.com/watch?v=Ht6lqFfhk1M

Racionalismo

Ana Cecilia Zerón presentó este viernes el primer tema del segundo parcial: el Racionalismo. Les dejo a continuación su trabajo escrito. El propósito de presentar los trabajos de los alumnos es que todos tengamos acceso a la información que ellos han encontrado, además de que sirven como inspiración para los trabajos de los grupos que han de venir. Los comentarios y preguntas son todos bienvenidos. También aprovecho para felicitar a Ana por su excelente exposición.

Racionalismo
Get your own at Scribd or explore others:

viernes, 21 de noviembre de 2008

El High Tech y su imagen arquitectónica

(Ensayo final de Alejandra Sabillón. Presentado el 10 de diciembre de 2007)
En los últimos 20 años, la “technoimagen” está de moda. Quizás esta arquitectura es el reflejo de las esperanzas del hombre de un futuro de progreso. La technoimagen barre en los concursos internacionales y revistas de arquitectura. Esta nueva tendencia nos introduce más allá de la mera imagen. Nos introduce las variables de la ingeniería dentro del proceso de planeamiento y nos ha proyectado consideraciones estructurales en la iconografía arquitectónica. Esta corriente actual exalta la era en que vivimos, cada generación contribuye con su experiencia y con cimientos a la arquitectura de su propia época. ¿Por qué ir al pasado a buscar una imagen arquitectónica de otra época, de otro tiempo? ¿Por qué plagiar el pasado cuando hay tanto que decir del presente? Eso no significa negar la historia ni su continuidad.

El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar su imagen, utilizan a la tecnología como un fin en si, no para llegar a alguna parte. Es el afán por enseñar las estructuras, el acero, el concreto, vidrio y mostrarla como parte estética de la edificación. Es una tendencia de la arquitectura contemporánea caracterizada por la atribución de valores estéticos a los elementos estructurales e instalaciones funcionales.

Sus orígenes formales se encuentran en el Tardomoderno. A causa de la II guerra mundial, el High Tech no surgió en París. Se pudo ver en el proceso de reconstrucción en la Inglaterra posbélica, asumiendo las lecciones aportadas por la movilización industrial durante el período de guerra, aplicación de la industria en el sector de la construcción. Para los años sesenta y setenta surgen ciertos tipos de estructura que fueron la vanguardia del momento.

El termino High Tech se debe a Patrick Buchanan, quien lo utilizó por primera vez en 1983, se consolidó en la década de 1970 a través de la obra de arquitectos como Richard Rogers, Renzo Piano y Norman Foster, siendo estos los principales percusores de la corriente, a los que debemos la creación de edificios de notables dimensiones. Para asi convertirse en el estilo preferido de la clase dirigente Británica. Y convertirse en una nueva imagen de arquitectura a nivel mundial.

Entre las primeras construcciones high-tech cabe destacar el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou (1972-1976), de Richard Rogers y Renzo Piano, un edificio multifuncional donde las estructuras portantes, los tubos, los conductos de aire y las escaleras mecánicas se encuentran en el exterior del edificio o bien en el interior, pero a la vista. Otros edificios destacables son el Hongkong and Shanghai Bank (1986, Hong Kong), de Foster; el edificio del Lloyds Bank (1986, Londres), de Rogers; y otros más recientes, como la Continental Train Platform (1993, Londres), de Nicholas Grimshaw; el aeropuerto de Kansai (1994, Japón), de Piano, y el Museum of Fruit (1996, Yamanashi, Japón), de Itsuko Hasegawa.

El Centro George Pompidou

El Hong Kong y Shanghai Bank


Pabellón Británico de la Exposición de 1992

Las obras anteriores lograron dejar una imagen clara de lo que es la arquitectura de alta tecnología. Algunas de sus principales características: afán por enseñar la estructura, el acero, concreto y mostrarlos como parte estética de la edificación. Se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen. Ha introducido a los ingenieros en los proyectos arquitectónicos (no solo en los procesos constructivos, sino también en la expresión de la imagen en la arquitectura).

Me atrevo a decir que los materiales que más sobresalen son cables y vidrios. Arquitectura que procura extraer sus recursos formales de la expresión de la evolución técnica de nuestros días. Otro material es el acero estructural, por su cualidad de soportar grandes esfuerzos con una sección relativamente reducida, logrando así una imagen más atractiva a los ojos del público.
La difusión del modelo o imagen se da en los primeros proyectos, la preocupación por la transparencia lleva a la implementación de una fachada criticable por su elementalidad y por la carga térmica que suponían que iba a fracasar, pero la piel del edificio se ha sofisticado en pocos años. Así que a pesar de todo, no pudieron detener el movimiento vanguardista. Ni lo podrán detener, su imagen sobrepasa los niveles.


La tecnología del High Tech, se encuentra en la vanguardia, por ser consecuencia directa o indirecta de los últimos descubrimientos científicos de la época a que pertenece. Representativa de estos primeros años fueron los puentes metálicos, abriendo estos el potencial del nuevo material constructivo el cual tenia propiedades diferentes a todos los demás materiales constructivos que se conocían hasta la fecha. Otro material que revoluciona en la época moderna es la combinación del concreto, acero y vidrio.

El uso de estos materiales cada día iba formando una imagen en la mente de cada persona, no importando edad, sexo ni fronteras simplemente esta arquitectura entró en nuestro diario vivir marcando una nueva propuesta de hacer arquitectura. Dentro del contexto de la imagen arquitectónica del High Tech se daban algunas características típicas:
- Seducción de la imagen
- Son tan expresivos que atraen la simpatía de cualquiera.
- Potencial simbólico.
La imagen arquitectónica dentro del contexto se da a conocer por las innovaciones tecnológicas y la revolución en la electrónica y como ellas han traído un cambio radical en la práctica del diseño de la arquitectura contemporánea.

El “boom” en la tecnología del procesamiento de datos ha producido un estilo interactivo de arquitectura, uno con complejos sistemas como redes de telecomunicaciones y sofisticadas plantas de ingeniería. Los edificios deben ser “racionales”, creados para ser capaces de manejar funciones complejas, desde el control climático hasta el manejo de todas las operaciones de mantenimiento de planta. No sólo deben proyectar una imagen innovadora sino también funcional.
Con respecto a la imagen y al usuario los clientes regularmente, los usos cambian, y la manera de trabajar dentro del proyecto cambia. Esto es algo inevitable. El edificio debe ser lo mas flexible posible de manera que pueda soportar estos cambios sin que deje de ser aprovechable.

Y no nos podíamos olvidar de la imagen que proyecta el interior. En el High Tech la imagen se transmite en el interior de la misma manera que se hace con el exterior. El High Tech tiende a eliminar los elementos aislantes que encierran la planta. El espacio, no queda definido por el su forma ni por sus limites sino por sus características espaciales: su circulación, su escala, su luz, siendo este el elemento que define la jerarquía de los diferentes espacios contenido en uno mayor.

“La arquitectura de la alta tecnología, se encuentra atrapada en una auténtica imagen. A pesar de su obsesión con el pasado, esas clases dirigentes no dejan de sentirse atraídas también por el optimismo y el aura de brillantez tecnológica del High Tech. Este a su vez depende para su vitalidad e interés de la aplicación de adelantos técnicos, que suelen tener poco que ver con criterios de economía, función u otras racionalizaciones.

La arquitectura de la alta tecnología aparece como en contraposición sincera y sería: sus formas vienen configuradas por motivos funcionales y estructurales que no quedan ocultos.. Las estructuras elegantemente vistas y las transparencias luminosas de la High Tech dan lugar a una arquitectura espectacular que no deja de impresionar ni de la erudita más convencida.”Viviendo asi una arquitectura futurista que siempre va a proyectar una imagen de esplendor por estar siempre tras la vanguardia.”

Bibliografía.
http://html.rincondelvago.com/high-tech.html
http://mx.encarta.msn.com/encyclopedia_1121550076/High-tech.html

jueves, 20 de noviembre de 2008

La luz en la trilogía cristiana de Ando

(Por Ana Lucía Escobar Salgado)
La luz natural en arquitectura se convierte en un componente más de ésta, al resaltar sus formas y tocar la sensibilidad del ser humano, tal y como afirmaba Le Corbusier “la Arquitectura es el encuentro entre la luz y la forma”[1]. Discípulo de este precepto, es el arquitecto japonés Tadao Ando, su formación como arquitecto fue autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y Estados Unidos.

“Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto” Tadao Ando.
[2]

La luz es un elemento que enriquece los edificios de Tadao Ando, compartiendo créditos con otro elemento, la naturaleza en si. Esto se refleja en la trilogía de templos cristianos diseñados por Ando en la época de los 80’s, la Iglesia de la Luz, 1989, la Iglesia sobre el Agua en 1988 y la Capilla de Rokko en 1986.

En la Iglesia de la Luz, ubicada en Ibaraki, Osaka, conjunto que comprende dos edificios. Sus paredes de hormigón visto con marcas (sello del estilo del arquitecto) en juego con la luz, crean una arquitectura divina y espiritual.

Fig. 1, Iglesia de la Luz en Osaka, Tadao Ando. 1989.El edificio principal es un prisma rectangular, traspasado lateralmente por una pared de 15˚ con respecto al eje principal de la nave, este gran elemento esta separado unos cuantos centímetros de la cobertura, lo que permite una entrada de luz horizontalmente, dando la impresión de que el techo flota sobre el aire. Tras el altar la luz penetra intensa y majestuosamente, por medio de una abertura cruciforme, creando una cruz de luz, iluminando y energizando el oscuro interior (ver Fig. 1).

Esta luz sigue su curso a través del piso donde se ve reflejada, efecto que buscaba el arquitecto, creando continuidad de la luz y enalteciendo el camino del centro; las personas buscan en su religión, una guía, un símbolo, una conexión con Dios, una luz en la penumbra diaria de la vida; la luz reflejada en el piso da la sensación de ser la guía hacia la Cruz, es decir simbólicamente, hacia Dios, iluminando el camino oscuro, y logrando la conexión que se busca.

La capilla contigua a la principal, presenta características similares, el elemento oblicuo también se repite, solo que en este bloque, Ando no presta una abertura cruciforme, si no una perforación en el techo a través de la cual la luz llueve sobre la pared áspera y gris del altar, enfatizando la parte sacra de la capilla, el altar.
Las perfectas aberturas de este edifico demuestran la destreza de Ando en el vivaz juego de luz y sombra, creando un centro con la esencia de la espiritualidad, ambiente de paz, tranquilidad, e intensidad emocional.
Seguí presentando diferentes proyectos como este: La Iglesia de la Luz. Nuestra idea fue experimentar con la luz, así surgió la luz forma la cruz. A está Iglesia llega mucha gente de diferentes estados únicamente en busca de esta luz, en busca de este espacio, donde se puede abrir el corazón. La luz fue muy importante, en esta pequeña iglesia de solo 90 m2., con ella hicimos varios experimentos, entre ellos: buscamos el reflejo de la luz en el piso.[3]

Y con las mismas cualidades de intensa luminosidad emocional, La iglesia sobre el Agua se hace presente en la isla de Hokkaido, construida en 1988 como parte del Hotel Alpha Resort. La morfología de esta capilla consta en la intersección de dos volúmenes, un prisma de base cuadrada y un cubo con quienes comparten una de sus esquinas.

La cualidad distintiva de esta capilla es que no existe una pared frontal, si no que la reemplaza un escenario multifacético, la naturaleza misma, que se presta como altar de la iglesia, este cuadro aporta matices de colores cambiantes durante todo el año, por medio de las estaciones (ver Fig. 2 y 3).


Fig. 2 y 3, Iglesia sobre el Agua, Hokkaido, 1988. Dos escenarios que brinda la naturaleza como altar. A través del estanque frente a la iglesia, ésta se conecta con la naturaleza, impactando visualmente con la cruz de metal en medio del estanque, y se crea una relación interior-exterior. Esta característica es la misma que se presenta en la Iglesia de la Luz, la conexión entre Dios y el hombre a través de una guía, en este caso, el agua cristalina producto del reflejo de la luz, es el medio que conecta la Iglesia con Dios, representado por la naturaleza y la cruz de metal.
El volumen superior que en su interior lo define 4 cruces, creando una placita, con un piso de vidrio mate, este espacio trabaja como un cubo de luz que debajo, en su interior, alberga tres salas de espera, donde la luz cenital que traspasa el vidrio mate envuelve el sitio con sublime solemnidad, la espera no se vuelve desesperante si no placentera gracias al efecto luminoso.

La luz solar, el agua, la vegetación, en resumen, la naturaleza en si, son componentes cruciales en esta edificación y objetos de los cuales Ando no se desliga en sus demás proyectos, como en la tercera de estos recintos cristianos, la Capilla de Rokko, aunque no es tan afamada como las dos anteriores, afirma la relación de luz, naturaleza, religión y forma.
Fig. 4, Capilla de Riokko, Kobe,1986.


La capilla de Rokko se localiza en Kobe, construida en 1986, siendo también parte del Hotel Rokko Housing. El acceso a la capilla es a través de un túnel de vidrio y metal, llegando a un vestíbulo oscuro y severo, pero el espacio se abre al entrar al salón con un baño intenso de luz, semejando al paso de las tinieblas a la luz, de lo mundano a lo puro; ésta luz se instala en la capilla por medio de un gran ventanal que sustituye una pared lateral, por el mismo ventanal se hace la relación con la naturaleza que contrasta sus tonos coloridos con el mono cromatismo del salón (ver Fig. 4).
En la pared del altar y en la contraria a ésta se puede apreciar un efecto producido por unas delgadas y alargadas ranuras ubicadas en la unión de la pared con el techo, que permiten el ingreso de un juego de luz, cambiante al paso de las horas durante el día. Asimismo este efecto da la libertad a los elementos de estar separados virtualmente de la estructura, articulando el espacio, las sombras que se agregan por el mismo efecto suavizan y envuelven el ambiente.
En la capilla se da un ritmo de oscuridad-luz-oscuridad y así sucesivamente; en el túnel se da la luz, en el vestíbulo oscuridad, en el salón la luz, en el altar se vuelve a dar oscuridad hasta que se interrumpe por el ingreso de la luz a través de las ranuras del techo y sigue este ritmo desarrollándose infinitamente.

Con este ensamble propicio de la luz, Ando, cambia la percepción habitual del espacio aportándole mayor sensación, incluso ayuda en la función de éste, ya que sus elementos tanto naturales como artificiales influyen en la meditación, oración e introspección del usuario.
En los tres ejemplos, se puede apreciar lo anterior, así mismo las formas puras, el monocromático material utilizado, el juego de luces y todos elementos que la enriquece, sin embargo a cada iglesia, Ando le da su individualidad en la manera en que aplica las particularidades de su estilo, reconociéndose independientes la una de la otra. Por ejemplo, en la Iglesia de la Luz con su singular cruz de luz, la Iglesia sobre el agua, su escenario de la naturaleza y su cruz de metal en el estanque, y la Capilla de Rokko su acceso por el túnel y la simplicidad de su altar adornado con la luz natural.
La evocación de la luz en el arquitecto no seria la misma sin su particular uso del hormigón, ya que siendo una textura monocromática, permite que la luz se enfoque en un punto, realce algún elemento, o enfatice algo simbólico. A diferencia de otros arquitectos que también utilizan la luz como material como en el caso de Botta, arquitecto suizo, que hace un juego de luz y sombras para crear texturas, acompañado de las texturas de los materiales que el utiliza, o el caso del arquitecto español, Calatrava, quien magnifica el color blanco en sus proyectos, para permitir que al paso de la luz se irradien sobre la superficie blanca del volumen los distintos colores de ésta, aportando color y vida a su obra.

“No creo que la arquitectura tenga que hablar demasiado, debe permanecer silenciosa, y dejar que la naturaleza guiada por la luz y el viento hable”[4]; así define su arquitectura Ando, quien con su destreza del uso de la luz con la forma geométrica, su sello con el hormigón, y su habilidad deductiva para despertar sensibilidad en el habitante, se hace único mundialmente y lo manifiesta no solo en esta trilogía si no en toda su arquitectura, tal y como el lo dice: “Pienso que la arquitectura se torna interesante, cuando se muestra este doble carácter: la máxima simplicidad posible, y a la vez, toda la complejidad que pueda dotársela” . El componente luz es el encargado de dotar esta complejidad al espacio y realzar la sencillez de sus formas convirtiéndolas en un refugio para el espíritu, y en espacios que trascienden con su infinidad de emociones y su sencilla belleza.

Bibliografía
Harris, J., & Harris, C. (s.f.). Tadao Ando: Poesia en Hormigon. Recuperado el Sabado 10 de Mayo de 2008, de Arquitectura Chile: http://www.arqchile.com
Zeballos, C. (s.f.). La Iglesia sobre el Agua, La Iglesia de la Luz, Capilla de Rokko. Recuperado el Viernes 9 de Mayo de 2008, de Blog Mi Moleskine Arquitectonico: http://moleskinearquitectonico.blogspot.com

(Kunihiro, 1991)
[1] Le Corbusier, de Wikiquote, Citas. Recuperado el sábado 10 de mayo, 2008. Online.
Disponible en http://es.wikiquote.org/wiki/Le_Corbusier
[2] Perez Rosas, Mario. Tadao Ando Conferencia Magistral. Mexico 2001. Recuperado el sábado 10 de mayo, 2008. Online. Disponible en http://www.da.com.mx/PAGINAS/ensayos/conferencia%20tadao%20ando.pdf
[3] Ibíd.
[4] Harris, Jorge y Harris, Carolina. Tadao Ando: Poesía en Hormigón. Recuperado sábado 10 de mayo, 2008. Online. Disponible en http://www.arqchile.com

martes, 18 de noviembre de 2008

Invitación

Mañana a las 9 de la mañana un estudiante italiano de arquitectura estará presentando su tesis. Será en un aula de nuestra facultad, nos encantaría que nos acompañaran.

viernes, 14 de noviembre de 2008

Contenido de los trabajos, segundo parcial

Hoy fue el examen del primer parcial :P, así que es tiempo de prepararse para el segundo.
El grupo de cada movimiento debe entregar un trabajo por escrito que debe contener -obligatoriamente- los siguientes elementos:
1) Portada
2) Índice
3) Introducción
4) Antecedentes del movimiento: su origen, las influencias que tuvo, el marco histórico social de la época en que se dió
5) Contenido: discutirán las características propias de cada movimiento, estudiando a uno o varios arquitectos, analizando una cantidad reducida de proyectos (máximo 3). (Recuerden que en clase se expondrán varios movimientos con características parecidas, así que deben ser específicos y ser capaces de distinguir a su estilo arquitectónico de los demás.)
6) Conclusiones
7) Bibliografía: esto es muy importante. Deben averiguar la forma correcta de presentar bibliografía proveniente de internet, y desde luego de libros. Recomiendo que tengan varias fuentes de información, no sólo el internet. En la biblioteca de la escuela hay muy buenos libros sobre movimientos y arquitectos de vanguardia que pueden consultar.
Las citas textuales que se hagan en el trabajo deben estar debidamente referenciadas.
Cómo se redactan y lo que contienen todos esos elementos de un buen trabajo escrito lo debe investigar cada grupo por su cuenta.
Del trabajo escrito van a hacer también una presentación en digital. Esta presentación debe tener poco texto en las diapositivas, y de la misma forma que el trabajo, se van a analizar máximo tres proyectos. En la medida de lo posible hay que tratar de no leer mientras se está exponiendo.
El día de la exposición cada grupo debe entregar el trabajo impreso, y en un cd aparte la presentación y el informe en digital.
En cada clase van a exponer dos grupos. Luego de esas exposiciones va a empezar un debate entre ellos, por lo que cada quien debe estar familiarizado con el tema que su contrincante va a presentar.
Por este medio estaré dando consejos para los grupos que vayan a exponer. Por ejemplo, la otra semana le corresponde a Minimalismo y Racionalismo:
- El minimalismo debe centrarse en tres arquitectos: Alberto Campo Baeza, John Pawson y Tadao Ando.
- El racionalismo debe centrarse en los aportes de los hermanos Krier y el arquitecto Mario Botta.
Los alumnos que no expongan esa semana no están exentos de investigar los temas que serán vistos en clase, deben venir listos para responder preguntas.
Este viernes se comenzará con una introducción a todos esos movimientos, y deben estar preparados para responder qué es pluralismo en la arquitectura y porqué ha sido posible en estos últimos tiempos.
Mucha suerte a todos! Los felicito por su participación, su interés y su iniciativa en el primer parcial.

miércoles, 12 de noviembre de 2008

De lo orgánico a lo abstracto

(Contribución de una excelente alumna del periodo corto de este año que prefirió permanecer anónima.)

Santiago Calatrava es considerado como uno de los más importantes arquitectos especializados en grandes estructuras, que se caracterizan por una extraordinaria estética y armonía. Posee una formación completa, pues él sintetiza el pensamiento de escultor, arquitecto e ingeniero en una sola persona. Su arquitectura se sustenta en la ingeniería del siglo XIX y se fundamenta en la capacidad de experimentar con formas orgánicas para asemejarlas a formas abstractas, logrando diseños complejos a partir de formas sencillas, por medio de estructuras del siglo XX, abriendo un nuevo camino a la arquitectura contemporánea.

Es un arquitecto español, que nació en Benimanet (Valencia) el 28 de julio de 1951. Desde los 8 años estudio en la Escuela de Bellas Artes donde empezó formalmente su preparación como dibujante y pintor. “Antes que arquitecto quiso ser pintor. Llena sus cuadernos de dibujos, lápiz, acuarela, deja que la mano hable. Y después el edificio. Un libro recorre el proceso de un creador polémico, pero requerido en todo el mundo” ¹. Esto nos revela que Calatrava siempre quiso dibujar, en realidad él quería ser artista, un artista renacentista que expresa sus creaciones primero en sus dibujos y después las refleja en sus obras arquitectónicas.

A los 13 años su familia lo envió a Paris a través de un programa de intercambio estudiantil. De regreso a Valencia, terminó sus estudios escolares y se matriculó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde se graduó como arquitecto y donde realizó un curso de post- graduado en Urbanismo. Mas tarde se traslado a Zurich (Suiza), donde se doctoró en 1981 como ingeniero civil. Ese mismo año abrió su oficina en la ciudad Suiza, y desde allí inició una inagotable actividad por todo el mundo, convirtiéndose de esa manera en un profesional atípico: “un hombre con un pie en el detalle del dibujo y otro en el campo abierto del urbanismo”.Con esta afirmación nos damos cuenta claramente que Calatrava tiene dos facetas preponderantes: el interés por el dibujo al ser artista, y la de arquitecto, porque a través de sus obras genera un aporte y un rumbo distinto en cada ciudad donde inserta sus obras, interesándose en mejorar y cambiar de manera positiva la imagen de la urbe.

Sumando intenciones y hechos, la obra completa del arquitecto nos habla de la correspondencia entre todos los Calatrava: el arquitecto, el pintor, el ingeniero y el escultor, aquel profesional capaz de atender a la arquitectura no solo como una función, sino como creador de grandes obras que van más allá, aunque nunca sacrifica la función. “Alguien que busca explorar el perfil artístico de una disciplina, un autor con sed de monumentos”2. Es un arquitecto que a través de su trabajo nos revela a alguien dispuesto a trascender el lado pragmático de los edificios.

Debido a su interés por estudiar ingeniería, aprendió a mirar, pensar y dibujar como un ingeniero, logrando así diseños complejos a partir de formas sencillas, buscando concebir
el mundo a través de números, haber sus proyectos como una obra viva relacionada entre

Tomando así “el ansia por la belleza de la naturaleza y la energía de las fuerzas espontáneas y también los momentos mas expresionistas de la arquitectura” 3.Nos plantea que su arquitectura busca vislumbrar la belleza en estructuras en equilibrio, como los puentes, sugiriéndonos así aspectos misteriosos, fantasiosos, imaginativos que no se encuentran en el cálculo. Siendo este el punto de vista que hace que sus obras hagan alusión al movimiento en el cual ha sido presentado en el “ Neoexpresionismo” , por hacer de sus obras un objeto plástico fácilmente reconocible; las cuales podemos sintetizar a través de formas orgánicas(analogías del cuerpo humano y de la naturaleza) para asemejarlas a formas abstractas, que se convierten en el fruto de un diseño complejo que partió de una forma sencilla por medio del uso de los principales paradigmas de producción entre ellos el equilibrio, el movimiento, la flexibilidad y la suspensión.

Nos manifiesta que: “El dibujo es el laboratorio de sus ideas, la expresión primera. Los gestos de las mano hablan –ha dicho”4. Pues si tomamos como referencia que las ideas rectoras de sus proyectos son inherentes a los dibujos que realiza, veremos con preponderancia los bosquejos del cuerpo humano, gestos y movimientos detallados, rostros en medio de croquis para edificios, animales y formas naturales, reflejadas de manera abstracta a través de la volumétrica que adquieren sus edificios.

Como claro ejemplo podemos citar “El Planetario” (Ver Fig. 1) ubicado en la ciudad de las artes y las ciencias.

Donde toma como idea la imagen del ojo humano, y la abstrae en su totalidad, para generar como resultado el concepto volumétrico planteado. (Ver Fig.2).
Fig. 1 .Planetario.
Fig. 2. Analogía

Toma la representación sintética del ojo y la asemeja a una esfera, los parpados a unas líneas oculares que representan la mirada de ese ojo volátil, aéreo o mental, susceptible de quedar en suspensión. “El ojo representa la vista, y por medio de ella podemos observar” Cumple de manera eficaz con el fin de su obra, abstraer la forma del ojo humano para convertirlo en una forma fiel de la representación de su observatorio.

Gracias al interés que demostró Calatrava por las matemáticas, aprendió el idioma que traduce una imagen a números : el rigor matemático para traducir las cifras de las curvas de un torso, como previo para entender el giro de un rascacielos(Ver fig.3), y una vez mas podemos observar como se refleja en la forma del edificio una analogía anatomía aplicada de manera abstracta en la arquitectura, logrando crear por medio de estas, un dialogo entre la obra y el espectador, que no intenta llegar a hacer de este un conocedor de la estética arquitectónica si no que tenga una experiencia plástica espacial.


Fig. 3 .Analogía del cuerpo humano, con el rascacielos.


Santiago Calatrava es uno de los pocos arquitectos que podemos llamar “universales”, por la formación completa que lo identifica en sus múltiples facetas, las cuales le permiten crear una arquitectura diferente, sustentada en formas orgánicas que se sintetizan y representan a través de formas abstractas, logrando una máxima representación espontánea por medio de la plasticidad que adquieren sus obras, diferentes a las demás. “Calatrava se ve como un barco en el mar que deja un rastro por detrás, pero no tiene nada por delante, solo un horizonte abierto”5, pues su arquitectura marca un camino nuevo, diferente e interesante en el campo de la arquitectura contemporánea y una nueva visión para realizarla.

Referencias:
1 Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Cita recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en
http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/
2 Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Cita recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en
http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/
cada una de las partes que la componen, por lo que se a llegado ha comparar su obra con la Frank Lloyd Wright o Antonio Gaudí. Desarrollando una arquitectura organicista representada de manera abstracta con una alta tecnología, continuando la tradición estructuralista.
3 Cita de Antonio Gaudi. Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en
http://www.arquitecturaeingenieriasantiagocalatrava.com/
4 Cita de Santiago Calatrava. Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en
http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/
5 Cita de Santiago Calatrava. . Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/

Bibliografía

Sueños de arquitectura de Santiago Calatrava. Cita recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en
http://www.sueñosdearquitecturasantiagocalatrava.com/

Santiago Calatrava arquitectura e ingeniería. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en
http://www.arquitecturaeingenieriasantiagocalatrava.com/

Bibliografia de Santiago Calatrava. Recuperada el jueves 31 de Julio de 2008. Online. Disponible en
http://www.arquitectura.com/.../calatrava/calatrava.asp

Microsoft ® Encarta ® 2007. © 1993-2006 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

lunes, 10 de noviembre de 2008

Chequeando el pulso de la industria de arquitectura

A todos aquellos que quieran responder una encuesta de Archinect sobre su opinión con respecto a la industria de la arquitectura y su perspectiva sobre cómo se ve afectada por la crisis económica les dejo el link.

domingo, 9 de noviembre de 2008

El último tema del primer parcial

Dejo la presentación en Power Point de Lukács, que es el último de los filósofos que se estudian en la clase.

Georg Lukács
View SlideShare presentation or Upload your own.


Como todos los alumnos deben leer el capítulo sobre Arquitectura del tomo de Estética de Georg Lukács, dejo unas cuantas preguntas para que al responderlas facilite su comprensión.
- ¿Cuál es la crítica que hace a Hegel?
- ¿Cómo fueron los inicios de la arquitectura?
- ¿Cómo nace un arte?
- ¿Qué es el salto cualitativo? ¿Cuál fue el salto cualitativo de la arquitectura?
- ¿Cuáles son los dos componentes esenciales (mímesis) de la arquitectura?
- Mencione algunas diferencias o semejanzas con otras artes.
- ¿Qué piensa Lukács de la Bauhaus? ¿del Modernismo?
- ¿Cuáles son los efectos del capitalismo en la arquitectura?
- ¿Cuál es la importancia de Lukács en comparación con los otros filósofos que se han estudiado en la clase?
-

sábado, 8 de noviembre de 2008

La crítica del juicio del gusto y la arquitectura

Por Fredy Lagos (alumno de este semestre)
Mi intención no es brindarles un nuevo patrón para determinar cuando un objeto es bello o no lo es; lo que busco es que tengan la oportunidad de conocer las críticas del juicio del gusto que el gran y buen ponderado filósofo Emmanuel Kant nos haya legado años atrás para describir lo que él llamaba Dialéctica del juicio estético y como lo podemos aplicar en nuestros tiempos, en particular al campo de la arquitectura.

Según nos describe Kant, son cuatro momentos los que nos han de ayudar a decir cuando un objeto es o no bello, y son : la cuantidad, la cualidad, la modalidad y la finalidad.

La cualidad se ha de referir al goce estético que nos provoca un objeto; es decir, las sensaciones que nos puede transmitir, aunque quizá estas no sean las razones por la cual fue creado, por eso decimos que es intencionalidad sin intención, un juicio propio salido de nuestro ser.

Un caso muy en particular lo hallamos en la “arcada” del parque central de Tegucigalpa, la cual ha sido objeto de crítica; para muchas personas es una simple pared que no cumple con ninguna función y que por el contrario obstaculiza el paso de los transeúntes, para otros se trata de un elemento artístico que sencillamente da belleza al lugar, y quizás para otros simplemente los remonta al pasado. Pero lo interesante de este caso son las distintas sensaciones (agradables o desagradables) de aquellos que lo ven e interpretan a su manera, pero que no se acercan a la idea de su creador (Ver figura 1).

La cuantidad es el juicio del gusto en el cual tenemos conciencia de ser por completo desinteresados, puede, pues, reclamar con justo título un valor universal, aunque esta universalidad no tenga un fundamento en los mismos objetos; o en otros términos, hay derecho a una universalidad subjetiva, como nos lo explica Antonio Novo en su ensayo “Critica del Juicio”.
Podemos citar el caso las “Ruinas de Copan”, históricamente sabemos que allí celebraron sacrificios humanos y como seres consientes del derecho a la vida para todos los individuos, condenamos el sacrificio humano, pero no por esa razón hemos de decir que su arquitectura deja de ser un legado para la humanidad y mucho menos que tiene un valor histórico.

El tercer momento es la “modalidad” y esta se define como las distintas sensaciones que percibimos del mismo objeto cada vez que lo vemos, y que cada vez serán distintas. Imaginémonos el salón de convenciones del Hotel Marriot, donde se ha de dar una serie de eventos de distinta naturaleza; para el caso si se da una conferencia acerca de mercadeo entonces el espacio nos ha de transmitir un ambiente de seriedad , si se trata de un cena de gala el espacio deberá ser acogedor y será propicio para recrear un ambiente sociable para sus invitados, si se trata de un evento infantil deberá transmitirnos la alegría, incluso si vamos de día no será lo mismo que cuando vamos de noche, y así sucesivamente ; lo peculiar es que se tratara siempre del mismo espacio y cada vez que lo visitemos nos hará percibir distintas emociones.

El cuarto y último momento es la finalidad; que es la representación del efecto, este es el principio que determina la causa misma de este efecto, y le precede o sea la facultad de querer, en tanto que no puede ser determinada a obrar más que por conceptos; supone necesariamente la representación de un fin, desde que no podemos explicar y comprender esta posibilidad más que dándole por principio una causalidad que obra conforme a fines; en pocas palabras, la belleza es la forma de la finalidad de un objeto, en tanto que la percibimos sin representación de fin (Antonio Novo, ensayo “critica del Juicio”).

Podemos volver al ejemplo inicial de la “arcada del parque central” discutida al principio; las personas la perciben e interpretan a su manera, pero lo que muchos no saben es que cumple con un valor histórico, pues detrás de el existió un edificio con la misma fachada que hoy se muestra en este elemento arquitectónico para despestar las sensaciones nostálgicas de aquellos que lo recuerdan con agrado (ver figura 1 y 2).


Podemos decir entonces, que la belleza es subjetiva, pues responderá al punto de vista de cada quien; lo que para mi puede ser bello, para otra persona puede que no lo sea, sin embargo hemos de emitir un juicio sin prejuicios y juzgar una obra en base al concepto que la origino; es por esa razón que, como arquitecto debo estar abierto a las distintas críticas que se me hagan independientemente de que persona pueda venir.

miércoles, 5 de noviembre de 2008

Temas del examen primer parcial

Esta es la lista de temas que serán evaluados en el examen del primer parcial: el viernes 15 de noviembre:

-Las teorías estéticas y su relación e influencia en la arquitectura de los siguientes filósofos:
1) Platón
2) Kant
3) Hegel
4) Lukács

- La arquitectura fractal

- El ensayo de Colin Rowe: "Las matemáticas de la vivienda ideal"

- Los siguientes ensayos de "Anti arquitectura y deconstrucción":
1) "El peligro del Deconstructivismo"
2) "El nuevo traje del emperador"
3) "Espacio alabeado"
4) "La arquitectura del siglo XX como culto"

martes, 4 de noviembre de 2008

Resumen de la clase del viernes 31 de octubre

Se terminó de explicar la filosofía estética de Hegel, por lo que se postergó para este viernes a Georg Lukács. Es necesario que lo investiguen y de manera óptima que consigan el capítulo sobre arquitectura de su libro "Estética", que se encuentra en la Colección General de la Biblioteca Central de la universidad. También pueden remitirse al alumno Fredy Lagos para conseguir la copia.
Empezó el proceso de escoger un grupo y un tema para las exposiciones/debates del segundo parcial. Dos grupos por clase van a exponer, por 20 minutos cada uno, el tema que les corresponde y después se van a enfrentar en un debate en el que van a defender su movimiento de vanguardia. Hasta ahora están tomados los temas: Minimalismo, Deconstructivismo, High Tech, Arquitectura ecológica y Mega construcciones. Faltan: Neo expresionismo, Racionalismo y las Experimentaciones Japonesas. Los grupos son de dos personas. Cada grupo debe preparar una presentación en digital y un trabajo escrito sobre su tema.
El viernes se entregaron los ensayos sobre la crítica del juicio del gusto de Kant y su influencia en la arquitectura. Quien no lo llevó esta vez debe entregarlo este viernes.
Se continuarán con las exposiciones de un minuto sobre Salíngaros. Quien necesite el archivo que me contacte por este medio, por el correo o en la universidad.
El examen sería después de esta clase de Lukács. Pero asistan este viernes para saber cuándo exactamente...